13ª edición del festival Trieste Photo Days

La decimotercera edición del Festival Internacional de Fotografía Trieste Photo Days tuvo lugar del 22 al 25 de octubre de 2026. Durante cuatro días, la ciudad acogió exposiciones, charlas, talleres y ceremonias de entrega de premios, dando la bienvenida a fotógrafos y visitantes de todo el mundo.

Entre los invitados especiales figuraban Mark Power (Magnum Photos), Christopher Morris (VII Photo Agency) y Mihaela Noroc, presidentes del jurado de los URBAN Photo Awards 2026, junto con Daniel Ramos, Ian Willms (Panos Pictures) y Stefano Mirabella. Morris y Willms dirigieron los dos talleres del festival, mientras que las clases magistrales fueron impartidas por Ramos, Mirabella y Noroc.

Esta edición reunió a algunos de los espacios expositivos más importantes de la ciudad, como Magazzino 26 en Porto Vecchio, el Museo Cívico Sartorio, ITIS, el Mercato Coperto y la Sala Xenia. Muchas de las exposiciones principales permanecerán abiertas durante las próximas semanas. A ellas se suman las exposiciones Trieste Photo Fringe en más de 25 cafés, bares y restaurantes de la ciudad, lo que eleva el total a más de 2500 fotografías expuestas.

Jueves 22 de octubre

El festival se inauguró el jueves 22 de octubre con la primera jornada del taller de Christopher Morris, ‘Comprendiendo tu visión’, en el Palazzo Gopcevich. A las 18:00, se presentó la exposición ‘Fotos coleccionables: Un viaje más allá de lo visible’ en el Passage Arte Contemporanea, donde Alma Bibolotti recibió el premio de la convocatoria abierta por ‘El estanque de los lirios’. La exposición pone en diálogo la obra ganadora con ‘Acqua e Ruggine’ de Giulia Natalia Comito, ganadora de las Reseñas de Portafolio 2025, y con esculturas de Alessandra Spigai.

Viernes 23 de octubre

El viernes 23 de octubre a las 10:00 horas se inauguró oficialmente la decimotercera edición de las Jornadas Fotográficas de Trieste en el Museo Cívico Sartorio, donde se presentaron las exposiciones ‘Retratos femeninos en diálogo: de la fotografía histórica a la contemporánea’ y ‘Aguantando’, de Michele Zousmer. A la inauguración asistieron Manuela Declich, en representación del Ayuntamiento de Trieste; Claudia Colecchia, responsable del archivo fotográfico (Fototeca) y la biblioteca de los Museos Cívicos de Historia y Arte; y Michela Messina, conservadora de los Museos Cívicos y del Museo Sartorio.

La exposición ‘Retratos femeninos en diálogo’ pone en conexión las colecciones de la Fototeca con la fotografía internacional contemporánea. Colecchia, como comisaria, presentó la muestra al público, y durante la inauguración Cristina Cosmano, ganadora de la convocatoria abierta con ‘La soglia’ (El umbral), seleccionada por Colecchia y Messina, recibía su premio.

La ganadora del Premio Trieste Civic Museums de los URBAN Photo Awards 2026 fue la fotógrafa estadounidense Michele Zousmer, galardonada por su conmovedor proyecto fotográfico titulado ‘Holding On’. En este trabajo a largo plazo, explora con gran sensibilidad la soledad, el envejecimiento y la resiliencia de las mujeres ancianas que viven en zonas rurales aisladas de Rumanía y Bulgaria. Gracias a esta distinción, su obra fue seleccionada para una exposición individual en el Museo Cívico Sartorio de Trieste (Italia).

A mediodía, en L’Angolo di Rocco, Nicolas Brunetti, ganador del Premio Patricia D. Richards Legacy 2025, inauguró la exposición nacida de ‘Cultura in Cantiere’ (Cultura en Construcción), la residencia artística organizada por Exhibit Around APS con Edilimpianti Trieste y bajo la tutoría de Stefano Mirabella.

El mismo día, las Revisiones de Portafolios, que celebran su séptima edición, dieron comienzo en la Sala Xenia, mientras que el taller de Christopher Morris continuó en el Palazzo Gopcevich. A las 17:00, Daniel Ramos guió a los visitantes a través de ‘Carnaval en las afueras’, el proyecto elegido por Matt Black como ganador de la sección de Proyectos y Portafolios de los Premios URBAN Photo 2025. La obra documenta los carnavales de Tlaltenco, Zapotitlán y Tezonco, en las afueras del sureste de la Ciudad de México, donde antiguas tradiciones rituales perduran en el paisaje en constante transformación de la metrópolis.

Por la noche, la Sala Xenia acogió la presentación de ‘Mythography VI: Jupiter and Bacchus’, exposición y libro, con el profesor Enrico Medda (Universidad de Pisa), asesor académico de la serie. Christopher Morris, invitado especial del proyecto, entregó el premio a Daniela Silvestri por ‘Seto Generation’, su proyecto documental a largo plazo. A continuación, se celebraron las semifinales en directo del URBAN Photo Arena. La velada concluyó con la ceremonia de entrega de premios de TRAVEL. ‘Stories, Faces and Spaces from the photographers of the world’, que ganó Alec Rill con ‘All the Light We Cannot See – Blackouts in Cuba’.

