PhotoBrussels celebra su décimo aniversario

Este fin de semana se inauguró la décima edición de este festival que este año reúne 52 exposiciones presentadas en varios espacios de arte contemporáneo, como galerías particulares, centros de arte y museos, cada uno de ellos ofreciendo una perspectiva única sobre el medio fotográfico. 

Hasta el 22 de febrero de 2026, más de un centenar de artistas —la mitad de ellos belgas— muestran la riqueza y diversidad de un lenguaje visual que está profundamente arraigado en nuestro tiempo, llegando a un numeroso público cada vez mayor y curioso. El PhotoBrussels Festival contará con 52 exposiciones en diversos puntos de la ciudad para ofrecer al aficionado la oportunidad de sumergirse en imágenes que perduran, provocan e inspiran.

Cada día en el mundo se incorporan aproximadamente 95 millones de fotos solo a Instagram, una cifra que subraya el doble papel de la fotografía como expresión íntima y memoria colectiva. En esta era digital, de redes sociales y nuevas tecnologías, existe una cultura de la imagen tan saturada que la fotografía, que debería seguir siendo fruto de la práctica artística del fotógrafo, se desvirtúa hasta el punto de quedar reducida a la simple inmediatez, a unos efímeros “me gusta” en las redes sociales, y a otras banalidades temporales.

No obstante, PhotoBrussels nos recuerda la capacidad perdurable del medio fotográfico para ralentizar el tiempo, transformar nuestra percepción y forjar así conexiones a través de la experiencia. En esta ciudad, la fotografía se afirma no como un complemento de la vida, sino como una lente a través de la cual se puede explorar e imaginar el mundo interpretado con una nueva óptica.

La escena fotográfica belga, como de nuevo es patente en este aniversario, es un espacio para la experimentación continua. Este festival acoge a una generación de artistas cuya valentía estética desafía las convenciones sin perder su compromiso social. Así pues, este enfoque en nuevos autores garantiza que la fotografía siga siendo un medio vivo, capaz de abordar cuestiones urgentes de identidad, conciencia ambiental y transformación social.

La inclusión de estas perspectivas emergentes junto con profesionales veteranos fomenta que se produzca el diálogo intergeneracional, enfatizando así el papel de la fotografía como registro del presente y catalizador de la imaginación. 

En PhotoBrussels la fotografía se convierte en un gran espacio de intercambio, un espacio donde lo íntimo se encuentra con lo colectivo y donde se exploran temas contemporáneos.

Más información

PhotoBrussels Festival.

Enlace de interés

PhotoBrussels Festival 2025.

Fotografía ‘The Anonymous Project’ © Lee Shulman

‘Los Muertos’, de James Joyce (The Dead)

                                        

La Bloomsday Society y la Embajada de Irlanda convocan la tradicional lectura de la obra de James Joyce, como venía haciendo esta asociación desde 2014 con la célebre ‘Ulises’.

El acto lo presentará la escritora y abogada Sara Cantó Pastor, el próximo 30 de diciembre, en la Sala Larra del Ateneo de Madrid, y contará con los lectores: Brian Glynn, embajador de Irlanda en España; David Butler, Ophelia Leon, Juan Olmedilla, Lois Humphrey, Bill Dixon, Concha D’Olhaberriague, Judy Macinnes, Julie Hoare y James Hartley. Amenizará la velada la violinista Lucía Rodríguez.

La Bloomsday Society fue fundada por Sara Cantó Pastor el 16 de junio de 2014, para difundir la obra de James Joyce y otros escritores irlandeses y compartir con la comunidad literaria su pasión por Irlanda y la cultura celta. En el año 2010 Sara se trasladó a Dublín, ciudad donde vivió tres años. Durante este periodo, cursó estudios de literatura irlandesa en la University College of Dublin para profundizar en la obra de Joyce.

El 16 de junio de 1904 fue el día en el que Joyce tuvo su primer encuentro con Nora Barnacle, quien se convertiría posteriormente en su esposa. El Bloomsday es un evento anual que se celebra en honor de Leopold Bloom, personaje principal de su novela ‘Ulises’. Y desde 1954 se celebra todos los años el día 16 de junio.

Este día los prosélitos de Joyce procuran comer y cenar lo mismo que los protagonistas de su novela, o bien realizar distintos actos que tengan su paralelismo con esta obra. Especialmente se realizan encuentros en Dublín para seguir el itinerario exacto narrado en la novela.

