sábado, 13 de julio de 2024

‘Ibiza. La isla perdida de Walter Benjamin’

Una serie de fotografías de Cecilia Orueta conforman el libro que, compuesto junto al también fotógrafo Chema Conesa, evocan la Ibiza en la que residió Walter Benjamin.

Este trabajo fotográfico, que recientemente ha visto la luz en forma de libro, no es lo que diríamos un fotolibro al uso –si bien en la actual heterodoxia el concepto “fotolibro” apenas si se mantiene invariable en su usual encuadernada apariencia–, sino que esta recopilación incluye además las cartas que desde Ibiza escribiera el malogrado filósofo y ensayista Walter Benjamin (Berlín, 1892 - Portbou, 1940), que vivió en la isla, y el texto ‘Al sol’.

Asimismo, a través de las reproducciones de la autora la obra pretende, en cierta manera, revelarnos el aspecto que podría haber tenido la Ibiza que se encontraría el filósofo y escritor alemán, quien en los albores de la segunda guerra mundial arribara a la isla perdida como refugio. Una Ibiza que se tornó en su particular paraíso, donde pudo escribir en paz. Aquellos días fueron los más felices de su vida. Desgraciadamente, más tarde vendrían el exilio, las penurias económicas y su trágico final.

En una de las citadas cartas, dirigida a su amigo el filólogo e historiador israelí Gershom Sholem, Benjamin explicaba en pocas líneas la paz que encontró en Ibiza, la isla que le propició sus últimos días de sosiego antes de volver a Alemania, huir de los nazis y suicidarse en Portbou:

“Se entiende que la isla está realmente al margen del comercio mundial e incluso de la civilización, de modo que es preciso renunciar a toda clase de comodidades. Pero no cuesta hacerlo, no sólo a causa de la paz interior que da la independencia económica, sino también por el estado de ánimo en el que este paisaje, el más intacto que jamás he visto, le pone a uno”.

Cecilia Orueta (Madrid, 1963) es una fotógrafa con formación previa como restauradora en pintura, actividad en la que se especializó y que pronto le predispuso a la fotografía, pues la práctica de esta disciplina técnica está vinculada a los procesos de documentación de la restauración de obras pictóricas.

En los últimos años, Cecilia Orueta ha realizado diversas exposiciones en ciudades como Madrid, Barcelona, Tarragona, Burgos, Palencia, León, Coruña o Lugo. Y ha publicado sus trabajos en periódicos y revistas. Pertenece al grupo de fotógrafas creativas de investigación, artistas que emergen desde el territorio documental pero que toman como punto de partida y referencia trabajos de investigación y documentación complementados con sus experiencias vitales. Siendo la relación de sus propuestas con la literatura más que evidente, como ella misma declara:

“En mis trabajos como fotógrafa me interesa sobre todo la relación de la imagen con la literatura, la construcción narrativa que apela al paso del tiempo y a la búsqueda de las huellas del pasado en el presente. En ese sentido, las cartas de Walter Benjamin han sido para mí una inspiración y una guía en la búsqueda del rastro de los días del filósofo en una Ibiza remota que se le reveló como una tierra arcaica con el paisaje más virgen que jamás había encontrado, al margen de los movimientos del mundo, incluso de la civilización, y que recordaría siempre como un paraíso incluso en los días previos a su muerte, hecho que, paradójicamente, se produciría en la frontera de un país, España, al que una vez más pensaba llegar huyendo del nazismo, cuya persecución se extendía ya por toda Europa”.

Más información

‘Ibiza. La isla perdida de Walter Benjamin’. 

Grafismo basado en la fotografía ‘Embarcadero en playa de Benirrás, Sant Joan de Labritja’ © Cecilia Orueta 

domingo, 30 de junio de 2024

Lee Friedlander en Les Rencontres d´Arles

Este lunes, 1 de julio, primer día de su semana de apertura y tras el consabido discurso inaugural, dará oficialmente comienzo la 55 ª edición de Les Rencontres d´Arles.

Como en años anteriores, por toda la ciudad, día y noche, los fotógrafos y comisarios del programa de esta edición 2024 se reunirán con el público asistente en las diversas proyecciones nocturnas, las visitas a las exposiciones, debates, conferencias, etc.