Sábado 24 de octubre

La mañana del sábado 24 de octubre estuvo dedicada a las clases magistrales en el Palazzo Gopcevich (Sala Bobi Bazlen). Daniel Ramos inauguró con ‘Antes de ser un buen fotógrafo’, seguido por Stefano Mirabella con ‘Fotografiar lo cotidiano: azar, preparación y construcción de la imagen en la fotografía callejera’. Por la tarde, Mihaela Noroc impartió ‘El arte de la conexión’.

A las 10:30, llegó al ITIS el aclamado proyecto ‘El Atlas de la Belleza’, de la fotógrafa rumana Mihaela Noroc, presentado por la propia autora en el Salone Monumentale. En el mismo recinto, los visitantes también pudieron contemplar la exposición colectiva ‘URBAN revela la ciudad y sus secretos’.

A mediodía, el Mercato Coperto acogió visitas guiadas a la exposición ‘Fotografías urbanas: Trieste y las ciudades del mundo’ y a las exposiciones individuales ‘Moving Mountains: Retratos de la feminidad contemporánea’ de Marylise Vigneau, ‘heim’ de Markus Born, ‘The Time Dreamed’ de Umberto Verdoliva y ‘Huellas’ de Yinna Higuera .

Por la tarde, Rudy Gadeyne dirigió el recorrido fotográfico ‘Shoot & Learn por la ciudad’, partiendo de la Sala Xenia. En la Biblioteca Statale Stelio Crise, Alice Zorzin presentó ‘Sotto la pelle delle cose – Etnografia dell'invisibile tecnológico’ (Bajo la piel de las cosas: una etnografía de la tecnología invisible), el proyecto desarrollado durante la residencia artística ‘Scatti in Rete: L'arte dei collegamenti invisibili’ (Instantáneas en red: el arte de las conexiones invisibles), organizado por dotART con Install.Pro y Elettromatica.

A las 16:00, en la Sala Arturo Fittke, Marcel van Beek presentó ‘El futuro se extrajo aquí’, obra ganadora del Premio Patricia D. Richards Legacy 2026, junto con el profesor Erik Gawel, economista ambiental de la Universidad de Leipzig y del Centro Helmholtz de Investigación Ambiental (UFZ). A continuación, se ofreció una visita guiada a la exposición TRAVEL en la Sala Umberto Veruda.

Por la noche, la Sala Xenia acogió la ceremonia de entrega de la 17ª edición de los URBAN Photo Awards, el punto culminante del festival. En presencia de los presidentes del jurado, Christopher Morris (Fotografía Individual) y Mark Power (Proyectos y Portafolios), se anunciaron los ganadores de las dos secciones principales, URBAN Photo Arena (Menores de 35 años) y los premios especiales.

Domingo 25 de octubre

La última jornada, el domingo 25 de octubre, comenzó en Magazzino 26 con una charla de los invitados internacionales Christopher Morris y Mark Power.

Posteriormente se visitaron las exposiciones de Magazzino 26. En la Sala Leonor Fini, se exhibe ‘Good Morning, America’ de Mark Power junto con ‘Beyond the Surface’, los tres proyectos que seleccionó para el Premio Especial Mark Power. En la Sala Arturo Nathan, Power Structures de Christopher Morris y la exposición colectiva ‘Mythography VI’ se unen a ‘The Hound’ de Ian Willms, seleccionada por Matt Black en la Selección de Proyectos en Línea de 2025.

En la misma sala, ‘La Forma del Calore’ (La forma del calor) combina fotografías del proyecto “HEATALY” de Filippo Ferraro con visualizaciones de datos de ARPA FVG, la agencia ambiental regional, desarrolladas con el departamento DEAMS de la Universidad de Trieste. La exposición colectiva ‘Overshoot’ completa el itinerario. También durante la mañana, Matteo Zambon recibió su premio como compositor de la obra polifónica ‘Rifrazioni sonore. Il prisma della memoria’ (Refracciones sonoras. El prisma de la memoria), ganadora de Fotografía in Sinfonia, una convocatoria abierta organizada por Exhibit Around y dotART en colaboración con el Conservatorio de Música Giuseppe Tartini.

Por la tarde, en la Sala Xenia, Umberto Verdoliva conversaba con Barbara Silbe, fundadora y redactora jefe de la revista EyesOpen!

Al final del día, en la Sala Xenia, Mark Power entregó el premio al fotógrafo británico Richard Beaven, cuyo proyecto ‘Gone’ ganó la Selección de Proyectos en Línea 2026 y será la primera exposición de Trieste Photo Days 2027. Las Revisiones de Portafolios, presididas por Andrea Rossato, fueron ganadas por Alessia Capasso con el proyecto ‘Odissea Dorata – Un viaje por Montenegro’ en transición (2016-2026), elegido por unanimidad por los revisores con la siguiente mención:

“Por la estructura y la profundidad de su trabajo, por la originalidad de la historia, que nos muestra una faceta del mundo que no conocíamos tan bien, por su innegable talento periodístico y por su empatía.”

También se concedieron dos menciones de honor, a Enrico Gatti por ‘Tutta la solitudine che merito’ (Toda la soledad que merezco) y a Anna Consolo por ‘Oceano Borderline’ (Océano fronterizo).