Considerada obscena por los editores estadounidenses e ingleses que rechazaban el trabajo de Joyce una y otra vez, es considerada en la actualidad por gran parte de la crítica la mejor novela en idioma inglés del siglo XX. ‘Ulises’ es una de las novelas más influyentes, discutidas y renombradas del pasado siglo.

Pero en esta ocasión la lectura será la de ‘Los muertos’ (The Dead), el cuento más extenso y elaborado de los quince que componen la obra ‘Dublineses’ (Dubliners, 1914), y es el más literariamente significativo de todos ellos. Según el escritor y ensayista británico Anthony Burgess, ‘Los muertos’ es el informe más personal en la larga crónica dublinesa que supuso para Joyce el trabajo de su vida.

El baile anual de las señoritas Morkan, en su casa dublinesa, era siempre un acontecimiento. Sin embargo, el tema de fondo de esta historia no es la celebración navideña, sino la muerte. La muerte de seres queridos lleva a los personajes al recuerdo de sus vidas, especialmente a Gretta Conroy. Su marido, Gabriel, sufre una amarga revelación al final de la historia, que encarna una de las célebres epifanías joyceanas. 

Más información

Ateneo de Madrid.

Enlaces de interés

Bloomsday society blog.

‘Los muertos’, James Joyce (audiolibro en español).

El ‘Ulises’ de Joyce cumple 100 años.

Muere el fotógrafo de Magnum Martin Parr

El popular fotógrafo británico de la Agencia Magnum, Martin Parr, fallecía en Bristol el pasado 6 de diciembre, a la edad de 73 años, dejando una enorme obra gráfica.

Autor de trabajos como los celebrados The Last Resort o Bad Weather, Martin Parr fue siempre un tenaz observador de la cotidianidad al que caracterizó su afabilidad y simpatía, además de un humor agudo como el que se desprende de muchas de sus capturas fotográficas, que a veces rozan el surrealismo.

Su pasión por la fotografía se debe a su abuelo George Parr, impresor jubilado y fotógrafo aficionado, que durante las vacaciones en Yorkshire junto a su esposa, Florrie, le inculcaría al joven Martin su entusiasmo por la fotografía.

Desde la década de 1970, finalizados ya sus estudios de fotografía en la Escuela Politécnica de Mánchester, como documentalista social demostraría tener un talento excepcional para transformar lo trivial en un trabajo de investigación, la vida cotidiana en teatro, y el consumo, el turismo y el ocio en un reflejo de las contradicciones de la gente corriente. 

Aunque empleó también el blanco y negro, sus fotografías impregnadas de vivos colores, ironía y trivialidad magnificada, representan algunos de los clichés visuales más sorprendentes y singulares de nuestro tiempo.

Martin Parr fue también un apasionado coleccionista, en particular de fotolibros, que consideraba un medio esencial para la divulgación de la fotografía. En Arlés, en 2019, durante la exposición ‘50 años, 50 libros’, presentó una selección de obras maestras de su biblioteca personal, que contiene más de 12.000 obras. Como autor ha publicado más de 140 libros y ha editado otros 30.

El recomendable documental I Am Martin Parr (2024), dirigido por Lee Shulman, profundiza en la esencia de este icónico fotógrafo, explorando la evolución de su singular estilo y el impacto de sus fotografías en nuestra percepción de la sociedad contemporánea. El espectador verá el mundo a través de los ojos del fotógrafo, un mundo a menudo saturado de color, ironía y una profunda comprensión del comportamiento humano.

En 2023 Martin Parr nos visitó con motivo de una nueva exposición y la entrega del VII Premio Internacional de Fotografía Alcobendas. Premio que, con carácter bienal, ha sido concedido a otros grandes fotógrafos como Alex Webb, Cristina García Rodero, Graciela Iturbide o Ramón Masats, entre otros.

A pesar de la enfermedad que venía padeciendo desde hacía varios años, Martin Parr siempre conservó la energía para embarcarse en nuevos proyectos. 

Más información

Sitio web oficial de Martin Parr.

Enlaces de interés

Documental ‘Yo soy Martin Parr’ (Filmin).

Martin Parr Foundation.

