Phil Penman, ‘Street Photographer’

La sede de Fundación Telefónica acoge hoy un encuentro con este fotógrafo británico residente en Nueva York, uno de los artistas más relevantes de la fotografía de calle contemporánea.

Phil Penman ha consolidado su obra como testimonio visual de la vida urbana y de algunos de los acontecimientos más significativos de nuestro tiempo. Con una trayectoria de más de 25 años documentando la ciudad de Nueva York, ha desarrollado su trabajo basado en la observación, la intuición y la capacidad de anticiparse al instante. Publicado en medios internacionales de referencia, y formando parte de colecciones como el 9/11 Memorial & Museum.

El encuentro plantea una reflexión sobre la fotografía como un instrumento con el que comprender y preservar la realidad, donde Penman compartirá su trayectoria y su proceso creativo, profundizando en su forma de trabajar en la calle y en cómo sus imágenes han evolucionado hasta convertirse en proyectos editoriales, exposiciones y otras actividades formativas a nivel internacional.

El evento continuará con una conversación entre Phil Penman y Andrea Pacella, Vice President Global Marketing & Communication, centrada en la imagen como base de la memoria fotográfica en el contexto de una constante transformación tecnológica. Se abordarán también los desafíos de la fotografía documental, especialmente en relación con la inteligencia artificial y las nuevas formas de creación y difusión de imágenes.

A lo largo de su carrera como fotógrafo de prensa y de revistas, con un amplio cuerpo de trabajo publicado en medios como The Guardian, The Independent, o The New York Review of Books, entre otros, ha fotografiado a importantes figuras públicas y acontecimientos históricos de relevancia mundial. En particular, su reportaje tras el atentado terrorista del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center fue difundido en el programa Today de NBC, así como en la BBC, History Channel y Al Jazeera.

El trabajo de Penman sobre el confinamiento durante la pandemia en la ciudad de Nueva York ha sido adquirido por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, cuya colección alberga obras de grandes documentalistas de la época de la Gran Depresión como son Walker Evans y Dorothea Lange.

Además de exponer en galerías Leica de Nueva York, Washington D.C., Boston y Londres, su fotografía de calle –ya reconocible como sello personal– ha sido presentada en exposiciones internacionales en ciudades tan diversas como Venecia, Berlín y Sídney.

Phil Penman recorre el mundo impartiendo workshops de fotografía para Leica Akademie. Y recientemente ha sido incluido entre los 52 fotógrafos de la llamada street photography más influyentes, junto a leyendas como Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Diane Arbus y Garry Winogrand. Su libro ‘Street’, publicado en 2019, se convirtió en un gran éxito de ventas y fue presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su publicación más reciente, ‘New York Street Diaries’, se lanzó como el libro de fotografía de calle más vendido a nivel mundial en Amazon y, durante su primer año, superó las 6000 copias vendidas.

Más Información

Sigue el evento aquí:

Fundación Telefónica / Encuentro con Phil Penman.

Fotografía New York © Phil Penman

‘Eveningside’. Gregory Crewdson en Charleroi

En el contexto de la obra de este artista estadounidense, el termino Eveningside funciona como un topónimo para una ciudad imaginaria estancada en el tiempo, evocando una sensación de melancolía y aislamiento.

Tras sus exposiciones en la Gallerie d’Italia (Turín, Italia, 2022), Les Rencontres d'Arles (Arlés, Francia, 2023), el VB Photography Center (Kuopio, Finlandia, 2024) y el ‘Marubi’ National Museum of Photography (Shkodër, Albania, 2025), la obra de este fotógrafo, considerado uno de los más importantes a nivel internacional, se presenta ahora en el Musée de la Photographie de Charleroi (Bélgica), bajo un título que nos remite a esa hora crepuscular entre el atardecer y la noche; a más que a un lugar a un estado mental, cuando la luz se desvanece y las sombras se van apropiando de todo. Para el fotógrafo, ‘Eveningside’ es un espacio conceptual y también el nombre del pueblo ficticio en el que ha desarrollado este trabajo.

“Lo que me interesa es ese momento de trascendencia, donde uno es transportado a otro lugar, a un mundo perfecto y silencioso”. Gregory Crewdson

Durante las tres últimas décadas, Crewdson ha ido completando un retrato de la América profunda, la que contempla con extrañeza las luces y destellos de un sueño que se desvanece. Sus fotografías, escenificadas como películas de un solo fotograma, han unido los fragmentos de un mundo crepuscular que adolece su letargo.