La cuarta edición de la Copa EA fue otorgada a Deborah Granieri De Panfilis por ‘Burn-out’, una fotografía que interpreta el tema “Detalles” con gran inteligencia visual.

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Exposiciones Trieste Photo Days 2026.

Fotografía de Mark Power at ‘Good Morning, America’ © Fernando Torres

Patti Smith, “la madrina del punk”, Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026

La legendaria artista estadounidense recibió hoy en Oviedo el máximo galardón de las artes en reconocimiento a una trayectoria inabarcable que logró fusionar la rabia del rock, la poesía simbolista y una profunda sensibilidad visual.

Esta tarde, en el Teatro Campoamor de Oviedo, se entregaba el Premio Princesa de Asturias de las Artes a una de las figuras más revolucionarias, magnéticas e influyentes de la contracultura contemporánea: Patricia Lee Smith (Chicago, 1946). A sus 79 años, la conocida cantante norteamericana acudía a recoger un galardón que no solo celebra sus canciones, sino su condición de artista total.

El jurado ha querido destacar su “impetuosa creatividad” y una potencia expresiva capaz de difuminar las fronteras del arte. En su acta, se ensalza un estilo vigoroso e icónico que plasmó la rebeldía del individuo en la sociedad a través de una visión literaria inconformista, un hondo compromiso ético y un humanismo intrínseco. Al conocer el fallo, una humilde Patti Smith declaró sentirse llena de energía e invocó el espíritu de sus admirados Federico García Lorca y Pablo Picasso, figuras que moldearon su juventud.

Del Hotel Chelsea a la revolución del CBGB

La historia de Patti Smith es la de una superviviente que llegó a Nueva York en 1967 con poco más que un libro del poeta simbolista Arthur Rimbaud en la maleta. Instalada en el mítico Hotel Chelsea junto al fotógrafo Robert Mapplethorpe —su alma gemela y cómplice artístico eterno—, comenzó a recitar poemas que poco a poco se electrificaron con la guitarra de Lenny Kaye.

El epicentro de su explosión musical fue el decadente club CBGB en el Bowery neoyorquino, hoy ya desaparecido. Fue allí, en 1975, durante la histórica residencia junto a Television  —la mítica banda de Tom Verlaine—, donde Patti Smith Group demostró que el rock podía ser un vehículo de altísima trascendencia lírica. Ese mismo año nacería ‘Horses’, un álbum debut rabiosamente contestatario y salvaje producido por John Cale. Su frase de apertura (“Jesus died for somebody’s sins but not mine”) y la icónica portada en blanco y negro fotografiada por Mapplethorpe cambiaron las reglas del juego para siempre. Después llegarían éxitos masivos como ‘Because the Night’, coescrito junto a Bruce Springsteen, antes de su voluntario retiro en Detroit para criar a sus hijos junto a su esposo Fred “Sonic” Smith.

La mirada detrás de la cámara: poesía instantánea

Tras sufrir dolorosas pérdidas en los años noventa —incluyendo a Mapplethorpe y a su propio marido—, Patti regresó a Nueva York y encontró en la fotografía un refugio espiritual. Armada con una mítica cámara Polaroid Land 250 de tecnología analógica y básica, comenzó a capturar “retratos de objetos”: la máquina de escribir de Hesse, las zapatillas de ballet de Nuréyev o las tumbas de sus héroes literarios.

Esta faceta visual, recogida en libros esenciales como ‘Land 250’ (2008) y ‘Camera Solo’ (2011), ha alcanzado su madurez más íntima en su reciente y aplaudido fotolibro, ‘El libro de los días’ (A Book of Days) (2022). Inspirado en su cuenta de Instagram, esta obra ofrece un mapa de 366 instantáneas que mezclan su archivo histórico con fotos tomadas con su teléfono móvil. El libro funciona como un diario poético donde conviven tazas de café, libros gastados y recuerdos de sus seres queridos, demostrando que su mirada fotográfica es tan profunda como sus versos.

Con la entrega del Premio Princesa de Asturias, España rinde tributo a una creadora que nunca ha dejado de ser fiel a sí misma. Patti Smith es la demostración viva de que el rock, la literatura y la fotografía pueden converger en un mismo latido: el de una mujer que prometió seguir trabajando duro para demostrar que, hoy más que nunca, el pueblo tiene el poder.

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Site personal de Patti Smith.

Fotografía de Patti Smith (detail) © Steven Sebring
 

Kazuaki Koseki, premiado por el poético vuelo dorado de la Himebotaru

El fotógrafo japonés Kazuaki Koseki se alza con el prestigioso LensCulture Photobook Prize 2026.

La Himebotaru (Luciola parvula) es un pequeño insecto coleóptero cuyo macho, de cuerpo negro azabache con una sutil franja rosada en la base de la cabeza, posee la morfología típica de un escarabajo volador, mientras que la hembra presenta alas atrofiadas que le impiden el vuelo. Conocida comúnmente como la “luciérnaga princesa”, es una especie terrestre endémica de Japón que habita en ambientes boscosos, a diferencia de otras especies populares del país que se desarrollan en ríos o humedales como la Genji-botaru o la Heike-botaru. Ambos sexos se comunican en la profunda oscuridad mediante rápidos e intensos destellos intermitentes de luz, a modo de flashes, en lugar de un brillo continuo; un fenómeno natural conocido como bioluminiscencia.

