Wim Wenders en el curso del tiempo

El DFF presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, ‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’. 

Esta exposición muestra el trabajo de Wenders a lo largo de una vida como el cineasta, productor, fotógrafo, autor y artista visual que, de una manera inspiradora, ha contribuido a conformar la cultura internacional durante más de seis décadas.

Wim Wenders (Düsseldorf, 1945) es considerado una de las figuras más importantes del cine contemporáneo mundial. Ganó el premio BAFTA a la mejor dirección y la Palma de Oro por ‘París, Texas’ (1984), así como el premio al mejor director en el Festival de Cannes por ‘Las alas del deseo’ (1987). Entre sus otras películas destacadas se encuentran ‘El amigo americano’ (1977), ‘¡Tan lejos, tan cerca!’ (1993) y ‘Días perfectos’ (2023), su película de mayor éxito internacional, nominada al Óscar en 2024. Sus largometrajes ‘París, Texas’ y ‘Las alas del deseo’ son considerados clásicos del cine internacional, al igual que sus innovadores documentales ‘Buena Vista Social Club’ (1999), ‘Pina’ (2011) y ‘La sal de la Tierra’ (2014).

Esta exposición, que celebra su impacto en el cine universal, se centra en su vida y obra, incluyendo numerosos objetos como guiones, fotografías, utilería y vestuario de sus películas. Entre los aspectos más destacados se encuentra la narración de la audioguía a cargo del propio Wenders y la creación de una instalación inmersiva que invita a los visitantes a adentrarse en sus mundos visuales. El visitante podrá explorar temas centrales en la obra de Wenders como son el viaje, la nostalgia, la soledad y la búsqueda de identidad, elementos muy presentes en su película ‘En el curso del tiempo’ (1976). 

Wenders es una de las figuras más emblemáticas del cine contemporáneo, conocido por su capacidad para capturar la esencia del viaje y la búsqueda existencial. Su obra está profundamente marcada por el concepto del “road movie” y una estética visual que fusiona el cine con la fotografía fija.

La fotografía de Wim Wenders es tan fundamental como su cinematografía. Sus libros no son simples catálogos, sino diarios visuales que exploran la relación entre la imagen fija, el tiempo y el espacio. Un ejemplo de ello es el libro ‘Historias instantáneas’ (Instant Stories), una compilación de más de 400 Polaroids tomadas desde los años 70 hasta hoy, que incluye retratos de amigos, actores y apuntes visuales de sus viajes, acompañados de historias cortas y haikus escritos por el propio Wenders.

‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’ es una muestra del DFF (Deutsches Filminstitut & Filmmuseum), Frankfurt am Main, en colaboración con la Bundeskunsthalle, Bonn, y la Fundación Wim Wenders, con el amable apoyo de Wenders Images and Road Movies.

Hasta el 18 de octubre de 2026 en el DFF (Instituto Alemán de Cine y Museo del Cine), de Fráncfort (Alemania).

Más información

DFF, Frankfurt am Main.

Enlaces de interés

Site oficial de la Fundación Wim Wenders.

Fotografía serie ‘Written in the West’ © Wim Wenders

‘En las sombras’, Premio Nadar al fotolibro

El próximo miércoles, 29 de abril, en el marco de las actividades organizadas por los Amigos del Museo Nicéphore Niépce, se presenta la obra ‘Aux Ombres’ (En las sombras) de Éditions Lamaindonne, galardonada el pasado otoño con el Premio Nadar. 

El Premio Nadar, otorgado anualmente desde 1955 por la asociación Gens d'Images, reconoce un libro dedicado a la fotografía histórica o contemporánea publicado en Francia. Se presenta en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia, FNAC, y el Museo Nicéphore Niépce, bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura.

El fotógrafo belga Simon Vansteenwinckel es el autor de este fotolibro que ha publicado la editorial ganadora. La obra documenta la travesía denominada Omaka Tokatakiya/Future Generations Ride, un recorrido a caballo de 450 kilómetros realizado por lakotas en Dakota del Norte y del Sur, mostrando la resiliencia y los valores de su comunidad, la tradición y el vasto paisaje invernal de estas tribus. Una marcha anual de 15 días de duración a temperaturas extremas que pueden alcanzar los -20°C, rindiendo así un homenaje a la historia y resistencia de los pueblos originarios. En este itinerario siguen los pasos de la tribu del jefe Pie Grande, cuyos 300 miembros, en su mayoría mujeres y niños, fueron masacrados en Wounded Knee el 29 de diciembre de 1890. Vansteenwinckel captura, en blanco y negro, la intensidad de este viaje de recuerdo, una mezcla de espiritualidad, resistencia y legado.