Nacido en 1962 en Brooklyn, Nueva York, Gregory Crewdson se graduó en el Purchase College SUNY y en la Yale School of Art, donde actualmente dirige los estudios de posgrado en fotografía. Crewdson vive y trabaja entre Nueva York y Massachusetts, y a lo largo de una trayectoria profesional de más de tres décadas, ha creado una sucesión de series fotográficas aclamadas por la crítica, desde ‘Natural Wonder’ (1992-1997) hasta ‘Cathedral of the Pines’ (2013-2014). ‘Beneath the Roses’ (2003-2008), una serie de fotografías que tardó casi diez años en completarse y en la que participó un equipo de más de cien personas, fue el tema del documental de 2012 Gregory Crewdson: ‘Brief Encounters’, de Ben Shapiro. 

La totalidad de su obra se ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y en Europa. El artista está representado por la Gagosian Gallery de Nueva York. Las fotografías de Gregory Crewdson persisten visualmente en el imaginario colectivo de sus adeptos, ocupando un espacio junto a las pinturas de Edward Hopper y las películas de Alfred Hitchcock y David Lynch como silenciosas e imborrables evocaciones entre lo cotidiano y lo insólito. Trabajando habitualmente con un amplio equipo de colaboradores, Crewdson planifica cada encuadre con meticulosa atención al detalle, cuidando la luz, el color y el diseño de producción para evocar escenas oníricas envueltas de misterio y suspense. Si bien los escenarios de pueblos pequeños de muchas de sus imágenes resultan familiares, el fotógrafo evita siempre incluir representaciones de lugares y momentos identificables, creando así un mundo atemporal.

Esta exposición reúne obras de tres series creadas entre 2012 y 2022. Concebidas como una trilogía, ofrecen una perspectiva novedosa sobre una década de producción creativa, revelando las dos caras —íntima y política— del universo que consagró a Gregory Crewdson como uno de los artistas más importantes de la actualidad. ‘Cathedral of the Pines’ y ‘An Eclipse of Moths’ marcan un momento crucial debido a su profunda intimidad, cristalizada por los lugares donde se tomaron las imágenes, íntimamente ligados a las vidas del fotógrafo, su pareja y colaboradora Juliane Hiam, y sus hijos. Esta trilogía, culminada magistralmente por ‘Twilight’, revela las principales facetas del arte y la sensibilidad de Crewdson. Pensadas como un conjunto, proporcionan una visión única de una década de creación y ofrecen una panorámica completa del universo de este gran artista.

Más información

Musée de la Photographie de Charleroi.

Enlaces de interés

Gregory Crewdson, el cine en una sola fotografía.

Photographers in Focus: Gregory Crewdson.

El universo cinematográfico de Gregory Crewdson.

Fotografía ‘The Mattress’ (Cathedral of the Pines) (2014) © Gregory Crewdson

Las ‘Grandes promesas’ de Pierre Lemaitre

El escritor francés Pierre Lemaitre concluye con esta cuarta y última entrega la exitosa saga dedicada a la familia Pelletier.

Este monumental proyecto al que el autor llamó Los años gloriosos, iniciado hace más de diez años tras su ‘Nos vemos allá arriba’ (Premio Goncourt 2013), con el que ha conquistado a cientos de miles de lectores, culmina ahora con la novela ‘Grandes promesas’. Una historia subjetiva, indiscutible y, sobre todo, entusiasta del pasado siglo XX que Lemaitre ha estructurado repartida con las anteriores ‘El ancho mundo’ (2022), ‘El silencio y la cólera’ (2023) y ‘Un futuro prometedor’ (2025).

En esta última entrega de su tetralogía, Pierre Lemaitre, a menudo comparado con Alejandro Dumas, vuelve a deslumbrar con una novela que combina historia, emoción e intriga. Escrita con una naturalidad y energía narrativa poco frecuentes, afianza una obra entre las más ambiciosas de la ficción contemporánea internacional, traducida a más de cuarenta idiomas, y que no ha dejado de sumar lectores y elogios por parte de la crítica.

Con su acostumbrado dominio del ritmo, la emoción y la ironía, Lemaitre conduce a los Pelletier hacia un inesperado desenlace, manteniendo viva la tensión hasta el final.

