domingo, 13 de mayo de 2018

Mayo del 68. La imaginación al poder


“Seamos realistas, ¡pidamos lo imposible!” Este lema, escrito por el filósofo y teórico alemán de origen judío Herbert Marcuse, explica de alguna manera el arrebatado espíritu de Francia en mayo de 1968.

La playa estaba bajo los adoquines. En las calles de París, los adoquines volaban arrancados del pavimento por estudiantes, obreros, intelectuales y artistas que querían cambiar las viejas reglas del juego. Pidieron lo imposible y cincuenta años después el mundo sigue recordando aquella primavera que supuso un revulsivo en la vida cultural francesa hasta desembocar en la mayor huelga en el siglo XX, en la que París como epicentro se convulsionó más allá de las fronteras galas.

Ese tumultuoso mes de mayo empezó con una protesta estudiantil contra un sistema universitario obsoleto y rápidamente se transformó en un levantamiento popular contra el capitalismo, el comunismo, la política paternalista, la censura de los medios, la desigualdad de género y más. Este idealismo juvenil se sintió en los campus de todo el mundo aquel año, desde Praga hasta México, pero en ningún otro lugar la revuelta se extendió tan aprisa al resto de la sociedad.

Fueron los estudiantes, liderados por Daniel Cohn-Bendit entre otros, los que habían comenzado, pero pronto a la causa se unió la de los cansados trabajadores de las fábricas, cuyas necesidades eran más evidentes: la subida de los salarios y una mejora de la jornada laboral. El 13 de mayo, una gran manifestación de trabajadores y estudiantes que exigía la caída del gobierno de Charles de Gaulle sacudió la margen izquierda del Sena. El 24 de mayo, ocho millones de trabajadores iniciaron una huelga indefinida, la más grande de la historia de Francia.

No obstante, a fin de mes las cosas empezaron a desmoronarse. El pueblo, que al principio estaba del lado de los manifestantes, se cansó de los enfrentamientos callejeros y de que los servicios públicos no funcionaran con normalidad. Entre tanto, el sindicato de estudiantes y trabajadores se exasperaba después de que el gobierno llegase a un acuerdo con este último. Ese mes, o siete semanas para ser precisos, no terminó en la revolución y De Gaulle, que dijo que era “la revolución de los hijos de papá”, resultó reelegido, aunque por una estrecha mayoría, y prosiguió su mandato.

Medio siglo después, Mayo del 68 es para algunos más un símbolo que el comienzo de un gran cambio. Fue una explosión de efervescencia contestataria que para unos apenas cambió nada y sin embargo para otros lo cambió todo. Y es que el Mayo francés fue el germen del resto de movimientos de protesta surgidos en otros países, como fueron la Primavera de Praga, la revolución cultural China, el clamor popular contra la guerra de Vietnam, la masacre de Tlatelolco (México), y revueltas sociales en todo el mundo.

De lo que aconteció aquellos turbulentos días siempre nos quedará el testimonio gráfico de los profesionales que hicieran posible que nunca los olvidemos, como fueron los fotógrafos Cartier-Bresson, Marc Riboud o Bruno Barbey con sus respectivas Leicas. Apenas si había cámaras de cine en aquellos tiempos, pero el fotógrafo y cineasta William Klein rodó un documental sobre los acontecimientos del 68. Además, estaba el trabajo de algunas televisiones extranjeras, pues la ORTF estaba en huelga y no había televisión francesa. Por lo que en esa época la fotografía tenía la importancia que no tiene actualmente debido a la televisión.

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Fotografía Tumultos en el Boulevard Saint-Germain © Bruno Barbey 

miércoles, 2 de mayo de 2018

‘Meditaciones’ de Susan Meiselas


El museo Jeu de Paume presenta estos días la exposición ‘Meditaciones’, una retrospectiva de la gran fotógrafa norteamericana Susan Meiselas en la que se pueden ver sus obras realizadas desde los años 70 hasta la actualidad.

La muestra incluye material fotográfico, películas y vídeos y comporta una seria reflexión acerca del cuestionamiento que la fotorreportera hace sobre el proceso fotográfico y el papel del fotógrafo como testigo, a la vez que explora y desarrolla narrativas visuales que integran la participación de los sujetos en su obra gráfica, dando forma a la comprensión de cómo los vemos.