David Fourré lleva más de 20 años trabajando en el sector editorial y el diseño gráfico. Su pasión por la fotografía le impulsó a fundar la editorial Lamaindonne en 2011, con sede en Marcillac-Vallon, en el departamento de Aveyron, al sur de Francia. Actualmente, Éditions Lamaindonne ofrece un catálogo de unos 15 libros, la mayoría monografías. En 2019, Fourré fue distinguido como “Editor del Año” en el Salon de la Photo, en París.

Simon Vansteenwinckel es fotógrafo, diseñador gráfico y profesor en la ESA St-Luc de Bruselas. Defensor del grano de la película y del blanco y negro de alto contraste, se ha consolidado como una figura destacada en la escena fotográfica de Bruselas. Sus proyectos, a menudo íntimos o documentales, exploran las conexiones entre territorio, memoria y peregrinación.

La asociación Amis du Musée Nicéphore Niépce está vinculada directamente a este museo y sus actividades (presentaciones, conferencias, encuentros) se desarrollan en su propia sede o en colaboración con él como una estructura de apoyo y programación cultural ligada al museo. El museo lleva el nombre del científico aficionado e inventor francés, y tiene su sede en la localidad francesa de Chalon-sur-Saône, ciudad que le vio nacer, y que no hay que confundir con el Museo Casa de Nicéphore Niépce, domicilio donde, en 1824, Niépce tomó la primera fotografía (heliografía) de la historia, que se encuentra en Saint-Loup-de-Varennes.

Más información

Musée Nicéphore Niépce.

Enlaces de interés

Maison Nicéphore Niépce.

Éditions Lamaindonne.

Fotografía ‘Aux Ombres’ © Simon Vansteenwinckel

Phil Penman, ‘Street Photographer’

La sede de Fundación Telefónica acoge hoy un encuentro con este fotógrafo británico residente en Nueva York, uno de los artistas más relevantes de la fotografía de calle contemporánea.

Phil Penman ha consolidado su obra como testimonio visual de la vida urbana y de algunos de los acontecimientos más significativos de nuestro tiempo. Con una trayectoria de más de 25 años documentando la ciudad de Nueva York, ha desarrollado su trabajo basado en la observación, la intuición y la capacidad de anticiparse al instante. Publicando en medios internacionales de referencia y formando parte de colecciones como el 9/11 Memorial & Museum.

El encuentro plantea una reflexión sobre la fotografía como un instrumento con el que comprender y preservar la realidad, donde Penman compartirá su trayectoria y su proceso creativo, profundizando en su forma de trabajar en la calle y en cómo sus imágenes han evolucionado hasta convertirse en proyectos editoriales, exposiciones y otras actividades formativas a nivel internacional.

El evento continuará con una conversación entre Phil Penman y Andrea Pacella, Vice President Global Marketing & Communication, centrada en la imagen como base de la memoria fotográfica en el contexto de una constante transformación tecnológica. Se abordarán también los desafíos de la fotografía documental, especialmente en relación con la inteligencia artificial y las nuevas formas de creación y difusión de imágenes.

A lo largo de su carrera como fotógrafo de prensa y de revistas, con un amplio cuerpo de trabajo publicado en medios como The Guardian, The Independent, o The New York Review of Books, entre otros, ha fotografiado a importantes figuras públicas y acontecimientos históricos de relevancia mundial. En particular, su reportaje tras el atentado terrorista del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center fue difundido en el programa Today de NBC, así como en la BBC, History Channel y Al Jazeera.

El trabajo de Penman sobre el confinamiento durante la pandemia en la ciudad de Nueva York ha sido adquirido por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, cuya colección alberga obras de grandes documentalistas de la época de la Gran Depresión como son Walker Evans y Dorothea Lange.

Además de exponer en galerías Leica de Nueva York, Washington D.C., Boston y Londres, su fotografía de calle –ya reconocible como sello personal– ha sido presentada en exposiciones internacionales en ciudades tan diversas como Venecia, Berlín y Sídney.

Phil Penman recorre el mundo impartiendo workshops de fotografía para Leica Akademie. Y recientemente ha sido incluido entre los 52 fotógrafos de la llamada street photography más influyentes, junto a leyendas como Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Diane Arbus y Garry Winogrand. Su libro ‘Street’, publicado en 2019, se convirtió en un gran éxito de ventas y fue presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su publicación más reciente, ‘New York Street Diaries’, se lanzó como el libro de fotografía de calle más vendido a nivel mundial en Amazon y, durante su primer año, superó las 6000 copias vendidas.