Fotografía de Martin Parr (2022) © Fernando Torres

Paris Photo se clausura en el Grand Palais

Paris Photo 2025 cerró ayer sus puertas en el Grand Palais de París. La clausura pone fin a cuatro días dedicados en exclusiva al arte de la fotografía.

Durante más de 25 años, como gran feria internacional enfocada al mundo de la imagen, ha sido una plataforma de referencia para explorar este medio en el que trabaja para apoyar y desarrollar la producción creativa, dando a conocer el trabajo de artistas y profesionales del sector.

El salón Paris Photo, que en 2023 fue la primera feria europea en dedicar un programa específico al arte digital, estuvo comisariada por Nina Roehrs como especialista en la materia, y presentó una selección de galerías contemporáneas y plataformas especializadas a la vanguardia de las nuevas tecnologías, mostrando el trabajo de artistas que integran la realidad digital en su obra.

Esta feria, que entre 2021 y 2023 se trasladó temporalmente al Palais Éphémère debido a las obras de renovación del Grand Palais, y que en 2024 regresaría triunfal a su histórica sede tras la reforma, celebró este año su 28ª edición de arte fotográfico acogiendo a más de doscientos veinte expositores, en un emblemático espacio situado en el mismo centro de la ciudad y que ahora se ha visto ampliado a más de 21.000 m².

Desde el pasado día 13 hasta este domingo 16 de noviembre, una intensiva programación se centró en continuar con el fomento del diálogo entre obras históricas y prácticas contemporáneas, congregando a artistas, galerías, editoriales, coleccionistas y otros representantes de instituciones y museos. Un multitudinario evento artístico que además de ser el punto de encuentro internacional del mercado fotográfico, propone una experiencia aún más inmersiva para los aficionados a la fotografía de todo el mundo.

El programa incluyó también interesantes charlas, como la enunciada ‘Arte, IA y agencia en constante cambio’; o la conversación entre Joan Fontcuberta y Sonia Berger sobre L’oeil et l’index. ‘El ojo y el dedo índice’ es el libro en el que este artista, docente y ensayista catalán explora la relación entre la fotografía y la realidad, inspirándose en la famosa frase “lo que fue” –referida por Roland Barthes en su célebre ‘La cámara lúcida’– para cuestionarse la validez de la idea de que la fotografía es siempre un testigo objetivo de la realidad.

Por otro lado, la exposición The Last Photo mostró una selección de obras de la colección de la historiadora del arte y filántropa neoyorquina Estrellita B. Brodsky, comprometida desde hace mucho tiempo con el apoyo a las escenas artísticas latinoamericanas. Presentada por primera vez en Europa, esta exposición reúne alrededor de cincuenta fotografías que abarcan desde la década de 1940 hasta la actualidad, así como videos, collages, fotocopias Xerox o serigrafías,  además de otras prácticas experimentales sin cámara.

Paris Photo también organizó a diario numerosas sesiones de firma de libros, reuniendo a artistas y editores en torno a sus últimas publicaciones. Entre los artistas participantes acudieron a la feria Todd Hido, Rinko Kawauchi, Sophie Ristelhueber, Paolo Roversi, Kourtney Roy y Joan Fontcuberta.

Desde que se fundaran en 2012, también un año más se entregaron en la feria los prestigiosos Paris Photo–Aperture PhotoBook Awards. 

Más información

Paris Photo 2025.

Fotografía expositor Galerie Olivier Waltman (‘Enfants de la rue’, 1964 © Gyula Zaránd) © Fernando Torres

Entrega de premios en el Trieste Photo Days

El pasado sábado 25 de octubre se entregaban los URBAN Photo Awards 2025 en la ceremonia que el festival Trieste Photo Days celebró en el paseo marítimo de esa ciudad italiana. 

El fotógrafo Matt Black, presidente del jurado de la Sección de Proyectos y Portafolios, seleccionó al fotógrafo mexicano Daniel Ramos como ganador de la sección por su proyecto ‘Carnival on the Outskirts’.

Paolo Verzone, presidente del jurado de la Sección de Fotos Individuales, otorgó el título de Fotógrafo del Año al fotógrafo español Luis Olivan Tenorio por su imagen ‘Porto in May’, seleccionada por el jurado entre las mejores fotografías en las categorías Streets, People, Spaces y Creativity.

La ceremonia de entrega de premios de la 16ª edición de los URBAN Photo Awards 2025 representó uno de los momentos más destacados de la 12ª edición del Trieste Photo Days, que contó, además de los citados, con Denis Curti y Dario De Dominicis como jurados.

