Celebramos el FUJIKINA Madrid 2026

Organizado por Fujifilm, el festival de fotografía congregó por primera vez en la capital a fotógrafos, videógrafos, creadores visuales y aficionados a la imagen en general.

FUJIKINA, el gran festival internacional de fotografía enfocado principalmente en los usuarios de la conocida firma japonesa, que venía celebrándose en ciudades como Tokio, Nueva York, Berlín, Londres y Barcelona, como no podía ser de otra manera llegó también a Madrid los pasados días 23 y 24 de mayo.

El acertado lugar elegido para realizar este interesante evento fotográfico fue la sede madrileña del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), que ya acogía otros actos afines como son la exposición internacional World Press Photo 2021 o la muestra ‘ICON’ de Steve McCurry; la gran exposición dedicada en 2023 a David Bowie titulada ‘Bowie Taken by Duffy’, centrada en la relación creativa entre Bowie y el fotógrafo británico Brian Duffy; las exposiciones programadas por PHotoESPAÑA, como la reciente ‘Lo que nace’ del también comisario Matías Costa, que reunió 59 fotografías y material de archivo del autor, explorando su evolución creativa; o ‘Columna’, de Sonia Celma, que se podrá ver el próximo mes de junio.

En esta ocasión, el COAM albergó en el marco de FUJIKINA Madrid una exposición colectiva de fotografía contemporánea con algunas de las obras del citado Matías Costa, Premio ‘Descubrimientos’ PHotoESPAÑA 1998; Samuel Aranda, Premio World Press Photo of the Year 2011 por su fotografía de una madre que consuela a su hijo herido en el conflicto de Yemen; Estela de Castro, fotógrafa y retratista y una de las voces más reconocidas de la actual fotografía española; Toni Amengual, artista, fotógrafo y educador visual; Álvaro Sanz, fotógrafo, realizador y publicista; Sonia Celma, finalista en el Certamen de Fotógrafas Baffest 2025;  y Nerea Garro, fotógrafa y artista visual con formación en Bellas Artes. Además, el veterano fotógrafo Alberto García-Alix presentó en el concurrido salón de actos su personal conferencia titulada ‘La ausencia como estímulo’, cargada de imágenes y una sentimental oratoria.

Y es que, el evento FUJIKINA en Madrid combinó conferencias y charlas en directo, como la protagonizada por la directora de Photo ESPAÑA María Santoyo junto a Sonia Celma y Matías Costa, talleres prácticos y exposiciones fotográficas, paseos fotográficos o photowalks, como es el caso del participado con el fotógrafo, formador y divulgador Joan Vendrell, sesiones fotográficas en vivo, networking entre profesionales y aficionados... Y cómo no, pruebas de cámaras y objetivos Fujifilm para todos los interesados en sus productos, características técnicas y novedades de la firma.

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FUJIKINA Madrid 2026.

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PhotoESPAÑA.

Fotografía del speech de Álvaro Sanz ‘En busca de un Ålbør eterno’, centrada en sus expediciones a territorios extremos © Fernando Torres

Clausura en Menorca del Raw Photo Fest

Del 7 al 10 de mayo, la localidad menorquina de Alaior ha sido la sede de esta primera edición de un festival internacional de fotografía que promete hacerse un hueco entre los veteranos certámenes europeos.

Durante estos cuatro días de hallazgo, diálogo e inspiración, el debut del festival en Alaior como enclave estratégico, ha transformado a este tranquilo municipio de casas encaladas en un espacio donde los diferentes fotógrafos emergentes seleccionados tuvieron su obra expuesta en claustros, galerías, museos, bares, casas particulares y calles o plazas junto a fotógrafos de fama internacional como Steve McCurry, Martin Parr, Alex Webb, Rebecca Norris Webb o Cristina de Middel, entre otros.