Sinopsis

Todo comienza con un incendio, un bebé… y un jabalí. Un inicio fulgurante que abre paso a un país en plena transformación, donde las obras que redefinen París conviven con la lenta erosión del mundo rural. En ese entorno cambiante, la familia Pelletier afronta decisiones que ponen a prueba afectos y aspiraciones. François, Jean, Colette, Philippe y quienes los rodean avanzan por años de prosperidad aparente, marcados por un progreso que deslumbra tanto como inquieta. Y, fiel a su manera, el gato Joseph continúa ahí, vigilante, como si supiera que, entre los Pelletier, un secreto sombrío, arrastrado desde un hecho irreparable y largamente oculto, está a punto de salir a la luz.

Pierre Lemaitre (París, 1951) estudió Psicología e impartió clases de literatura. Autor tardío, en 2006 ganó el Premio del festival de Cognac con la novela policíaca ‘Irène’, primera entrega de una serie que incluye ‘Alex’, ‘Rosy & John’ y ‘Camille’. Consagrado como uno de los escritores más populares de la actualidad, con más de tres millones de lectores, su carrera literaria dio un vuelco con la ganadora del Goncourt ‘Nos vemos allá arriba’ (2013), primer volumen de la saga Los hijos del desastre, una aclamada trilogía a la que siguieron ‘Los colores del incendio’ (2018), y ‘El espejo de nuestras penas’ (2020).

Más información

Treinta años de los Pelletier.

Fotografía de Pierre Lemaitre (2014) © Fernando Torres

David Campany y la obra de Walker Evans

El pasado miércoles 25 de febrero, David Campany ofreció en Barcelona una conferencia como comisario de la exposición ‘Walker Evans: Now and Then’ y autor del libro sobre este gran fotógrafo estadounidense. 

Se trata del catálogo definitivo sobre uno de los grandes referentes de la fotografía documental del siglo XX. Editado por Fundación Mapfre, este volumen ofrece una cuidada selección de imágenes emblemáticas y ensayos críticos que exploran la influencia de Walker Evans en la modernidad visual y el desarrollo del “estilo documental”. El libro reúne textos de especialistas internacionales como Sara Ickow, que analiza la relación entre la fotografía de Evans y el arte africano, y Stephanie LaCava, quien aporta una perspectiva literaria contemporánea sobre el universo evansiano. 

Pensado tanto para amantes de la fotografía como para investigadores y profesionales, esta publicación combina rigor académico y sensibilidad artística, contextualizando la obra de Evans en su dimensión social, política y cultural. Una invitación a mirar el mundo con una nueva sensibilidad y a descubrir la belleza en lo cotidiano, imprescindible para quienes buscan comprender la evolución de la fotografía como medio artístico y documental.

David Campany (Londres, 1967) es curador, escritor, editor, profesor en la Universidad de Westminster, y director creativo del Centro Internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York. Ha trabajado en todo el mundo colaborando con instituciones como la Tate, la Whitechapel Gallery de Londres, el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou, Le Bal de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Fundación MAPFRE España, la Photographer's Gallery de Londres, Paris Photo, Photo London y la National Portrait Gallery de Londres. Ha publicado con Aperture, Steidl, MIT Press, Thames & Hudson, Phaidon, MACK, Frieze, The New Yorker, The FT Weekend y The Telegraph.

En su libro On photographs (sobre las fotografías) (2020) Campany alude a la influyente y revolucionaria obra ‘Sobre la fotografía’ de Susan Sontag, a la que siendo estudiante universitario conoció personalmente, y cuestionó su evaluación de la fotografía sin incluir imágenes concretas. En aquel tiempo, amablemente Sontag sugirió que algún día podría escribir su propio libro sobre el tema, titulado ‘Sobre las fotografías’. Y de manera profética, así fue. Desde entonces, por sus libros y escritos Campany ha recibido el Premio ICP Infinity, el Premio Kraszna-Krausz Book, el Premio Alice, y el premio de la Royal Photographic Society, entre otros.

“Si una fotografía nos cautiva, si capta nuestra atención, será por más de una razón. Las razones pueden ser inesperadas, e incluso contradictorias (los sentimientos encontrados suelen ser los más apremiantes). Cuando nos sentimos atraídos a mirar una fotografía una y otra vez, es probable que nuestra segunda o tercera reacción no sea exactamente igual a la primera. Claro que la mayoría de las fotografías no permanecen en la memoria por mucho tiempo, pero esto no significa que podamos predecir cuáles lo harán, ni por qué, ni si un breve encuentro con una imagen dejará una huella imborrable en nosotros. Las fotografías necesitan menos explicación que nuestras reacciones ante ellas”.  David Campany.