El Artistic Sensitivity Award fue otorgado al fotógrafo polaco Roland Okon por la imagen ‘Summer in the City’. Entregado por el pintor y escultor Giorgio Celiberti, este reconocimiento celebra la visión poética y la capacidad para plasmar en imágenes la dimensión emocional y simbólica de la realidad urbana.

En otras categorías, la estadounidense Michele Zousmer obtuvo el premio especial Gazes on Existence y el reconocimiento TPD Best Author Edilimpianti 2025 por su proyecto MIS[S]UNDERSTOOD, centrado en las mujeres de la comunidad irlandesa Traveller. 

El italiano Nicolas Brunetti recibió el Patricia D. Richards Legacy Award 2025 con el proyecto Inshallah, mientras que el Civic Museums Award fue para el griego George Tatakis por la serie ‘Caryatis’.

En la categoría de libros, el Book Award fue otorgado a Fabio Domenicali por TEREN ZIELONY (Green Zone).

La convocatoria de este año estableció un récord de participación, con 10.685 imágenes individuales, 643 proyectos y portafolios y 90 libros enviados por más de 5.000 fotógrafos de todo el mundo, lo que refleja una calidad de entradas en constante aumento.

En su 16ª edición, los URBAN Photo Awards continúan consolidándose como uno de los concursos de fotografía más importantes a nivel mundial, congregando a miles de fotógrafos capaces de capturar en imágenes tanto la belleza como la complejidad de la vida urbana.

Más información

Todos los ganadores de los URBAN Photo Awards 2025.

Fotografía de Daniel Ramos © Fernando Torres

Robert Rauschenberg y el uso de las imágenes

En el centenario de su nacimiento, la Fundación Juan March expone en Madrid el trabajo de este pintor y artista estadounidense hasta el próximo 18 de enero. 

Cuando se cumplen cuarenta años de su primera exposición en la Fundación Juan March, las obras de Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas, 1925 – Captiva Island, Florida, 2008) regresan a la sede madrileña de la Fundación con una muestra que recoge las que el artista dedicó ex profeso a la fotografía. La exposición, realizada en colaboración con la Robert Rauschenberg Foundation, plantea revisitar toda su trayectoria como una práctica esencialmente fotográfica, situando la cámara en el centro mismo de su proceso creativo.

Rauschenberg, que como pintor alcanzaría popularidad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop–Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país junto con Jasper Johns, demuestra que la fotografía no fue para él un medio auxiliar, sino una forma de pensamiento visual que acompañó cada una de sus metamorfosis artísticas. Rauschenberg difuminó las fronteras entre pintura, escultura, collage y performance, abriendo el camino hacia el arte conceptual y los actuales lenguajes híbridos. Detrás de sus célebres Combines, esas piezas que mezclaban imágenes, materiales y objetos cotidianos, había una sensibilidad fotográfica que ordenaba su particular forma de ver el mundo.

En los años del Black Mountain College, Rauschenberg aprendería los fundamentos de la fotografía con Hazel Larsen y Aaron Siskind, dos figuras clave de la vanguardia norteamericana. Esa formación temprana definió su relación con la imagen no como un mero documento, sino como un campo de experimentación técnica y conceptual. Para Rauschenberg la cámara era un dispositivo para captar el azar y la textura de lo cotidiano, un instrumento de observación que luego trasladaría a sus lienzos y objetos.

En los cincuenta, para Combines incorporó recortes de prensa, imágenes publicadas y fragmentos del entorno urbano, integrando el lenguaje mediático en el terreno de la pintura. Más tarde, en 1962, Rauschenberg daría un giro técnico decisivo al comenzar a utilizar la serigrafía en sus Silkscreen paintings, un procedimiento que le permitía transferir fotografías directamente al lienzo. De este modo, su pintura se volvió literalmente fotográfica, convirtiendo el acto de ver y reproducir imágenes en el núcleo de su trabajo.

En la serie Random order, Rauschenberg encontraba una poética del caos donde todas las imágenes coexistían sin una clasificación precisa: la cultura popular junto al arte clásico, la prensa junto al recuerdo personal. Esa falta de organización visual se refleja también en la distribución de la exposición, que propone un flujo continuo de imágenes y técnicas, como si toda su producción formara parte de un mismo carrete infinito.