Estos fotógrafos debutantes debían responder a una convocatoria abierta previamente establecida, que en esta ocasión se dividía en dos secciones: una internacional abierta a fotógrafos de todo el mundo, y otra balear abierta a fotógrafos con base en las islas o vinculados a ellas. En ambos casos la organización buscaba “fotógrafos cuyo trabajo cuente historias reales y humanas, ya sea explorando momentos en la calle, viajes a través de culturas, política e historia, o destellos de la vida cotidiana”. Siendo el tema de libre elección, lo que unió todas las propuestas fue el arte de contar historias.

Esas historias aparecieron anteriormente en el quinto número de The Raw Society Magazine, que publica esta organización sin ánimo de lucro y plataforma educativa dedicada a la fotografía documental, de viajes y de calle. Con sede en las Islas Baleares, The Raw Society ha pasado la última década organizando talleres y fomentando una comunidad global de más de 300 fotógrafos apasionados por la narración visual. Asimismo, la organización promueve la fotografía a través de esta publicación premiada.

Los fundadores de esta gran iniciativa en forma de Festival fotográfico son Christelle Enquist (Presidenta) y Jorge Delgado-Ureña  (Director de fotografía).

Christelle es una fotógrafa y educadora hispano-sueca, además de cofundadora de The Raw Society. Criada en Singapur y con dominio de cuatro idiomas, concibe la fotografía como un lenguaje universal y una forma de conectar con las personas, los lugares y la cultura más allá de las palabras.

Graduada de la Parsons School of Design, Christelle trabajó durante más de una década en publicidad antes de dedicarse a viajar sola, un punto de inflexión que transformó su trayectoria creativa y la llevó a la fotografía como práctica a largo plazo.

En 2016, cofundó The Raw Society, donde desempeña un papel fundamental en su visión, programas educativos y comunidad global. Imparte talleres a nivel internacional y asesora a fotógrafos en narrativa visual y color. Además, es la editora jefa de la revista The Raw Society Magazine.

Su obra se ha expuesto internacionalmente, en países como Australia, Estados Unidos, Bélgica y Nepal, y fue incluida en el libro Women Street Photographers (Penguin Random House, 2021). En 2024, se presentó en Menorca una gran retrospectiva de su trabajo, que reunió fotografías tomadas en diversos países a lo largo de varios años de trabajo continuo.

Jorge Delgado-Ureña es fotógrafo, escritor, educador, director de fotografía y cofundador de The Raw Society. Su trabajo se basa en la narrativa documental, la narración personal y la filosofía de la presencia, guiando a los fotógrafos hacia una práctica creativa más intencional y significativa.

Con casi dos décadas de viajes y trabajo de campo en regiones como el Kurdistán iraquí, Oaxaca, Nepal, Marruecos y Ucrania, la fotografía de Jorge explora temas como la identidad, la cultura, el ritual y la experiencia humana en momentos de transición o conflicto. Sus fotografías se han publicado en diversas revistas locales e internacionales, como National Geographic, Ijsberg Magazine y La Vanguardia, entre otras. Su obra se ha expuesto en espacios como El Colegio de Periodistas en Barcelona, ​​LensCulture y The Independent Photographer en Berlín, y recientemente se presentó una retrospectiva en Menorca.

Jorge imparte talleres por todo el mundo y ha asesorado a cientos de fotógrafos en temas de autoría, narrativa visual, edición y desarrollo de una perspectiva personal. Además de su trabajo fotográfico, Jorge es un escritor reconocido cuyos ensayos combinan relatos de viajes con filosofía creativa y reflexiones sobre el papel del fotógrafo en la actualidad. Sus escritos aparecen en Substack, en entrevistas y en los materiales educativos de The Raw Society.

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Raw Photo Fest.

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The Raw Society.

The Raw Society Magazine. 

Fotografía Stephanie Duprie Routh/Raw Photo Fest © Fernando Torres

Wim Wenders en el curso del tiempo

El DFF presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, ‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’. 

Esta exposición muestra el trabajo de Wenders a lo largo de una vida como el cineasta, productor, fotógrafo, autor y artista visual que, de una manera inspiradora, ha contribuido a conformar la cultura internacional durante más de seis décadas.