“La cámara es una excusa para estar en un lugar al que de otra manera no perteneces. Me da un punto de conexión y un punto de separación.” Susan Meiselas.

Perteneciente a la prestigiosa agencia Magnum Photos desde 1976, el trabajo de Susan Meiselas (Baltimore, 1948) se engloba en el campo de la fotografía documental con un singular enfoque personal y geopolítico. Las imágenes que tomó en zonas conflictivas en distintos países de Centroamérica la convirtieron en una figura de referencia en el terreno del fotoperiodismo contemporáneo, en particular debido a la fuerza de sus fotografías en color. En primera línea de la historia, Meiselas ha estado capturando los momentos decisivos de la agitación social y política en todo el mundo durante más de 40 años. Sus temáticas insisten siempre en las capas sociales más desfavorecidas, denunciando las violaciones de los derechos humanos pero también revelando aspectos ignorados de la identidad cultural o la industria del sexo.

Meiselas recibió la Medalla de Oro Robert Capa en 1979 por su trabajo en Nicaragua; el Premio Leica a la Excelencia (1982); el Premio Engelhard del Instituto de Arte Contemporáneo (1985); el Premio de Fotografía de la Fundación Hasselblad (1994); el premio Cornell Capa Infinity Award (2005); la Medalla del Centenario de la Real Sociedad de Fotografía (2006); la Harvard Arts Medal (2011) y más recientemente fue galardonada con una beca Guggenheim Fellowship (2015). Meiselas es también la presidenta de la Fundación Magnum desde 2007, año en que fue creada por miembros de la Agencia Magnum para promover y financiar actividades de fotógrafos independientes por todo el mundo. El objetivo de la fundación es apoyar las nuevas generaciones de fotógrafos y aumentar el impacto de la fotografía documental contemporánea en la edad digital.

Las ‘Meditaciones’ de Susan Meiselas se encuentran en Jeu de Paume (París) hasta el 20 de mayo.

Más información

Página web oficial de Susan Meiselas.

Fotografía ‘Lena after the show’ (1973) © Susan Meiselas

domingo, 29 de abril de 2018

World Press Photo 2018


De nuevo Barcelona acoge desde ayer la selección de las fotografías ganadoras del prestigioso premio de fotoperiodismo World Press Photo 2018. Es también una de las pocas ciudades que exponen los trabajos de los vencedores del concurso de Narrativa Digital.

Instalada en las salas del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), la catorceava edición de la exposición internacional World Press Photo está organizada por la Fundación Photographic Social Vision, que asimismo ofrece un completo programa de actividades paralelas y visitas comentadas para profundizar en la experiencia que supone asistir a este importante evento fotográfico.

Un ejemplo de ello es la proyección de los trabajos ganadores de las categorías de Formato Largo y Formato Corto del Concurso Narrativa Digital en la pantalla grande del hall del CCCB. Una sesión gratuita que cada año atrae a más público y que en esta edición se podrá ver también en otros espacios culturales de la red de Centros Cívicos, Bibliotecas y Fábricas de Creación de Barcelona.

La exposición del CCCB muestra así trabajos en su mayoría inéditos en nuestro país bajo el lema #verparaentender, revelando sinergias y visibilizando realidades poco conocidas, ofreciendo la posibilidad de acceder a historias sin manipulaciones a la vez que se enriquecen los diferentes puntos de vista sobre la actualidad.

En esta ocasión por primera vez la Fundación World Press Photo presentó 6 fotografías nominadas para optar el premio World Press Photo del año, abriendo un debate sobre cuál es la foto más representativa del 2017. Una reflexión que sigue vigente aún después del ya anuncio oficial de la imagen ganadora y a lo largo de la exposición, donde estas 6 fotografías se muestran de manera destacada.

Las 137 fotografías ganadoras han sido escogidas entre las 73.044 imágenes que se han presentado a concurso, realizadas por 4.548 fotógrafos de 125 países. El Estado español es el cuarto país del mundo después de China, Estados Unidos e Italia que más fotógrafos ha presentado con 229 candidaturas.

Fundada en 1955, World Press Photo es una organización independiente sin ánimo de lucro con sede en Ámsterdam, conocida por organizar el mayor y más prestigioso concurso anual de fotografía de prensa.