Más información

Site personal de David Campany.

Enlace de interés

‘Walker Evans: Now and Then’.

Fotografía de David Campany © Fernando Torres
 

El documentalismo de Helen Levitt

Tras su paso por Barcelona, llega ahora a Madrid la obra de la gran fotógrafa neoyorquina Helen Levitt. Desde el 19 de febrero hasta el 17 de mayo en Fundación Mapfre.

Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar las calles de su Nueva York natal a finales de la década de 1930, interesándose principalmente por los barrios más pobres, como el Harlem hispano o el Lower East Side, donde la calle es el escenario principal del día a día.

Su cámara se dirigió sobre todo hacia los niños y sus juegos en las calles. Estas escenas infantiles son el motivo central de una obra que nos atrapa por su capacidad para convertir situaciones cotidianas en imágenes que transmiten todo lo que la vida puede contener de emoción, enigma o humor y que, aunque carecen de una narrativa explícita, logran establecer una conexión inmediata con el espectador. La obra de Helen Levitt obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MoMA de Nueva York organizó Photographs of children, su primera exposición individual. 

A finales de los años 1940, influenciada por Luis Buñuel, por entonces exiliado en EE.UU, tuvo su contacto con el cine y el documental. En años posteriores continuaría su intenso interés por el cine y por una incipiente fotografía en color. En 1948 colaboró en el documental The Quiet One y codirigió In the Street, otro documental sobre las calles del Harlem hispano. Ambos títulos serían muy influyentes en la evolución posterior del cine documental filmado por artistas como Jonas Mekas o Andy Warhol. Por otro lado, a partir de la obtención, en 1959, de una beca Guggenheim para explorar técnicas cromáticas comenzó a experimentar con el color en la fotografía, un medio en el que desarrollaría también una obra pionera. 

Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. Esta exposición es la primera que se realiza a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, que sólo recientemente se han abierto a la consulta pública.

Las imágenes de Helen Levitt poseen una cualidad misteriosa que las convierte en auténticos enigmas visuales. Su mirada única y certera transforma escenas cotidianas en composiciones difíciles de definir, lo que provoca una conexión inmediata con el espectador, incluso cuando no hay una narrativa clara que las explique.

Helen Levitt fue una de las primeras mujeres en practicar la llamada fotografía de calle. Siempre evitó construir una narrativa explícita en su trabajo, y prefería no hablar sobre sus imágenes. Esta decisión, lejos de restar valor, es una de las claves que hacen su obra tan interesante.

Alumna de Walker Evans y de Henri Cartier-Bresson, sus fotografías logran conectar con el espectador gracias a las emociones universales que nos transmiten.

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Fundación Mapfre.

Fotografía Untitled, New York (1975) © Helen Levitt 

KBr presenta ‘Walker Evans: Now and Then’

Del 26 de febrero al 24 de mayo, el centro KBr de la Fundación Mapfre en Barcelona nos muestra una selección de instantáneas del fotógrafo norteamericano Walker Evans. 

La exposición ‘Walker Evans: Now and Then’, comisariada por David Campany, director creativo del ICP (International Center of Photography) de Nueva York, presenta una amplia revisión de su obra y de su notable influencia en posteriores generaciones de artistas.

La muestra reúne fotografías y proyectos clave que recorren toda su trayectoria –desde los autorretratos de los años veinte hasta sus experimentos con Polaroid en los setenta– junto con libros y publicaciones que reflejan su inagotable capacidad de observación. A través de este conjunto, la muestra revela a un creador que no sólo documentó el mundo que le rodeaba, sino que también invitó a cuestionar la naturaleza de la fotografía y la propia percepción de la realidad.

Walker Evans (San Luis, Missouri, 1903 - New Haven, Connecticut, 1975) es uno de los grandes cronistas visuales estadounidenses del siglo XX y una figura esencial de la fotografía moderna. Sus imágenes, de apariencia sencilla pero de profunda complejidad, retratan con lucidez la vida cotidiana, los paisajes urbanos y los rostros anónimos de un país en transformación. Pionero del estilo documental, Evans combinó una mirada directa y austera con una curiosidad inagotable por los signos de la cultura popular, que le llevó a definir una época al tiempo que la cuestionó.