Wim Wenders (Düsseldorf, 1945) es considerado una de las figuras más importantes del cine contemporáneo mundial. Ganó el premio BAFTA a la mejor dirección y la Palma de Oro por ‘París, Texas’ (1984), así como el premio al mejor director en el Festival de Cannes por ‘Las alas del deseo’ (1987). Entre sus otras películas destacadas se encuentran ‘El amigo americano’ (1977), ‘¡Tan lejos, tan cerca!’ (1993) y ‘Días perfectos’ (2023), su película de mayor éxito internacional, nominada al Óscar en 2024. Sus largometrajes ‘París, Texas’ y ‘Las alas del deseo’ son considerados clásicos del cine internacional, al igual que sus innovadores documentales ‘Buena Vista Social Club’ (1999), ‘Pina’ (2011) y ‘La sal de la Tierra’ (2014).

Esta exposición, que celebra su impacto en el cine universal, se centra en su vida y obra, incluyendo numerosos objetos como guiones, fotografías, utilería y vestuario de sus películas. Entre los aspectos más destacados se encuentra la narración de la audioguía a cargo del propio Wenders y la creación de una instalación inmersiva que invita a los visitantes a adentrarse en sus mundos visuales. El visitante podrá explorar temas centrales en la obra de Wenders como son el viaje, la nostalgia, la soledad y la búsqueda de identidad, elementos muy presentes en su película ‘En el curso del tiempo’ (1976). 

Wenders es una de las figuras más emblemáticas del cine contemporáneo, conocido por su capacidad para capturar la esencia del viaje y la búsqueda existencial. Su obra está profundamente marcada por el concepto del “road movie” y una estética visual que fusiona el cine con la fotografía fija.

La fotografía de Wim Wenders es tan fundamental como su cinematografía. Sus libros no son simples catálogos, sino diarios visuales que exploran la relación entre la imagen fija, el tiempo y el espacio. Un ejemplo de ello es el libro ‘Historias instantáneas’ (Instant Stories), una compilación de más de 400 Polaroids tomadas desde los años 70 hasta hoy, que incluye retratos de amigos, actores y apuntes visuales de sus viajes, acompañados de historias cortas y haikus escritos por el propio Wenders.

‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’ es una muestra del DFF (Deutsches Filminstitut & Filmmuseum), Frankfurt am Main, en colaboración con la Bundeskunsthalle, Bonn, y la Fundación Wim Wenders, con el amable apoyo de Wenders Images and Road Movies.

Hasta el 18 de octubre de 2026 en el DFF (Instituto Alemán de Cine y Museo del Cine), de Fráncfort (Alemania).

Más información

DFF, Frankfurt am Main.

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Site oficial de la Fundación Wim Wenders.

Fotografía serie ‘Written in the West’ © Wim Wenders

‘En las sombras’, Premio Nadar al fotolibro

El próximo miércoles, 29 de abril, en el marco de las actividades organizadas por los Amigos del Museo Nicéphore Niépce, se presenta la obra ‘Aux Ombres’ (En las sombras) de Éditions Lamaindonne, galardonada el pasado otoño con el Premio Nadar. 

El Premio Nadar, otorgado anualmente desde 1955 por la asociación Gens d'Images, reconoce un libro dedicado a la fotografía histórica o contemporánea publicado en Francia. Se presenta en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia, FNAC, y el Museo Nicéphore Niépce, bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura.

El fotógrafo belga Simon Vansteenwinckel es el autor de este fotolibro que ha publicado la editorial ganadora. La obra documenta la travesía denominada Omaka Tokatakiya/Future Generations Ride, un recorrido a caballo de 450 kilómetros realizado por lakotas en Dakota del Norte y del Sur, mostrando la resiliencia y los valores de su comunidad, la tradición y el vasto paisaje invernal de estas tribus. Una marcha anual de 15 días de duración a temperaturas extremas que pueden alcanzar los -20°C, rindiendo así un homenaje a la historia y resistencia de los pueblos originarios. En este itinerario siguen los pasos de la tribu del jefe Pie Grande, cuyos 300 miembros, en su mayoría mujeres y niños, fueron masacrados en Wounded Knee el 29 de diciembre de 1890. Vansteenwinckel captura, en blanco y negro, la intensidad de este viaje de recuerdo, una mezcla de espiritualidad, resistencia y legado.