La palabra “luciérnaga” se mencionó por primera vez en Japón hace más de 1300 años en el manuscrito Nihon Shoki, una de las crónicas más antiguas del país. Allí se la describía como “Hotaru”. Debido a su brillo en la oscuridad, las luciérnagas suelen asociarse con el fuego o las estrellas. Desde la antigüedad, los japoneses han vinculado la “Hotarubi” (la luz de las luciérnagas en la noche) con las almas de los seres humanos y de los difuntos.

Debido a factores como la crisis climática, la pérdida de su hábitat natural y el uso de pesticidas, se considera una especie amenazada y vulnerable. Su preservación es objeto de constantes proyectos fotográficos y ecológicos en el país asiático, como ocurre en los bosques de Yamagata, y en este caso a través de la mirada del premiado fotógrafo japonés Kazuaki Koseki por su serie ‘Summer Fairies’ (Hadas de verano) en el LensCulture Photobook Prize 2026.

Nacido en 1977 en la prefectura de Yamagata, Koseki creció inmerso en el mundo de la imagen como el hijo mayor de una familia dedicada a los estudios de fotografía tradicionales. Tras heredar el negocio familiar, el fotógrafo y antropólogo visual comenzó a compaginar su labor comercial con una profunda exploración artística de los ecosistemas del norte de Japón, adentrándose con sus cinco sentidos en las montañas, ríos y zonas boscosas de la región de Tohoku.

Ha sido precisamente esta constancia la que lo ha situado en la primera línea de la actualidad internacional. Su serie icónica sobre las luciérnagas princesa, en la que lleva trabajando una década, acaba de alzarse con el primer premio en el LensCulture Photobook Prize 2026. Elegido entre participantes de 91 países, este galardón permitirá que su sensible testimonio visual sobre la Himebotaru se materialice en un fotolibro de distribución global editado por Nazraeli Press, además de protagonizar una gran exposición de copias físicas en Los Angeles a finales de año. Este triunfo se suma a un impecable palmarés donde ya figuran hitos como el Wildlife Photographer of the Year de la mano del Museo de Historia Natural de Londres o el Travel Photographer of the Year.

Kazuaki Koseki ha ganado numerosos premios de prestigiosos concursos fotográficos internacionales. Fue seleccionado dos veces como imagen del concurso de la revista digital de fotografía Lensculture en 2019, y su trabajo ha aparecido en la versión digital de National Geographic.

Ganó la medalla de oro (Gold Winner) de los MIFA 2020 en la categoría profesional de Nature/Seasons; asimismo, fue Semifinalista del concurso Wildlife Photographer 2020. Semifinalista del Smithsonian Magazine's Photo Contest 2019. Fue Plata en el Prix de la Photographie, Paris (P×3) en 2019. Y fotógrafo representante de Japón en el WPC2018.

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Ganadores del LensCulture Photobook Prize 2026.

Site personal de Kazuaki Koseki.

Fotografía ‘Hadas del Bosque’ (2018) © Kazuaki Koseki

El vitalista legado visual de Sebastião Salgado

Por vez primera, las series ‘Aqua Mater’ y ‘Glaciares’ se presentarán juntas en una única experiencia expositiva que tendrá lugar el próximo mes de octubre.

Casi un centenar de fotografías en blanco y negro de gran formato conforman la primera gran exposición póstuma del fotógrafo brasileño, y que recorren la belleza, la fuerza y la fragilidad del agua en el planeta. Un viaje sensorial que une fotografía, espacio y sonido en un entorno singular, como es el interior del histórico depósito de agua de Madrid, hoy sede de la Fundación Canal.

Leyenda de la fotografía documental y Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998, Sebastião Salgado (1944–2025) dedicó más de cinco décadas a recorrer el mundo para retratar la condición humana y los grandes paisajes del planeta. Su compromiso trascendió la imagen: junto a su esposa, Lélia Wanick Salgado, fundó el Instituto Terra, un ambicioso proyecto de restauración de la Mata Atlántica brasileña. “Entendí que soy naturaleza”, resumió al final de su vida.

Editora, diseñadora y compañera de vida de Sebastião Salgado, Lélia es la comisaria encargada de diseñar el espacio expositivo de ‘Aqua Mater’, convirtiendo el legado de Salgado en una experiencia sensorial única donde reunir más de veinte años de viajes por océanos, ríos y glaciares que condensa la mirada del fotógrafo: el agua como origen de la vida, fuerza creadora y vínculo esencial entre la humanidad y el planeta.

A partir del 28 de octubre de 2026, la Sala Castellana 214 de la Fundación Canal —un imponente y evocador antiguo depósito de agua subterráneo— acogerá esta muestra que fusiona por primera vez estas dos potentes series visuales, organizadas por La Fábrica en una cita que coincide además con el 175º aniversario de Canal de Isabel II.