En esta ocasión, entre los muchos eventos que se dan cita en Arles, el Festival presenta desde el 1 de julio al 29 de septiembre ‘Lee Friedlander Framed by Joel Coen’. Una interesante exposición nacida de la colaboración entre el fotógrafo estadounidense y el célebre cineasta. A lo largo de 70 fotografías y una película, la exposición recorrerá los 60 años de carrera de Lee Friedlander. La selección de Joel Coen sintetiza su enfoque singular en el tema de la composición y brinda una afinidad inquebrantable entre ambos artistas. La fascinación del poder de las imágenes, el efecto de espejo, el cuadro fragmentado, el plano desencajado, o la composición trampantojo. Verdadera puesta en escena cinematográfica, la exposición despliega las imágenes como microrelatos individuales, extraños y anónimos.

El veterano fotógrafo americano Lee Norman Friedlander (Aberdeen, Washington, 1934), que quedó prendado de la fotografía en la infancia, se ha dedicado a ella prácticamente desde la adolescencia. Habiendo estudiado en el Art Center School de Los Ángeles y en la Universidad Estatal de Nueva York, comenzaría a trabajar como fotógrafo independiente en la década de 1950.

Contemporáneo de otros grandes fotógrafos como Walker Evans, Robert Frank, Garry Winogrand, Helen Levitt o Diane Arbus, de los que recibió sus influencias pero manteniendo siempre un estilo único, fue el maestro del encuadre preciso y uno de los fotógrafos más prolíficos e influyentes del siglo XX.

Durante su carrera, Friedlander se convirtió en un fotógrafo destacado en la escena artística de Nueva York y se hizo conocido por su enfoque innovador y su capacidad para capturar con su cámara la esencia de la vida cotidiana estadounidense, o como el mismo lo definió, retratar el “paisaje social americano”.

Lee Friedlander ha trabajado para publicaciones como Life, Sports Illustrated, Esquire o Art in America, y ha expuesto en el MoMA, en el Museo Whitney de Arte Americano, en la Galería de Arte de la Universidad de Yale, en el Museo de Arte de San Francisco y en la Fundación Mapfre de Madrid.

Joel Coen (Saint Louis Park, Minnesota, 1954) es un cineasta ganador del Oscar que actualmente vive y trabaja en Nueva York. Él y su hermano Ethan han hecho dieciocho películas juntos, entre ellas ‘No es país para viejos’, ‘Fargo’, ‘Blood for Blood’, ‘True Grit’, ‘The Big Lebowski’, ‘A Serious Man’, ‘Inside Llewyn Davis’, ‘Arizona Junior’ y ‘The Ballad of Buster Scruggs’. Juntos ganaron cuatro premios de la Academia a la Mejor Película, Mejores Directores, Mejor Guión Original y Mejor Guion Adaptado. También han sido reconocidos por el National Board of Review, Golden Globes, BAFTA, WGA y DGA. En Cannes ganaron tres veces el premio a los mejores directores, el Gran Premio y la Palma de Oro del Festival.

Más información

Site oficial de Les Rencontres d’Arles.

Fotografía Lee Friedlander/Fraenkel Gallery, San Francisco et Luhring Augustine, New York

domingo, 16 de junio de 2024

Stephen Shore. ‘Vehicular y vernáculo’

Hasta el próximo 15 de septiembre, la Fundación Henri Cartier-Bresson presenta una exposición dedicada a una de las figuras más destacadas de la fotografía americana contemporánea.

Desde la década de 1960, la movilidad ha ocupado un lugar central en la obra de Stephen Shore (New York, 1947), pionero del color al igual que lo fuera William Eggleston. Ya en 1969, durante un viaje a Los Angeles fotografió desde la ventanilla del coche todo lo que, con ojo de artista, consideraba interesante.

“Ver algo espectacular y reconocerlo como una posibilidad fotográfica no es un gran salto. Pero ver algo ordinario, algo que verías todos los días y reconocerlo como una posibilidad fotográfica, eso es lo que me interesa”. Stephen Shore

Poco después, durante las siguientes décadas de los 70 y 80, emprendería varios viajes por carretera recorriendo los Estados Unidos que darían lugar a sus dos series más célebres: ‘American Surfaces’ (Superficies americanas), secuencia cronológica que retrata aspectos de la vida cotidiana norteamericana, y ‘Uncommon Places’ (Lugares poco comunes), donde Shore recoge la belleza que se encuentra en lo más mundano.

En los albores del nuevo milenio, volvió a tomar imágenes desde el coche, pero también desde el tren y el avión. Finalmente, para su último proyecto, iniciado en 2020, fotografía las transformaciones del paisaje americano desde un dron equipado con una cámara. Durante ya más de medio siglo Shore ha ido desarrollando su forma de fotografía vehicular.