David Fourré lleva más de 20 años trabajando en el sector editorial y el diseño gráfico. Su pasión por la fotografía le impulsó a fundar la editorial Lamaindonne en 2011, con sede en Marcillac-Vallon, en el departamento de Aveyron, al sur de Francia. Actualmente, Éditions Lamaindonne ofrece un catálogo de unos 15 libros, la mayoría monografías. En 2019, Fourré fue distinguido como “Editor del Año” en el Salon de la Photo, en París.

Simon Vansteenwinckel es fotógrafo, diseñador gráfico y profesor en la ESA St-Luc de Bruselas. Defensor del grano de la película y del blanco y negro de alto contraste, se ha consolidado como una figura destacada en la escena fotográfica de Bruselas. Sus proyectos, a menudo íntimos o documentales, exploran las conexiones entre territorio, memoria y peregrinación.

La asociación Amis du Musée Nicéphore Niépce está vinculada directamente a este museo y sus actividades (presentaciones, conferencias, encuentros) se desarrollan en su propia sede o en colaboración con él como una estructura de apoyo y programación cultural ligada al museo. El museo lleva el nombre del científico aficionado e inventor francés, y tiene su sede en la localidad francesa de Chalon-sur-Saône, ciudad que le vio nacer, y que no hay que confundir con el Museo Casa de Nicéphore Niépce, domicilio donde, en 1824, Niépce tomó la primera fotografía (heliografía) de la historia, que se encuentra en Saint-Loup-de-Varennes.

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Musée Nicéphore Niépce.

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Maison Nicéphore Niépce.

Éditions Lamaindonne.

Fotografía ‘Aux Ombres’ © Simon Vansteenwinckel

Phil Penman, ‘Street Photographer’

La sede de Fundación Telefónica acoge hoy un encuentro con este fotógrafo británico residente en Nueva York, uno de los artistas más relevantes de la fotografía de calle contemporánea.

Phil Penman ha consolidado su obra como testimonio visual de la vida urbana y de algunos de los acontecimientos más significativos de nuestro tiempo. Con una trayectoria de más de 25 años documentando la ciudad de Nueva York, ha desarrollado su trabajo basado en la observación, la intuición y la capacidad de anticiparse al instante. Publicando en medios internacionales de referencia y formando parte de colecciones como el 9/11 Memorial & Museum.

El encuentro plantea una reflexión sobre la fotografía como un instrumento con el que comprender y preservar la realidad, donde Penman compartirá su trayectoria y su proceso creativo, profundizando en su forma de trabajar en la calle y en cómo sus imágenes han evolucionado hasta convertirse en proyectos editoriales, exposiciones y otras actividades formativas a nivel internacional.

El evento continuará con una conversación entre Phil Penman y Andrea Pacella, Vice President Global Marketing & Communication, centrada en la imagen como base de la memoria fotográfica en el contexto de una constante transformación tecnológica. Se abordarán también los desafíos de la fotografía documental, especialmente en relación con la inteligencia artificial y las nuevas formas de creación y difusión de imágenes.

A lo largo de su carrera como fotógrafo de prensa y de revistas, con un amplio cuerpo de trabajo publicado en medios como The Guardian, The Independent, o The New York Review of Books, entre otros, ha fotografiado a importantes figuras públicas y acontecimientos históricos de relevancia mundial. En particular, su reportaje tras el atentado terrorista del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center fue difundido en el programa Today de NBC, así como en la BBC, History Channel y Al Jazeera.

El trabajo de Penman sobre el confinamiento durante la pandemia en la ciudad de Nueva York ha sido adquirido por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, cuya colección alberga obras de grandes documentalistas de la época de la Gran Depresión como son Walker Evans y Dorothea Lange.