Las imágenes son el resultado de 25 años de expediciones a los rincones más remotos y puros del planeta, desde la inmensidad de la Amazonia y el Himalaya hasta el aislamiento de Islandia, Siberia y la Patagonia. Mientras que ‘Aqua Mater’ explora el agua como el origen de la vida y un recurso en constante disputa entre la abundancia y la escasez, la serie ‘Glaciares’ se suma en esta ocasión de forma inédita para retratar las colosales e imponentes masas de hielo antárticas y patagónicas. El resultado es un sobrecogedor viaje sensorial que, arropado por una atmósfera sonora diseñada para la ocasión, trasciende la mera contemplación estética. La muestra conjunta no es solo un homenaje al virtuosismo técnico de Salgado; es, sobre todo, una llamada urgente a la conciencia colectiva y una advertencia sobre la fragilidad climática de nuestra Tierra.

Nacido el 8 de febrero de 1944 en Aimorés, Minas Gerais (Brasil), Sebastião Salgado creció como el único hijo varón de una familia de ocho hermanos. Aunque inicialmente se inclinó por el Derecho, terminó licenciándose en Ciencias Económicas en la Universidad de São Paulo. Y completa su formación con una maestría en Estados Unidos y un doctorado en la Universidad de París. En 1964 comenzaría su militancia activa de izquierdas contra la dictadura militar de Brasil. Debido a la persecución política del régimen, en 1969 se exilia en París junto a su esposa, la arquitecta y diseñadora Lélia Deluiz Wanick.

Su carrera profesional comenzó formalmente como economista para la Organización Internacional del Café. Sin embargo, en la década de 1970, durante un viaje de trabajo a África, comienza a usar la cámara fotográfica de su esposa. A los 29 años tomó la decisión radical de abandonar la economía para dedicarse por completo al fotorreporterismo de manera autodidacta. Poco después trabajaría para las prestigiosas agencias Sygma y Gamma, y en 1979 ingresa en la Agencia Magnum Photos, donde consolidó su reputación global. En 1994, él y su esposa fundaron su propia agencia exclusiva: Amazonas Images. Estilo y grandes proyectos socio-documentales.

Su obra destaca por el uso exclusivo del blanco y negro texturizado, enfocado en realzar la dignidad y la condición humana en situaciones extremas. Salgado documentó la crudeza de la globalización y la resistencia humana a través de obras maestras recopiladas en sus libros, tales como: ‘Otras Américas’ (1986): Un viaje profundo por la vida campesina e indígena de Latinoamérica. ‘Trabajadores’ (1993): Una oda visual a la mano de obra industrial y manual que desaparecía en el cambio de siglo. ‘Éxodos’ (2000): Un durísimo registro de siete años sobre los desplazados, refugiados y migrantes en 35 países.

Tras quedar devastado psicológicamente por la crudeza del genocidio de Ruanda que fotografió en 1994, Sebastião Salgado sufrió una profunda depresión. Encontró refugio regresando a Brasil para reforestar las tierras degradadas de su familia, fundando el Instituto Terra, con el que sembró millones de árboles. Este regreso a la naturaleza inspiró su proyecto ‘Génesis’ (2013), dedicado a los paisajes e indígenas inalterados por la vida moderna. Su último gran trabajo fue ‘Amazônia’ (2021), alertando sobre la destrucción del pulmón del planeta.

Reconocido internacionalmente con galardones como el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1998), Sebastião Salgado falleció el 23 de mayo de 2025 en París, a los 81 años de edad, a causa de complicaciones de una leucemia diagnosticada años atrás.

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Sebastião Salgado: ‘Aqua Mater’.  

Fotografía ‘Iceberg entre la Isla Paulet y las Islas Shetland del Sur. Mar de Weddell’ (2005) © Sebastião Salgado

Segunda edición del Lisbon Street Photo Fest

Del 25 al 27 de septiembre, Lisboa celebra la segunda edición de su Lisbon Street Photo Fest. Una fiesta de la fotografía callejera que reunirá a profesionales, aficionados y mentes curiosas de todo el mundo. 

Será un fin de semana de talleres, paseos fotográficos, revisiones de portfolios, e inspiradoras charlas, que se sucederán en el marco de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa.

Ubicada en el corazón de la capital portuguesa, la Facultad de Bellas Artes es una prestigiosa institución reconocida por su dedicación a las artes y el fomento del talento creativo. Conocida por su rica historia y su entorno académico de alto nivel, la facultad ha sido durante mucho tiempo un pilar fundamental de la educación artística y la innovación en Portugal.

El Lisbon Street Photo Fest está organizado por la Associação 351 Foto, una asociación independiente sin ánimo de lucro con sede en Lisboa. Centrado en la celebración de la fotografía callejera, el festival fomenta el intercambio creativo entre fotógrafos de todo el mundo.

En su primera edición, este interesante evento luso reunió a una amplia gama de voces del mundo de la Street Photography, desde diversos artistas internacionalmente reconocidos hasta fotógrafos emergentes y miembros activos de la comunidad.

En 2025, el festival tuvo el honor de colaborar con invitados como Alex Webb y Rebecca Norris-Webb, Myriam Boulos, Gustavo Minas, Nikita Teryoshin, Julia Coddington, Matt Stuart y Phil Penman, entre otros muchos. Participando también como jurados de una convocatoria abierta que finalmente tuvo como ganador al fotógrafo documental de origen tunecino-alemán Skander Khlif. Nacido en Túnez en 1983, la obra de este artista visual y narrador de historias destaca por capturar la relación íntima entre las personas, el entorno urbano, la memoria y la identidad cultural.