Más Información

Sigue el evento aquí:

Fundación Telefónica / Encuentro con Phil Penman.

Fotografía New York © Phil Penman

‘Eveningside’. Gregory Crewdson en Charleroi

En el contexto de la obra de este artista estadounidense, el termino Eveningside funciona como un topónimo para una ciudad imaginaria estancada en el tiempo, evocando una sensación de melancolía y aislamiento.

Tras sus exposiciones en la Gallerie d’Italia (Turín, Italia, 2022), Les Rencontres d'Arles (Arlés, Francia, 2023), el VB Photography Center (Kuopio, Finlandia, 2024) y el ‘Marubi’ National Museum of Photography (Shkodër, Albania, 2025), la obra de este fotógrafo, considerado uno de los más importantes a nivel internacional, se presenta ahora en el Musée de la Photographie de Charleroi (Bélgica), bajo un título que nos remite a esa hora crepuscular entre el atardecer y la noche; a más que a un lugar a un estado mental, cuando la luz se desvanece y las sombras se van apropiando de todo. Para el fotógrafo, ‘Eveningside’ es un espacio conceptual y también el nombre del pueblo ficticio en el que ha desarrollado este trabajo.

“Lo que me interesa es ese momento de trascendencia, donde uno es transportado a otro lugar, a un mundo perfecto y silencioso”. Gregory Crewdson

Durante las tres últimas décadas, Crewdson ha ido completando un retrato de la América profunda, la que contempla con extrañeza las luces y destellos de un sueño que se desvanece. Sus fotografías, escenificadas como películas de un solo fotograma, han unido los fragmentos de un mundo crepuscular que adolece su letargo.

Nacido en 1962 en Brooklyn, Nueva York, Gregory Crewdson se graduó en el Purchase College SUNY y en la Yale School of Art, donde actualmente dirige los estudios de posgrado en fotografía. Crewdson vive y trabaja entre Nueva York y Massachusetts, y a lo largo de una trayectoria profesional de más de tres décadas, ha creado una sucesión de series fotográficas aclamadas por la crítica, desde ‘Natural Wonder’ (1992-1997) hasta ‘Cathedral of the Pines’ (2013-2014). ‘Beneath the Roses’ (2003-2008), una serie de fotografías que tardó casi diez años en completarse y en la que participó un equipo de más de cien personas, fue el tema del documental de 2012 Gregory Crewdson: ‘Brief Encounters’, de Ben Shapiro. 

La totalidad de su obra se ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y en Europa. El artista está representado por la Gagosian Gallery de Nueva York. Las fotografías de Gregory Crewdson persisten visualmente en el imaginario colectivo de sus adeptos, ocupando un espacio junto a las pinturas de Edward Hopper y las películas de Alfred Hitchcock y David Lynch como silenciosas e imborrables evocaciones entre lo cotidiano y lo insólito. Trabajando habitualmente con un amplio equipo de colaboradores, Crewdson planifica cada encuadre con meticulosa atención al detalle, cuidando la luz, el color y el diseño de producción para evocar escenas oníricas envueltas de misterio y suspense. Si bien los escenarios de pueblos pequeños de muchas de sus imágenes resultan familiares, el fotógrafo evita siempre incluir representaciones de lugares y momentos identificables, creando así un mundo atemporal.

Esta exposición reúne obras de tres series creadas entre 2012 y 2022. Concebidas como una trilogía, ofrecen una perspectiva novedosa sobre una década de producción creativa, revelando las dos caras —íntima y política— del universo que consagró a Gregory Crewdson como uno de los artistas más importantes de la actualidad. ‘Cathedral of the Pines’ y ‘An Eclipse of Moths’ marcan un momento crucial debido a su profunda intimidad, cristalizada por los lugares donde se tomaron las imágenes, íntimamente ligados a las vidas del fotógrafo, su pareja y colaboradora Juliane Hiam, y sus hijos. Esta trilogía, culminada magistralmente por ‘Twilight’, revela las principales facetas del arte y la sensibilidad de Crewdson. Pensadas como un conjunto, proporcionan una visión única de una década de creación y ofrecen una panorámica completa del universo de este gran artista.

Más información

Musée de la Photographie de Charleroi.

Enlaces de interés

Gregory Crewdson, el cine en una sola fotografía.