La actual exposición, ‘Véhicule & Vernaculaire’ (Vehicular y vernáculo), que reúne más de un centenar de fotografías tomadas en Norteamérica entre 1969 y 2021, es la primera retrospectiva del trabajo del fotógrafo en París en diecinueve años. La Fundación Henri Cartier-Bresson expone ahora las grandes series que le hicieran famoso como las antes citadas, junto con proyectos menos conocidos nunca expuestos en Francia. Un fragmento de la exposición ‘Signos de vida’, en la que participó Shore en 1976, ha sido excepcionalmente reconstruido para esta ocasión. Esta última serie realizada con drones se exhibe por vez primera en Europa.

Stephen Shore no nos muestra solo paisajes y carreteras como lo hicieran colegas como Walker Evans y Robert Frank antes que él, sino que nos presenta también a sus amistades, sus amantes y otros detalles aparentemente banales de su vida diaria, lugares de una imprecisa importancia pero que para él representan algo especial. 

Más información

Fondation Henri Cartier-Bresson.

Fotografía  ‘2nd St. Ashland, WI’ (1973) © Stephen Shore

sábado, 8 de junio de 2024

Cristina de Middel en la Fundación Canal

Con motivo de la actual exposición ‘Elliott Erwitt. La comedia humana’, Cristina de Middel, fotógrafa y actual presidenta de Magnum Photos, ofreció una conferencia en la que reflexionó sobre el papel del humor en la fotografía.

Tras una década como fotoperiodista, Cristina de Middel (Alicante, 1975) ha destacado por su enfoque creativo y subversivo, en el que el humor ha sido clave para cuestionar el valor documental de la fotografía. Utilizando la ironía y el absurdo para reinterpretar realidades y estereotipos. En series como su célebre ‘Afronautas’, la fotógrafa iniciaría en África del Sur su exploración sobre dichos estereotipos fotográficos, combinando elementos humorísticos y ficticios para desafiar la percepción del espectador y abrir así nuevas perspectivas sobre temas serios, demostrando que también el humor puede ser una poderosa herramienta en la narrativa visual.

De Middel estudió fotoperiodismo y se graduó por la Universidad Autónoma de Barcelona. Es máster en fotografía por la Universidad de Oklahoma y máster en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En 2012 autopublicó ‘Afronautas’, el fotolibro sobre el breve programa espacial de Zambia. El libro se agotó rápidamente y fue muy aclamado por la crítica. ​Por este trabajo fue nominada en 2013 para el premio de fotografía Deutsche Börse. ​También en ese mismo año recibe el Premio Infinity del ICP (Centro Internacional de Fotografía).

Según la crítica especializada, la artista combina sus trabajos documentales con otros personales donde cuestiona el lenguaje y la veracidad de la fotografía como documento y juega con reconstrucciones o arquetipos que difuminan la frontera entre la realidad y la ficción.

En octubre de 2017 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España según el veredicto del jurado del certamen, que alegó que los trabajos de la artista replantean “los límites de la realidad del lenguaje fotográfico”.

En 2022, la fotógrafa ingresa como miembro del consejo de Vist Projects. También ese mismo año es nombrada Presidenta de Magnum Photos, la agencia internacional que fundara en 1947 Robert Capa, Henri Cartier-Bresson y David Seymour.

Cristina de Middel ha publicado más de 14 libros y participado en importantes ferias como Paris Photo 2016, PHotoEspaña 2016, ARCO 2017 o artgenève 2018. En 2016 colaboró con el Centro Cultural de España en Santiago, eligiendo ocho fotógrafos de nacionalidades diferentes como Ronny García, Anna Da Sacco y Gabriela Rivera, entre otros, a los que dirigió en un taller para realizar la exposición colectiva ‘Si-Bilis-No’. 

Más información

Fundación Canal.

Conferencia ‘El humor en la fotografía’.

Enlace de interés

Magnum Photos/Cristina de Middel.

Fotografía de Cristina de Middel © Fernando Torres

viernes, 17 de mayo de 2024

‘Elliott Erwitt. La comedia humana’

La Fundación Canal presenta una exposición coproducida con Magnum Photos que reúne 135 copias de época del fotógrafo estadounidense Elliott Erwitt.

Dividida en tres secciones, la exposición muestra tres de los ámbitos icónicos que fueron objeto de inspiración para Erwitt: las personas, los animales y las formas. Procedentes de su estudio, son fotografías que él mismo positivó y que reflejan su pulsión característica por capturar la esencia de lo cotidiano, desde el humor, el ingenio y el corazón.