Durante el mes de febrero de cada año, un jurado internacional independiente formado por trece miembros, compuesto por editores gráficos, fotógrafos y representantes de agencias de prensa, escoge las fotografías ganadoras entre todas las enviadas el año anterior por fotoperiodistas, agencias, periódicos, revistas y fotógrafos de todo el mundo. 

Enlace de interés

Página web oficial de World Press Photo.

Fotografía ‘Venezuela Crisis’ © Ronaldo Schemidt

lunes, 23 de abril de 2018

La antropología sentimental de Isabel Muñoz


“Isabel Muñoz. La antropología de los sentimientos” es el título que llevará la nueva exposición dedicada a la ganadora del Premio Nacional de Fotografía 2016, que podremos ver en Madrid a partir del próximo día 26 de abril.

Comisariada por Audrey Hoareau y François Cheval (Director del Museo Nicéphore Niépce), cofundadores de The Red Eye, la muestra se compone de una selección de cerca de un centenar de fotografías y varias instalaciones audiovisuales de la fotógrafa Isabel Muñoz, que se presentará en la sala La Principal de Tabacalera Promoción del Arte. En esta retrospectiva se exponen las series fotográficas más representativas de su producción actual, muchas de las cuales no se han mostrado aún al público. El conjunto ofrecerá un recorrido temático en torno a la representación obsesiva y heterogénea del cuerpo humano, desde los mismos orígenes de la humanidad, la espiritualidad, la locura, los límites y extremos del cuerpo, la dimensión social de lo corporal y, finalmente, la sexualidad y el deseo. La artista define los cuerpos como paradigmas y utiliza los sujetos fotografiados para encarnar todas las representaciones que el ser humano hace de una realidad diferente.

François Cheval: “En un tratamiento casi idéntico de los cuerpos, que podríamos definir como paradigmas, Isabel Muñoz identifica posturas sagradas. Ya no los llamaremos modelos. Estas figuras encarnan, en diferentes formas, todas las representaciones que el ser humano se hace de una realidad diferente. Solo los retratos del grupo étnico caduveo de Claude Lévi-Strauss han podido, gracias a la eficacia de su precisión, dar cuenta de un universo mítico. Ahí se encuentra la verdadera naturaleza de esta fotografía, un monumento que honra la invariabilidad de los sentimientos. Desde que el Homo sapiens es su propio amo, nada ha cambiado esencialmente en su comprensión del cosmos y el caos. Lo que la Historia nos ha enseñado no contradice en nada la mecánica sagrada y hormonal, la parte tribal que nos habita, nos vincula y nos diferencia de otras especies".

Audrey Hoareau: “La obra de Isabel Muñoz, alimentada por una fuerza instintiva, está hecha a imagen de su autora, es compleja y escurridiza. Crea lo que se podría llamar, a falta de otra palabra mejor, imágenes. Preferimos decir que ve sus personajes al revés; su condición no determina lo que vemos. Isabel Muñoz accede y nos hace acceder a aspectos que el propio tema esconde”.

La inauguración será el próximo jueves 26 de abril a las 19:30 h.

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Isabel Muñoz, en busca del eslabón perdido.

Fotografía Serie Metamorfosis © Isabel Muñoz

domingo, 8 de abril de 2018

Gregory Crewdson, el cine en una sola fotografía


Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos en los que aparecen individuos retratados en una ficticia y extraña soledad.

Crewdson nació en 1962 en Brooklyn, Nueva York. Durante su adolescencia formó parte de una banda de punk rock llamada ‘The Speedies’, la cual gozó de una gran popularidad en esa ciudad. Su canción de más éxito, Let me take your photo (Deja que te haga una foto), resultó ser profética respecto a la futura profesión de Crewdson. En 2005, la compañía Hewlett Packard utilizaría esa misma canción para promocionar sus cámaras digitales.

A mediados de los años 80, Crewdson estudió fotografía en la Universidad del Estado de Nueva York (SUNY) en Purchase, cerca de Port Chester. También se diplomaría en Bellas Artes por la Universidad de Yale. Posteriormente ha enseñado en los siguientes centros universitarios: Sarah Lawrence College, Cooper Union, Vassar College y, desde 1993, en la Universidad de Yale, donde es profesor actualmente.