La muestra reúne un recorrido que va desde sus primeras fotografías de los años cincuenta, realizadas durante su estancia en el experimental Black Mountain College, hasta la serie Ruminations (1999), donde el artista combina imágenes y recuerdos personales como si se tratara de un álbum introspectivo. Con Ruminations, una serie que denota cierta melancolía y en la que el artista retoma sus archivos fotográficos para confeccionar un autorretrato de la memoria, llega a término este trayecto visual.

Con esta exposición, la Fundación Juan March no solo celebra el legado de uno de los creadores más influyentes del siglo XX, sino que ofrece una lectura lúcida de su obra: la de un artista que, cámara en mano, reinventó el acto de mirar.

Más información

Fundación Juan March.

Fotografía de Robert Rauschenberg en su estudio (Nueva York, 1968) © Shunk-Kender. Getty Research Institute, Los Angeles. Donación de la Roy Lichtenstein Foundation en memoria de Harry Shunk y János Kender © J. Paul Getty Trust

Una retrospectiva del legendario Robert Capa

Una mirada a la historia de Europa del siglo XX a través de las fotografías del reportero autor de la instantánea ‘Muerte de un miliciano’. 

“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es que no te has acercado lo suficiente.” Robert Capa.

El Círculo de Bellas Artes presenta en Madrid la mayor retrospectiva en España dedicada a Robert Capa, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. La muestra reúne más de 250 piezas originales entre fotografías de época, publicaciones y objetos personales procedentes de la Golda Darty Collection y de los archivos de Magnum Photos.

Endré Frieddman (Budapest, 1913 - Indochina, 1954), más conocido como Robert Capa, se convirtió en el gran referente del fotoperiodismo moderno. Su carrera, aunque breve, lo llevó a cubrir cinco conflictos decisivos: la Guerra Civil Española, la guerra chino-japonesa, la Segunda Guerra Mundial, la primera guerra árabe-israelí y la guerra de Indochina. La célebre ‘Muerte de un miliciano’, símbolo de la Guerra Civil; las fotografías tomadas bajo fuego enemigo en Omaha Beach durante el Desembarco de Normandía; o los retratos íntimos de soldados y civiles, que revelan la dimensión más humana del conflicto, son imágenes que hoy forman parte de la memoria colectiva.

Esta exposición reúne un conjunto excepcional de fotografías originales reveladas en su momento por el propio Capa, lo que permite apreciar el modo en que circularon en periódicos y revistas de la época. Esas instantáneas conservan la inmediatez del momento, con toda la urgencia y las marcas de su tiempo, lejos de las copias posteriores más retocadas.

Junto a ellas, se muestran objetos personales —como una de sus cámaras Leica, su máquina de escribir o documentos de viaje— que permiten acercarse al día a día del fotógrafo. Estos elementos recuerdan que Capa fue, además de reportero, un hombre vitalista y curioso, apasionado por el cine, los viajes y la amistad.

Ligado a la fotografía de guerra, Robert Capa también retrató a grandes personalidades de la cultura como Picasso, Hemingway o Ingrid Bergman, y exploró otros géneros como la moda, el cine o la fotografía de viajes. Desde finales de los años treinta experimentó con el color, y tras la Segunda Guerra Mundial lo incorporó a menudo en sus reportajes para revistas internacionales.

Las escenas en color que pueden verse en la exposición ofrecen una mirada distinta: un Capa menos conocido, que captura la vitalidad de la vida cotidiana, los paisajes y los retratos con una frescura sorprendente.

Capa murió en 1954, a los 40 años, al pisar una mina mientras cubría la guerra de Indochina. Su vida corta y su compromiso con estar siempre “en el corazón de la acción” lo convirtieron en leyenda. Tras su muerte, su hermano Cornell Capa se dedicó a conservar y difundir su legado, al que también contribuyeron la agencia Magnum Photos —fundada por Robert junto con Henri Cartier-Bresson, David “Chim” Seymour y otros— y numerosos investigadores.

Actualmente sus imágenes siguen interpelando con la misma fuerza que hace décadas. No solo muestran lo que ocurrió, sino también cómo eligió mirarlo: con cercanía, humanidad y un claro compromiso con quienes sufrían la violencia de la guerra.

Más información

Robert Capa Icons.

Fotografía (parcial) Robert Capa en China (1938)