Elliott Erwitt (1928-2023) ha pasado a formar parte de la historia de la fotografía por su capacidad de encontrar y capturar lo extraordinario en lo ordinario y de mostrar la comicidad que se encuentra en la humanidad. La narrativa de su obra es la historia de la vida misma. Para él, la fotografía “cuando es buena, es bastante interesante, y cuando es muy buena, es irracional e incluso mágica […] Cuando surge la fotografía, lo hace fácilmente, como un regalo que no debe ser cuestionado ni analizado”.

Las ocurrencias visuales que inundan sus fotografías despiertan una sonrisa cómplice en el espectador, haciéndole partícipe del espectáculo de la comedia humana. A lo largo de la exposición, se puede observar cómo encontraba el humor en lo peculiar del comportamiento humano, en sus escenas callejeras o en la intimidad de lo doméstico que inmortalizó con su cámara.

La humanidad de sus obras hace referencia a la mirada del fotógrafo, por la conexión emocional que crea con lo retratado. Lejos de la planificación y de una metodología inmutable, el trabajo de Erwitt es fruto del placer diario de salir al encuentro de la imagen, combinado con una maestría absoluta de la técnica fotográfica.

Son el uso del blanco y negro, junto a la ironía, las señas de identidad de este artista. Aunque una pequeña parte de su producción fotográfica es en color –la más comercial, aquello que consideraba “trabajo”–, según Erwitt, “el color es descriptivo. El blanco y negro es interpretativo”. En sus instantáneas, el color se reduce para dejar paso a lo esencial: las intensidades de los tonos, que ocultan una cosa y resaltan otra, y ofrecen una interpretación más libre, más expresiva y emotiva de la realidad. Es por ello, por lo que también sus fotografías están tituladas solo con la ubicación y el año, invitando al espectador a leer la imagen de forma más “pura”, para que pueda sacar sus propias conclusiones.

De las 135 copias de época que componen la exposición, 122 son impresiones de pequeño formato, a menudo denominadas “impresiones de trabajo”, ya que fueron utilizadas originalmente por el propio Erwitt para el desarrollo de libros o revistas. Junto a estas fotografías, la exposición también acoge 13 copias de gran formato (76 x 101 cm) a las que Erwitt denominó “impresiones maestras” y que fueron directamente supervisadas por él con el fin de exhibirlas en museos o galerías. Juntas, las “impresiones de trabajo” y las “impresiones maestras”, forman una colección única que proviene directamente del estudio de Elliott Erwitt y que se presentan por primera vez ante el público con esta disposición.

Más información

Fundación Canal/ Elliott Erwitt. La comedia humana.

Fotografía Shreveport, Luisiana, EE.UU. (1962) © Elliott Erwitt / Magnum Photos      

viernes, 3 de mayo de 2024

El último invierno de Paul Auster

El escritor norteamericano Paul Auster murió el pasado martes 30 de abril a los 77 años en su residencia de Brooklyn, Nueva York, a causa del cáncer de pulmón que sufría desde hacía más de dos años. 

Según informaría The New York Times, fue su amiga, Jacki Lyden quien confirmó la noticia. Su esposa, la también escritora estadounidense Siri Hustvedt, anunciaba en marzo del pasado año a través de Instagram, que su marido, el novelista Paul Auster, padecía la fatal enfermedad. De hecho, su última novela, ‘Baumgartner’ (Seix Barral), la finalizó durante el tratamiento oncológico al que se estaba sometiendo.

Con ocasión de la visita que Auster nos haría en 2012 para la promoción del por entonces su último libro, ‘Diario de invierno’, y a colación de la lapidaria frase extraída de él, “has entrado en el invierno de tu vida”, fue preguntado si a sus 65 años se sentía mayor. Auster, que supo ser uno de esos escritores con un estilo propio, único, gran narrador, inventor del azar, al que atribuye un papel determinante en nuestras vidas, explicó que “si lo consideramos desde un punto de vista matemático, si ves la vida dividida en cuatro estaciones –primavera, verano, otoño e invierno–, si tienes en cuenta que la gente vive más o menos 80 años, matemáticamente, me encuentro en la última estación de mi vida. Espero que dure mucho tiempo. Podría ser un invierno muy largo o muy corto. Pero lo que es innegable es que ya no soy joven”.