Crewdson afirma haber estado siempre fascinado por la característica luz del crepúsculo y su poder de convertir lo ordinario en algo mágico y sobrenatural. Algo que es evidente en todas y cada una de sus fotografías, que se caracterizan por esas luces frías tan propias del anochecer combinadas con la luz artificial de las viviendas, vehículos y farolas, añadiendo toda clase de elementos y enfatizando la niebla o la lluvia.

Resulta asombrosa la manera en que actúa, más parecida a un director de cine, creando una escena en la que todo esté dispuesto tal como él concienzudamente lo ha diseñado. Capturando lo que él llama “momentos congelados”, inquietantes situaciones que producen una singular extrañeza. Con una estética muy cinematográfica, empleando la cámara de gran formato e iluminación de cine. Y que, por otro lado, evocan las obras de Edward Hopper, célebre por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea. Para todo ello cuenta con un equipo profesional de colaboradores. De hecho, habitualmente ni siquiera dispara él mismo la foto, sino que suele hacerlo otro fotógrafo, como es Daniel Karp.

Al final, Crewdson consigue condensar toda una historia en una sola fotografía, en solo uno de esos momentos congelados, provocando que nuestra imaginación vuele con las potentes sensaciones que transmiten sus fotografías. Cada imagen aúna la estética de David Lynch, el realismo del pintor Edward Hopper o el paisajismo de Thomas Cole.

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Fotografía ‘Untitled’ (Serie ‘Dream House’) © Gregory Crewdson


jueves, 29 de marzo de 2018

La ‘Naturaleza Digital’ de Jennifer Steinkamp


Espacio Fundación Telefónica en Madrid expone hasta el próximo 22 de abril las video instalaciones de la artista norteamericana que conforman la muestra ‘Jennifer Steinkamp. Naturaleza digital’.

La visión de la naturaleza a través de la cámara, creando más tarde animaciones generadas con programas informáticos de modelado 3D, sumada a la luminosidad de las grandes pantallas y el efecto de las ramas de los árboles balanceándose con el viento, componen un mágico entorno de primavera computacional que nos transporta a una nueva dimensión artística de gran intensidad visual. Con su engañosa profundidad, las proyecciones incitan al espectador a ignorar las paredes y a imbuirse de los ensoñadores paisajes creados por esta artista cuyo trabajo se centra, desde hace tres décadas, en explorar temas relacionados con la percepción, el movimiento y el espacio. Un claro ejemplo de ello son ‘Marie Curie’ y ‘Dervish’, dos de las obras exhibidas.

Nacida en 1958 en Denver, Jennifer Steinkamp es la mayor de cinco hermanos. Su familia vivió en diversos lugares antes de establecerse definitivamente en Edina, Minnesota. En 1979, Steinkamp se mudó a Los Angeles para asistir al Art Center College of Design en Pasadena, donde estudió con Mike Kelley, Gene Youngblood y Jeremy Gilbert-Rolfe. Más tarde se trasladaría al California Institute of the Arts, donde estudió animación experimental. Steinkamp regresó al Art Center para ganar su BFA en 1989 y su MFA en 1991. En 2011, el Art Center reconoció a Steinkamp con un Doctorado Honorario. Actualmente es profesora en el departamento de Design Media Arts en UCLA.

Steinkamp utiliza la proyección digital para transformar el espacio arquitectónico, proporcionando al espectador una experiencia sinestésica, a menudo trabajando en colaboración con los músicos Jimmy Johnson y Andrew Bucksbarg para integrar el sonido en su trabajo. Si bien su carrera comenzó con proyecciones abstractas de colores brillantes, desde 2003 ha incorporado cada vez más imágenes basadas en la naturaleza en sus obras: árboles que giran y cambian con las estaciones; habitaciones llenas de fibras onduladas de flores. Al hacerlo, ha llevado el arte digital a la corriente principal del arte contemporáneo. Su uso de las imágenes vernáculas y el abrazo de la belleza dan como resultado entornos que hacen referencia a lo sublime, al igual que los pintores de la Hudson River School. Como sus predecesores históricos de arte, Steinkamp transmite la magnitud y el poder de la naturaleza, una naturaleza que no siempre es benigna. ‘Premature’, una serie que se exhibió por primera vez en 2010, cambia el enfoque del sujeto de Steinkamp a la vida y la muerte. Ella explora este tema con proyecciones de venas y arterias deslizantes que evocan la inquietante inspiración de su trabajo. Sus instalaciones tiene el poder de llegar a un número más amplio de espectadores, convirtiendo a un público de arte más tradicional, familiarizado con el uso de gráficos por ordenador para videojuegos pero desconocedor de otras aplicaciones creativas.