Photographers in Focus: Gregory Crewdson.

El universo cinematográfico de Gregory Crewdson.

Fotografía ‘The Mattress’ (Cathedral of the Pines) (2014) © Gregory Crewdson

Las ‘Grandes promesas’ de Pierre Lemaitre

El escritor francés Pierre Lemaitre concluye con esta cuarta y última entrega la exitosa saga dedicada a la familia Pelletier.

Este monumental proyecto al que el autor llamó Los años gloriosos, iniciado hace más de diez años tras su ‘Nos vemos allá arriba’ (Premio Goncourt 2013), con el que ha conquistado a cientos de miles de lectores, culmina ahora con la novela ‘Grandes promesas’. Una historia subjetiva, indiscutible y, sobre todo, entusiasta del pasado siglo XX que Lemaitre ha estructurado repartida con las anteriores ‘El ancho mundo’ (2022), ‘El silencio y la cólera’ (2023) y ‘Un futuro prometedor’ (2025).

En esta última entrega de su tetralogía, Pierre Lemaitre, a menudo comparado con Alejandro Dumas, vuelve a deslumbrar con una novela que combina historia, emoción e intriga. Escrita con una naturalidad y energía narrativa poco frecuentes, afianza una obra entre las más ambiciosas de la ficción contemporánea internacional, traducida a más de cuarenta idiomas, y que no ha dejado de sumar lectores y elogios por parte de la crítica.

Con su acostumbrado dominio del ritmo, la emoción y la ironía, Lemaitre conduce a los Pelletier hacia un inesperado desenlace, manteniendo viva la tensión hasta el final.

Sinopsis

Todo comienza con un incendio, un bebé… y un jabalí. Un inicio fulgurante que abre paso a un país en plena transformación, donde las obras que redefinen París conviven con la lenta erosión del mundo rural. En ese entorno cambiante, la familia Pelletier afronta decisiones que ponen a prueba afectos y aspiraciones. François, Jean, Colette, Philippe y quienes los rodean avanzan por años de prosperidad aparente, marcados por un progreso que deslumbra tanto como inquieta. Y, fiel a su manera, el gato Joseph continúa ahí, vigilante, como si supiera que, entre los Pelletier, un secreto sombrío, arrastrado desde un hecho irreparable y largamente oculto, está a punto de salir a la luz.

Pierre Lemaitre (París, 1951) estudió Psicología e impartió clases de literatura. Autor tardío, en 2006 ganó el Premio del festival de Cognac con la novela policíaca ‘Irène’, primera entrega de una serie que incluye ‘Alex’, ‘Rosy & John’ y ‘Camille’. Consagrado como uno de los escritores más populares de la actualidad, con más de tres millones de lectores, su carrera literaria dio un vuelco con la ganadora del Goncourt ‘Nos vemos allá arriba’ (2013), primer volumen de la saga Los hijos del desastre, una aclamada trilogía a la que siguieron ‘Los colores del incendio’ (2018), y ‘El espejo de nuestras penas’ (2020).

Más información

Treinta años de los Pelletier.

Fotografía de Pierre Lemaitre (2014) © Fernando Torres

David Campany y la obra de Walker Evans

El pasado miércoles 25 de febrero, David Campany ofreció en Barcelona una conferencia como comisario de la exposición ‘Walker Evans: Now and Then’ y autor del libro sobre este gran fotógrafo estadounidense. 

Se trata del catálogo definitivo sobre uno de los grandes referentes de la fotografía documental del siglo XX. Editado por Fundación Mapfre, este volumen ofrece una cuidada selección de imágenes emblemáticas y ensayos críticos que exploran la influencia de Walker Evans en la modernidad visual y el desarrollo del “estilo documental”. El libro reúne textos de especialistas internacionales como Sara Ickow, que analiza la relación entre la fotografía de Evans y el arte africano, y Stephanie LaCava, quien aporta una perspectiva literaria contemporánea sobre el universo evansiano. 

Pensado tanto para amantes de la fotografía como para investigadores y profesionales, esta publicación combina rigor académico y sensibilidad artística, contextualizando la obra de Evans en su dimensión social, política y cultural. Una invitación a mirar el mundo con una nueva sensibilidad y a descubrir la belleza en lo cotidiano, imprescindible para quienes buscan comprender la evolución de la fotografía como medio artístico y documental.