Su serie ganadora, realizada en Dakar (Senegal), impresionó al jurado por su potente lenguaje visual. Impulsada por el color y una gran sensibilidad hacia el ritmo y las contradicciones de la ciudad, Dakar se revela como un lugar donde la memoria y el futuro coexisten, y donde la resiliencia impulsa la transformación.

Esta segunda edición del Lisbon Street Photo Fest tendrá lugar del 25 al 27 de septiembre de 2026.

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Site oficial del Lisbon Street Photo Fest.

Fotografía (serie) ‘Land of the Setting Sun’ © Skander Khlif, Winner of the Lisbon Street Photo Fest 2025

Bicentenario de la Fotografía (1826–2026)

El Día Mundial de la Fotografía cobra este año un significado histórico al coincidir con la celebración de su bicentenario.

Aunque se remontan a 1824 los primeros resultados fotográficos documentados de Nicéphore Niépce, la celebración internacional este año 2026 toma como referencia la primera fotografía permanente conservada, realizada hacia 1826.

Si bien se considera esa primera fotografía de Niépce, realizada en Borgoña por el procedimiento denominado heliografía, existe también una discusión historiográfica legítima, ya que Niépce documentaría en 1824 resultados fotográficos experimentales. Por esa razón en 2024 hubo instituciones que tempranamente ya celebraron el bicentenario.

Hacia 1826, en su casa de Saint-Loup-de-Varennes, cerca de Chalon-sur-Saône, Niépce consiguió fijar sobre una placa fotosensible de manera permanente la imagen proyectada por una cámara oscura. La imagen es conocida como Point de vue du Gras (‘Vista desde la ventana en Le Gras’).

Dicha imagen es, en términos históricos, la fotografía permanente más antigua que se conserva. La placa original se encuentra actualmente en la colección del Harry Ransom Center de la Universidad de Texas, en Austin. Y fue el propio Ministerio francés de Cultura quien acuerda tomar 1826 como fecha de referencia para el bicentenario, y resume el aniversario como el paso desde las primeras imágenes fijadas de forma permanente hasta las prácticas fotográficas contemporáneas.

Porque la importancia del acontecimiento no reside simplemente en que alguien consiguiera “crear una imagen con una cámara”. La cámara oscura era conocida desde siglos antes. La verdadera revolución consistió en lograr que la luz produjera una imagen que pudiera quedar fijada materialmente, sin que un dibujante tuviera que reproducirla a mano.

En ese sentido, la fotografía nace de la convergencia histórica de tres factores circunstanciales: la óptica de la cámara oscura; la química fotosensible, y el deseo artístico y científico de obtener una representación automática y duradera de la realidad.

El 16 de septiembre de 1824, Nicéphore escribió a su hermano Claude comunicándole que había conseguido obtener una vista desde la habitación de su casa en Le Gras mediante su cámara oscura y sus procedimientos químicos. Niépce utilizaba materiales recubiertos con betún de Judea, una sustancia que se endurecía bajo la acción de la luz. La Casa-Museo Nicéphore Niépce considera ese experimento el nacimiento de la fotografía y, de hecho, celebró en 2024 el bicentenario de la invención.

Pero si la célebre ‘Vista desde la ventana en Le Gras’ suele fecharse en 1826 (también aparece datada como 1826-1827), siendo esa la escogida para el actual bicentenario oficial francés, otra fecha que asimismo se tiene en consideración es la de 1839, año de su presentación pública y nacimiento de la fotografía como fenómeno social. 

En enero de 1839, Louis Daguerre y François Arago presentaron ante la Academia de Ciencias de Francia el nuevo procedimiento que terminaría denominándose daguerrotipo.

El Metropolitan Museum señala que las demostraciones públicas comenzaron en enero de 1839 y que, posteriormente, el procedimiento de Daguerre se hizo público a cambio de una pensión vitalicia concedida por el Estado francés.

Por tanto, si se afirmase que “la fotografía nace en 1839”, no se estaría hablando necesariamente de la primera invención técnica. Se estaría hablando, más bien, de su presentación pública y de su nacimiento como medio accesible y reproducible socialmente.

Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) fue un inventor extraordinariamente polifacético. No era originalmente “fotógrafo” en el sentido moderno. Niépce trabajaba en problemas relacionados con la reproducción de imágenes, la litografía, la óptica, los procedimientos químicos, la mecánica, la navegación, y diversos inventos industriales.

La cámara oscura proporcionaba desde hacía siglos una imagen óptica. Lo que faltaba era conseguir que esa imagen se escribiera a sí misma. Fotografiar, del griego phōs (luz) y graphē (escritura), es literalmente escribir con luz. Y de ahí procede su extraordinario significado histórico: la mano del artista deja de ser indispensable para producir la representación.

No obstante, Niépce denominó a su procedimiento héliographie, literalmente “escritura solar”. Para realizar su heliografía, Niépce utilizaba principalmente betún de Judea, aplicado sobre diferentes soportes.

Para ello la exposición debía ser extraordinariamente larga. En la ‘Vista desde la ventana en Le Gras’ se suele hablar de una exposición del orden de varias horas; algunas fuentes indican alrededor de ocho horas.