Además de exponer en galerías Leica de Nueva York, Washington D.C., Boston y Londres, su fotografía de calle –ya reconocible como sello personal– ha sido presentada en exposiciones internacionales en ciudades tan diversas como Venecia, Berlín y Sídney.

Phil Penman recorre el mundo impartiendo workshops de fotografía para Leica Akademie. Y recientemente ha sido incluido entre los 52 fotógrafos de la llamada street photography más influyentes, junto a leyendas como Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Diane Arbus y Garry Winogrand. Su libro ‘Street’, publicado en 2019, se convirtió en un gran éxito de ventas y fue presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su publicación más reciente, ‘New York Street Diaries’, se lanzó como el libro de fotografía de calle más vendido a nivel mundial en Amazon y, durante su primer año, superó las 6000 copias vendidas.

Más Información

Sigue el evento aquí:

Fundación Telefónica / Encuentro con Phil Penman.

Fotografía New York © Phil Penman

‘Eveningside’. Gregory Crewdson en Charleroi

En el contexto de la obra de este artista estadounidense, el termino Eveningside funciona como un topónimo para una ciudad imaginaria estancada en el tiempo, evocando una sensación de melancolía y aislamiento.

Tras sus exposiciones en la Gallerie d’Italia (Turín, Italia, 2022), Les Rencontres d'Arles (Arlés, Francia, 2023), el VB Photography Center (Kuopio, Finlandia, 2024) y el ‘Marubi’ National Museum of Photography (Shkodër, Albania, 2025), la obra de este fotógrafo, considerado uno de los más importantes a nivel internacional, se presenta ahora en el Musée de la Photographie de Charleroi (Bélgica), bajo un título que nos remite a esa hora crepuscular entre el atardecer y la noche; a más que a un lugar a un estado mental, cuando la luz se desvanece y las sombras se van apropiando de todo. Para el fotógrafo, ‘Eveningside’ es un espacio conceptual y también el nombre del pueblo ficticio en el que ha desarrollado este trabajo.

“Lo que me interesa es ese momento de trascendencia, donde uno es transportado a otro lugar, a un mundo perfecto y silencioso”. Gregory Crewdson

Durante las tres últimas décadas, Crewdson ha ido completando un retrato de la América profunda, la que contempla con extrañeza las luces y destellos de un sueño que se desvanece. Sus fotografías, escenificadas como películas de un solo fotograma, han unido los fragmentos de un mundo crepuscular que adolece su letargo.

Nacido en 1962 en Brooklyn, Nueva York, Gregory Crewdson se graduó en el Purchase College SUNY y en la Yale School of Art, donde actualmente dirige los estudios de posgrado en fotografía. Crewdson vive y trabaja entre Nueva York y Massachusetts, y a lo largo de una trayectoria profesional de más de tres décadas, ha creado una sucesión de series fotográficas aclamadas por la crítica, desde ‘Natural Wonder’ (1992-1997) hasta ‘Cathedral of the Pines’ (2013-2014). ‘Beneath the Roses’ (2003-2008), una serie de fotografías que tardó casi diez años en completarse y en la que participó un equipo de más de cien personas, fue el tema del documental de 2012 Gregory Crewdson: ‘Brief Encounters’, de Ben Shapiro. 

La totalidad de su obra se ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y en Europa. El artista está representado por la Gagosian Gallery de Nueva York. Las fotografías de Gregory Crewdson persisten visualmente en el imaginario colectivo de sus adeptos, ocupando un espacio junto a las pinturas de Edward Hopper y las películas de Alfred Hitchcock y David Lynch como silenciosas e imborrables evocaciones entre lo cotidiano y lo insólito. Trabajando habitualmente con un amplio equipo de colaboradores, Crewdson planifica cada encuadre con meticulosa atención al detalle, cuidando la luz, el color y el diseño de producción para evocar escenas oníricas envueltas de misterio y suspense. Si bien los escenarios de pueblos pequeños de muchas de sus imágenes resultan familiares, el fotógrafo evita siempre incluir representaciones de lugares y momentos identificables, creando así un mundo atemporal.