Steinkamp ha expuesto sus obras internacionalmente en múltiples lugares y contextos, pero su estilo aún es difícil de categorizar. A menudo se la describe como una artista de video, aunque su trabajo no está basado en fotos o videos; su reciente inclusión en la exposición del video de California en el Museo Getty sugiere que es poco probable que su conexión con el género cambie.

En 2008, Steinkamp fue seleccionada como representante de Estados Unidos en la 11ª Bienal Internacional de El Cairo. En 2009, se le encargó la realización de ‘Hollywood and Vine’, una instalación permanente al aire libre en Hollywood, California. El espectáculo de alta costura ‘Valentino 2010 Primavera / Verano’ presentó sus proyecciones de árboles. En 2011, Jennifer Steinkamp expuso en Prospect. Nueva Orleans, la segunda bienal de ‘Prospect New Orleans’; o la exposición individual de su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego ese mismo año. En 2013, Steinkamp proyectó su trabajo ‘6EQUJ5’ en la cúpula central del Minneapolis Institute of Art, en Minneapolis, Minnesota. Su trabajo también fue instalado en el consulado estadounidense en Guangzhou, China, como parte de ‘Art in Embassies’. ‘Winter Fountains’ (2017), su última obra, es una instalación concebida para la celebración del aniversario del Parque Benjamin Franklin, eje cultural de Philadelphia en torno al que se sitúan los grandes museos de la ciudad.

Más información

Página web de la Fundación Telefónica.

Página web oficial de Jennifer Steinkamp.

Fotografía instalación © Fundación Telefónica

jueves, 8 de marzo de 2018

Daniel Mordzinski y los literatos franceses


El Institut français de España en Madrid muestra la exposición ‘Espíritus libres, la literatura francesa en el objetivo de Daniel Mordzinski’.

Con motivo del Día Internacional de la Francofonía, que como todos los años se celebrará el próximo 20 de marzo promovido por la Organización Internacional de la Francofonía (OIF), el fotógrafo franco-argentino Daniel Mordzinski (Buenos Aires, 1960) presenta este mes una exposición en la que combina la fotografía y la literatura con 36 retratos de relevantes autores franceses como son los premios Nobel de Literatura Jean-Marie Gustave Le Clézio y Patrick Modiano, o el ganador del Goncourt Mathias Enard, entre otros muchos. Las imágenes están acompañadas por textos de estos mismos autores.

Conocido como “el fotógrafo de los escritores”, Mordzinski trabaja desde hace más de treinta años en el personal proyecto de retratar a los protagonistas más destacados de la literatura internacional. En este caso, literatos franceses; por ello están invitados a participar con sus textos los liceos de toda España, con la temática “hacia dónde voy, de dónde vengo”, y adscritos a LabelFrancÉducation. Así como todos los internautas que lo deseen a través de Facebook. En definitiva, los 220 millones de francófonos en los cinco continentes que se sumen para compartir su idioma y su diversidad en esta celebración.

Motivado por la lectura de Rayuela, la obra de su compatriota, Julio Cortázar, Mordzinski había llegado a París en 1980, donde empezó a retratar con su particular estilo a clochards (vagabundos) junto a restaurantes que anunciaban sus menús en pizarras o escaparates. Lo que, a pesar de ser un joven principiante, le valió el encargo de exponer en esa importante ciudad europea considerada la capital de las artes.

Afincado en París desde entonces, Mordzinski ha recorrido el mundo con su cámara captando a través de su objetivo no sólo ese instante preciso de luz y sombras, sino que queriendo captar siempre su esencia en ese momento de sortilegio, la verdadera personalidad del retratado.

Fotoperiodista y corresponsal de prestigiosos medios de comunicación internacionales, practica paralelamente la fotografía creativa de novelistas, ensayistas y poetas. Amigo personal de muchos de estos intelectuales, Mordzinski es ya un referente por su galería de divertidos o inusuales retratos y el universo literario que se puede entrever en cada uno de ellos.

Más información

Página web del Institut français.

Enlace de interés

Página web de Daniel Mordzinski.

Fotografía de Patrick Modiano © Daniel Mordzinski