David Campany (Londres, 1967) es curador, escritor, editor, profesor en la Universidad de Westminster, y director creativo del Centro Internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York. Ha trabajado en todo el mundo colaborando con instituciones como la Tate, la Whitechapel Gallery de Londres, el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou, Le Bal de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Fundación MAPFRE España, la Photographer's Gallery de Londres, Paris Photo, Photo London y la National Portrait Gallery de Londres. Ha publicado con Aperture, Steidl, MIT Press, Thames & Hudson, Phaidon, MACK, Frieze, The New Yorker, The FT Weekend y The Telegraph.

En su libro On photographs (sobre las fotografías) (2020) Campany alude a la influyente y revolucionaria obra ‘Sobre la fotografía’ de Susan Sontag, a la que siendo estudiante universitario conoció personalmente, y cuestionó su evaluación de la fotografía sin incluir imágenes concretas. En aquel tiempo, amablemente Sontag sugirió que algún día podría escribir su propio libro sobre el tema, titulado ‘Sobre las fotografías’. Y de manera profética, así fue. Desde entonces, por sus libros y escritos Campany ha recibido el Premio ICP Infinity, el Premio Kraszna-Krausz Book, el Premio Alice, y el premio de la Royal Photographic Society, entre otros.

“Si una fotografía nos cautiva, si capta nuestra atención, será por más de una razón. Las razones pueden ser inesperadas, e incluso contradictorias (los sentimientos encontrados suelen ser los más apremiantes). Cuando nos sentimos atraídos a mirar una fotografía una y otra vez, es probable que nuestra segunda o tercera reacción no sea exactamente igual a la primera. Claro que la mayoría de las fotografías no permanecen en la memoria por mucho tiempo, pero esto no significa que podamos predecir cuáles lo harán, ni por qué, ni si un breve encuentro con una imagen dejará una huella imborrable en nosotros. Las fotografías necesitan menos explicación que nuestras reacciones ante ellas”.  David Campany.

Más información

Site personal de David Campany.

Enlace de interés

‘Walker Evans: Now and Then’.

Fotografía de David Campany © Fernando Torres
 

El documentalismo de Helen Levitt

Tras su paso por Barcelona, llega ahora a Madrid la obra de la gran fotógrafa neoyorquina Helen Levitt. Desde el 19 de febrero hasta el 17 de mayo en Fundación Mapfre.

Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar las calles de su Nueva York natal a finales de la década de 1930, interesándose principalmente por los barrios más pobres, como el Harlem hispano o el Lower East Side, donde la calle es el escenario principal del día a día.

Su cámara se dirigió sobre todo hacia los niños y sus juegos en las calles. Estas escenas infantiles son el motivo central de una obra que nos atrapa por su capacidad para convertir situaciones cotidianas en imágenes que transmiten todo lo que la vida puede contener de emoción, enigma o humor y que, aunque carecen de una narrativa explícita, logran establecer una conexión inmediata con el espectador. La obra de Helen Levitt obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MoMA de Nueva York organizó Photographs of children, su primera exposición individual. 

A finales de los años 1940, influenciada por Luis Buñuel, por entonces exiliado en EE.UU, tuvo su contacto con el cine y el documental. En años posteriores continuaría su intenso interés por el cine y por una incipiente fotografía en color. En 1948 colaboró en el documental The Quiet One y codirigió In the Street, otro documental sobre las calles del Harlem hispano. Ambos títulos serían muy influyentes en la evolución posterior del cine documental filmado por artistas como Jonas Mekas o Andy Warhol. Por otro lado, a partir de la obtención, en 1959, de una beca Guggenheim para explorar técnicas cromáticas comenzó a experimentar con el color en la fotografía, un medio en el que desarrollaría también una obra pionera. 

Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. Esta exposición es la primera que se realiza a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, que sólo recientemente se han abierto a la consulta pública.

Las imágenes de Helen Levitt poseen una cualidad misteriosa que las convierte en auténticos enigmas visuales. Su mirada única y certera transforma escenas cotidianas en composiciones difíciles de definir, lo que provoca una conexión inmediata con el espectador, incluso cuando no hay una narrativa clara que las explique.

Helen Levitt fue una de las primeras mujeres en practicar la llamada fotografía de calle. Siempre evitó construir una narrativa explícita en su trabajo, y prefería no hablar sobre sus imágenes. Esta decisión, lejos de restar valor, es una de las claves que hacen su obra tan interesante.

Alumna de Walker Evans y de Henri Cartier-Bresson, sus fotografías logran conectar con el espectador gracias a las emociones universales que nos transmiten.

Más información

Fundación Mapfre.

Fotografía Untitled, New York (1975) © Helen Levitt