Walker Evans se inició en la fotografía en la década de 1920, desarrollando una extensa carrera que abarcaría más de cincuenta años, tiempo en el que realizó algunas de las instantáneas más reconocidas de la iconografía popular. Walker Evans abordó numerosas temáticas, desde instantáneas callejeras tomadas de manera furtiva, hasta estudios meticulosos y exactos de arquitectura, si bien durante mucho tiempo, sus imágenes más conocidas fueron las que tomó en el sur de Estados Unidos a partir de 1930. Walker Evans también adoptó nuevos avances artísticos y técnicos. Pero lo que unificó toda su producción fue un apasionado interés por el aspecto y la esencia de la vida cotidiana en una sociedad cada vez más obsesionada por lo nuevo e inmediato.

Uno de los rasgos que confieren relevancia al trabajo de este fotógrafo, y que sin duda ha contribuido a convertirle en una de las personalidades más influyentes en el panorama internacional, es su actitud reflexiva hacia el medio fotográfico. Esta postura le distanciaba de un modo de hacer teatral o con tendencia al artificio, en favor de una naturalidad sincera, analítica e incluso lírica, aspecto directamente relacionado con la preocupación del artista por el contexto en el que sus imágenes eran concebidas.

En 2009, Fundación Mapfre inauguró su programación de fotografía con una retrospectiva dedicada a Walker Evans. Ahora, dieciséis años después, la institución propone una nueva lectura del trabajo de este relevante artista y muestra cómo su obra sigue vigente hoy en día. 

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KBr Fundación Mapfre.

Fotografía ‘Subway Passengers’, New York (1938) © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art

PhotoBrussels celebra su décimo aniversario

Este fin de semana se inauguró la décima edición de este festival que este año reúne 52 exposiciones presentadas en varios espacios de arte contemporáneo, como galerías particulares, centros de arte y museos, cada uno de ellos ofreciendo una perspectiva única sobre el medio fotográfico. 

Hasta el 22 de febrero de 2026, más de un centenar de artistas —la mitad de ellos belgas— muestran la riqueza y diversidad de un lenguaje visual que está profundamente arraigado en nuestro tiempo, llegando a un numeroso público cada vez mayor y curioso. El PhotoBrussels Festival contará con 52 exposiciones en diversos puntos de la ciudad para ofrecer al aficionado la oportunidad de sumergirse en imágenes que perduran, provocan e inspiran.

Cada día en el mundo se incorporan aproximadamente 95 millones de fotos solo a Instagram, una cifra que subraya el doble papel de la fotografía como expresión íntima y memoria colectiva. En esta era digital, de redes sociales y nuevas tecnologías, existe una cultura de la imagen tan saturada que la fotografía, que debería seguir siendo fruto de la práctica artística del fotógrafo, se desvirtúa hasta el punto de quedar reducida a la simple inmediatez, a unos efímeros “me gusta” en las redes sociales, y a otras banalidades temporales.

No obstante, PhotoBrussels nos recuerda la capacidad perdurable del medio fotográfico para ralentizar el tiempo, transformar nuestra percepción y forjar así conexiones a través de la experiencia. En esta ciudad, la fotografía se afirma no como un complemento de la vida, sino como una lente a través de la cual se puede explorar e imaginar el mundo interpretado con una nueva óptica.

La escena fotográfica belga, como de nuevo es patente en este aniversario, es un espacio para la experimentación continua. Este festival acoge a una generación de artistas cuya valentía estética desafía las convenciones sin perder su compromiso social. Así pues, este enfoque en nuevos autores garantiza que la fotografía siga siendo un medio vivo, capaz de abordar cuestiones urgentes de identidad, conciencia ambiental y transformación social.

La inclusión de estas perspectivas emergentes junto con profesionales veteranos fomenta que se produzca el diálogo intergeneracional, enfatizando así el papel de la fotografía como registro del presente y catalizador de la imaginación. 

En PhotoBrussels la fotografía se convierte en un gran espacio de intercambio, un espacio donde lo íntimo se encuentra con lo colectivo y donde se exploran temas contemporáneos.

Más información

PhotoBrussels Festival.

Enlace de interés

PhotoBrussels Festival 2025.

Fotografía ‘The Anonymous Project’ © Lee Shulman