Esta exposición reúne obras de tres series creadas entre 2012 y 2022. Concebidas como una trilogía, ofrecen una perspectiva novedosa sobre una década de producción creativa, revelando las dos caras —íntima y política— del universo que consagró a Gregory Crewdson como uno de los artistas más importantes de la actualidad. ‘Cathedral of the Pines’ y ‘An Eclipse of Moths’ marcan un momento crucial debido a su profunda intimidad, cristalizada por los lugares donde se tomaron las imágenes, íntimamente ligados a las vidas del fotógrafo, su pareja y colaboradora Juliane Hiam, y sus hijos. Esta trilogía, culminada magistralmente por ‘Twilight’, revela las principales facetas del arte y la sensibilidad de Crewdson. Pensadas como un conjunto, proporcionan una visión única de una década de creación y ofrecen una panorámica completa del universo de este gran artista.

Más información

Musée de la Photographie de Charleroi.

Enlaces de interés

Gregory Crewdson, el cine en una sola fotografía.

Photographers in Focus: Gregory Crewdson.

El universo cinematográfico de Gregory Crewdson.

Fotografía ‘The Mattress’ (Cathedral of the Pines) (2014) © Gregory Crewdson

Las ‘Grandes promesas’ de Pierre Lemaitre

El escritor francés Pierre Lemaitre concluye con esta cuarta y última entrega la exitosa saga dedicada a la familia Pelletier.

Este monumental proyecto al que el autor llamó Los años gloriosos, iniciado hace más de diez años tras su ‘Nos vemos allá arriba’ (Premio Goncourt 2013), con el que ha conquistado a cientos de miles de lectores, culmina ahora con la novela ‘Grandes promesas’. Una historia subjetiva, indiscutible y, sobre todo, entusiasta del pasado siglo XX que Lemaitre ha estructurado repartida con las anteriores ‘El ancho mundo’ (2022), ‘El silencio y la cólera’ (2023) y ‘Un futuro prometedor’ (2025).

En esta última entrega de su tetralogía, Pierre Lemaitre, a menudo comparado con Alejandro Dumas, vuelve a deslumbrar con una novela que combina historia, emoción e intriga. Escrita con una naturalidad y energía narrativa poco frecuentes, afianza una obra entre las más ambiciosas de la ficción contemporánea internacional, traducida a más de cuarenta idiomas, y que no ha dejado de sumar lectores y elogios por parte de la crítica.

Con su acostumbrado dominio del ritmo, la emoción y la ironía, Lemaitre conduce a los Pelletier hacia un inesperado desenlace, manteniendo viva la tensión hasta el final.

Sinopsis

Todo comienza con un incendio, un bebé… y un jabalí. Un inicio fulgurante que abre paso a un país en plena transformación, donde las obras que redefinen París conviven con la lenta erosión del mundo rural. En ese entorno cambiante, la familia Pelletier afronta decisiones que ponen a prueba afectos y aspiraciones. François, Jean, Colette, Philippe y quienes los rodean avanzan por años de prosperidad aparente, marcados por un progreso que deslumbra tanto como inquieta. Y, fiel a su manera, el gato Joseph continúa ahí, vigilante, como si supiera que, entre los Pelletier, un secreto sombrío, arrastrado desde un hecho irreparable y largamente oculto, está a punto de salir a la luz.

Pierre Lemaitre (París, 1951) estudió Psicología e impartió clases de literatura. Autor tardío, en 2006 ganó el Premio del festival de Cognac con la novela policíaca ‘Irène’, primera entrega de una serie que incluye ‘Alex’, ‘Rosy & John’ y ‘Camille’. Consagrado como uno de los escritores más populares de la actualidad, con más de tres millones de lectores, su carrera literaria dio un vuelco con la ganadora del Goncourt ‘Nos vemos allá arriba’ (2013), primer volumen de la saga Los hijos del desastre, una aclamada trilogía a la que siguieron ‘Los colores del incendio’ (2018), y ‘El espejo de nuestras penas’ (2020).

Más información

Treinta años de los Pelletier.

Fotografía de Pierre Lemaitre (2014) © Fernando Torres