Esto explica una característica visual peculiar de la fotografía: la luz parece venir simultáneamente de diferentes direcciones. No estamos viendo un instante congelado como en una fotografía moderna. Estamos viendo, en cierto modo, el recorrido del Sol durante una parte considerable del día. Esto convierte la primera fotografía en algo conceptualmente fascinante: no es solamente una imagen del espacio, sino también una huella del tiempo.

La fotografía es extremadamente tenue y, según la iluminación y el ángulo desde el que se observe, puede resultar difícil reconocerla. Pero históricamente es extraordinaria. Lo que contemplamos es un fragmento del mundo exterior que ha quedado físicamente modificado por la luz que procedía de ese mismo mundo.

La imagen no fue dibujada. La imagen fue producida por la acción de la luz. Ese principio, llevado a sus últimas consecuencias, terminaría transformando el arte, la ciencia, el periodismo, la memoria familiar, la antropología, la astronomía, la medicina, la policía, la cartografía, la publicidad, la propaganda, el cine, la cultura popular y, finalmente, nuestra propia percepción de la realidad.

Pero Niépce no desarrolló solo el camino que conduciría a la fotografía moderna. En 1829 estableció una asociación con Louis Daguerre, artista, decorador y empresario teatral conocido por el Diorama.

Ambos buscaban resolver el mismo problema: conseguir imágenes producidas por la luz pero de una manera suficientemente estable y práctica.

Niépce murió en 1833, antes de que la fotografía alcanzara su madurez. Por su parte, Daguerre continuó trabajando y desarrolló un procedimiento mucho más sensible y práctico. El Metropolitan Museum destaca que Daguerre llevaba experimentando desde mediados de la década de 1820 y que su asociación con Niépce comenzó en 1829.

En justicia, esto obliga a corregir otra simplificación histórica frecuente: Daguerre no inventó la fotografía desde cero. Pero su contribución fue decisiva para convertir las investigaciones fundamentales iniciadas por Niépce en un procedimiento mucho más eficaz y comercializable: el daguerrotipo.

El daguerrotipo representó un salto enorme respecto de la heliografía. Consistía en una imagen única sobre una placa de cobre recubierta de plata cuidadosamente pulida. A diferencia de la fotografía moderna negativa/positiva, el daguerrotipo era esencialmente un original único. No era posible producir fácilmente una serie de copias a partir de un negativo. Pero la sensibilidad del procedimiento era muchísimo mayor que la de los primeros experimentos de Niépce. La fotografía comenzó entonces a salir del laboratorio.

Después de 1839 se sucedieron avances fundamentales. La fotografía deja de ser un experimento y se convierte en un medio.

En Gran Bretaña, William Henry Fox Talbot desarrolló el proceso del llamado calotipo, el cual fue patentado en 1841. Propiciando que de un negativo se obtuvieran múltiples positivos, lo que terminaría siendo fundamental para la fotografía durante más de un siglo, sentando las bases de la fotografía analógica moderna.

A mediados del siglo XIX, el procedimiento de colodión húmedo, inventado en 1851 por el escultor y fotógrafo inglés Frederick Scott Archer, permitió obtener negativos sobre vidrio mucho más detallados.

A finales del XIX, las placas secas de gelatina-bromuro simplificaron enormemente la práctica fotográfica. Inventado en 1871 por Richard Leach Maddox y mejorado en 1878 por Charles Harper Bennett, es un proceso fotográfico de placa seca sobre vidrio. Utiliza una emulsión de gelatina y bromuro de plata que se extiende en una placa, permitiendo conservar la sensibilidad a la luz sin requerir un procesado inmediato en húmedo.

Por entonces la fotografía comenzó a convertirse en una actividad verdaderamente popular. George Eastman fundaría, en 1888, la compañía Kodak tras patentar la primera cámara con rollo de película. La aparición de cámaras más sencillas y película flexible permitió que fotografiar dejara de ser una actividad reservada a químicos, científicos y profesionales.

La segunda gran revolución fotográfica llegó con la digitalización. La pionera fotografía digital nace en 1975, cuando el ingeniero Steven Sasson construye la primera cámara digital en la empresa Kodak. Antes de eso, en 1957, el científico Russell Kirsch creaba la primera imagen digital escaneando una foto física en papel, pero la captura electrónica sin película comenzó con el prototipo de Sasson.

La historia de la fotografía no es solamente la historia de sus artífices y grandes fotógrafos. También es la historia de quién pudo ser fotografiado, quién pudo fotografiar y quién decidió qué imágenes merecían conservarse.

Durante dos siglos, la fotografía modificó nuestra relación con la realidad; ha elaborado una suerte de memoria visual de la humanidad. Es simultáneamente documento e interpretación. La fotografía parece objetiva, pero nunca es completamente objetiva. Una fotografía puede ser auténtica y, al mismo tiempo, estar cuidadosamente construida. Y la elección del momento, el encuadre y la publicación pueden transformar el significado de una imagen.

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Ministerio de Cultura de Francia — Bicentenario de la Fotografía — portal oficial de la celebración 2026–2027.

Manifiesto científico y artístico del Bicentenario — probablemente el documento conceptual más importante de la celebración.

Maison Nicéphore Niépce — Bicentenario — especialmente útil para comprender la tesis de 1824 y la controversia sobre la fecha.

Nicéphore Niépce y la invención de la fotografía — cronología y documentación sobre Niépce.

The Metropolitan Museum of Art — Daguerre y la invención de la fotografía — excelente síntesis histórico-artística sobre Niépce, Daguerre y 1839.

Ilustración: composición original realizada con ChatGPT (OpenAI) © 2026

Harry Gruyaert y la saturación del instante

El artista Harry Gruyaert dentro de la nutrida y variada programación de la 57ª edición del Festival de fotografía que se celebra en la ciudad de Arlés. 

Desde el pasado día 6 de julio y hasta el 4 de octubre de 2026, Les Rencontres d'Arles acoge ‘A Sense of Place’, una importante muestra de la obra de este gran fotógrafo belga miembro de la Agencia Magnum.

El orden del destello.

Viajar no es acumular coordenadas, sino aprender a naufragar en la luz de los otros. En las salas de la Chapelle Saint-Martin du Méjan, durante la actual edición de Les Rencontres d'Arles, las fronteras geográficas se disuelven para dar paso a una cartografía puramente emocional. La exposición ‘A Sense of Place’, del maestro Harry Gruyaert, no es un inventario del mundo ni una crónica periodística de las ciudades que ha pisado durante más de cuarenta años; es una partitura visual donde el espacio físico se rinde ante la dictadura perfecta del color. Abriendo este viaje se alza una estampa premonitoria capturada en la Gare du Nord de París en 1985. En ella, la nuca desenfocada de un observador anónimo —que el tiempo revelaría mágicamente como el joven crítico David Campany— nos invita a mirar a través de sus ojos. Frente a él, los trenes descansan bajo la inmensa catedral de hierro y vidrio, suspendidos en una bruma metálica donde el tiempo parece haberse detenido. Es la perfecta declaración de intenciones de Gruyaert: transformar el desorden del asfalto en una pintura abstracta y demostrarnos que el “espíritu del lugar” no se encuentra en los monumentos, sino en la vibración secreta de la luz cotidiana.

La disolución del mapa en Arlés.

La genialidad del montaje actual en Arlés, comisariado por Géraldine Lay para acompañar el fotolibro homónimo editado por Éditions Textuel, radica en su desapego de lo documental. En las paredes de la capilla, una calle de Moscú convive de forma orgánica junto a un plano de Las Vegas, un mercado en Marruecos o un muelle en Amberes. Harry Gruyaert despoja deliberadamente a las imágenes de cartelas explicativas inmediatas. Así, al espectador no se le invita a descifrar una historia geopolítica, sino a habitar un estado atmosférico. El mapa del mundo se borra para unificarse bajo un mismo cielo cromático. Esta resistencia a la narrativa tradicional define el ADN de Gruyaert dentro de la agencia Magnum. Mientras sus contemporáneos buscaban el “instante decisivo” de fuerte carga humanista, el fotógrafo belga se consolidaba como un pionero del color europeo persiguiendo algo más matérico. Para él, los seres humanos no protagonizan la escena; habitan el encuadre con el mismo peso específico que una farola, un automóvil o una sombra densa. Las personas son fragmentos de color, siluetas recortadas que aportan ritmo y escala al espacio urbano, despojadas de cualquier pretensión de retrato psicológico.

Geometría, densidad y herencia flamenca.

Para comprender la particular saturación de Gruyaert, es necesario rastrear sus orígenes en la Amberes de posguerra. Criado en una sociedad que él mismo describía como gris y visualmente reprimida, su revelación del color —estimulada por el Pop Art americano y el cine de Antonioni— no se tradujo en una paleta festiva o estridente. Al contrario, la luz de Gruyaert arrastra la densidad de los maestros de la pintura flamenca. Sus negros son abisales, sus sombras cortan el plano con violencia quirúrgica y la saturación del film Kodachrome se utiliza para espesar la realidad, dotando a la mundana vida callejera de un aire misterioso y teatral. El espacio en sus fotografías nunca es plano; se construye a través de capas complejas de información visual. Gruyaert es un cirujano del reflejo: utiliza escaparates, mamparas de aeropuertos, neones parpadeantes y lluvia sobre el pavimento para fracturar la imagen. El ojo del espectador se ve obligado a trabajar, a recomponer los pedazos de un espejo roto donde se mezclan el interior y el exterior, lo nítido y lo borroso.

El color absoluto.

‘A Sense of Place’ es, en última instancia, una paradoja resuelta con maestría. Harry Gruyaert encuentra el verdadero sentido de un lugar precisamente cuando se olvida de su nombre y se concentra en su materia pura. Su saturación no satura el ojo; llena el vacío de las ciudades modernas, inyectando una energía magnética en los andenes de tren, los cafés solitarios y las avenidas impersonales. Al salir de la exposición en Arlés, uno comprende que el mundo real no es tan anodino como sospechábamos: solo hace falta la mirada obsesiva del belga para recordar que la luz, cuando es empujada a su límite, es capaz de sostener por sí sola la belleza del caos.

Más información

Les Rencontres d'Arles.

Interview Harry Gruyaert - ‘A Sense of Place’ (vimeo).

Fotografía (Gare du Nord de París en 1985) exposición de Harry Gruyaert en la Chapelle Saint-Martin du Méjan © Fernando Torres