Se trataba de un libro en el que Auster desvelaba, a modo de diario desde la infancia a la madurez, pero no en ese estricto sentido cronológico, sus cotidianas peripecias y devenires haciendo un íntimo y veraz ejercicio de introspección. Narración de la que él es protagonista, como ya apuntase en ‘El cuaderno rojo’ y continuara con ‘A salto de mata’ o su ‘Crónica de un fracaso precoz’. Aunque, según sus propias palabras, “en el proceso de escribir o pensar sobre uno mismo, uno se convierte en otro”.

Ya se lo decía Rimbaud, a la edad de 16 años, a su amigo Paul Demeny en su Letres du Voyant (Cartas del vidente): “Je est un autre”, que para el poeta simbolista y decadentista significaba la disociación del ser del percibir o hacer de ese mismo ser. Separar de la trompeta el bronce que la integra, decía el propio Rimbaud. Limpiar de polvo y paja la memoria para extraer en conciencia el recuerdo y convertirlo en literatura.

Ahora, ya disociada su alma literaria de sus restos mortales, Auster nos deja para siempre un admirable legado. Una extensa bibliografía que, después de su aclamada novela ‘4 3 2 1’, concluye con el último regreso del escritor al mundo literario. ‘Baumgartner’ es una novela en la que Auster presenta al protagonista, un catedrático emérito de Filosofía llamado Sy Baumgartner, que se encuentra en un constante diálogo con su pasado. Como un reflejo de la vida del propio Auster, pues a veces comparte semejanzas con el autor.

En esta novela Auster se hace eco de las voces de otros autores, tejiendo un tapiz de referencias literarias que reflejan un estilo narrativo más directo y menos artificioso. Este planteamiento supone un cambio en su escritura, donde su propia vida parece dialogar con la de sus personajes.

Fotografía de Paul Auster © Joyce George

sábado, 20 de abril de 2024

Ciclo de actos en torno al centenario Kafka

En conmemoración de los cien años de la muerte de Franz Kafka, durante este 2024 el gran escritor checo estará muy presente en el Goethe-Institut de Madrid.

Con la participación de diversos escritores, traductores, ilustradores y otros artistas, se examinará su vida y obra a través de exposiciones, charlas, lecturas y cine, entre otras actividades. Este interesante proyecto cuenta con el apoyo de la Asociación de Amigos del Goethe-Institut España.

La programación del Año Kafka se inauguró el pasado 18 de abril con la charla ‘La presencia de Kafka, influencias de un escritor universal’, en la que participaron el escritor Lorenzo Silva, la dramaturga Diana Luque, el traductor y profesor Carlos Fortea, y el artista gráfico Roberto Maján, quien realizó una visita guiada a su exposición como autor de los carteles ilustrados que ofrecen distintas miradas sobre Kafka y su obra, y que podrán verse en el Goethe-Institut Madrid hasta el próximo 31 de julio.

Asimismo, y bajo el epígrafe ‘Kafka y la mirada del dibujante’, además del artista soriano Roberto Maján y su ‘Kafka en imágenes’, se podrán ver los trabajos del ilustrador y artista de cómic austriaco Nikolas Mahler, que ilustra la vida del escritor checo en la muestra ‘Komplett Kafka’.

Dentro de la programación del ciclo de cine ‘Si Kafka hiciera cine hoy…’, que se desarrollará hasta el 26 de junio, veremos la película ‘Art Girls’, del director Robert Bramkamp. Tres artistas berlinesas, que hasta ahora no han tenido éxito, colaboran en una exposición conjunta. El proyecto está financiado por una empresa de biotecnología, los científicos esperan que el arte tenga un efecto que aún no han podido lograr en sus experimentos. Su técnica de “biosincronización” pretende fusionar diferentes personas en un único ser vivo con capacidades enormemente mejoradas, basándose en el principio de los ordenadores conectados entre sí.

‘The ordinaries’, de la directora Sophie Linnenbaum. En esta película de ciencia ficción, Sophie Linnenbaum muestra una sociedad de tres clases jerárquicamente estructurada que avanza lentamente hacia la revuelta. Es la historia de una colegiala de 16 años que abandona su entorno privilegiado y acaba en los barrios bajos, donde sorprendentemente hace amigos. En realidad es una historia sencilla, pero tiene una resolución estilística muy extravagante. El cine de entretenimiento y el arte conceptual se dan la mano, ya que la historia se desarrolla en un mundo surrealista en el que todos los personajes tienen, han tenido o quieren tener un trabajo en el cine.

‘Skin Deep’, del director Alex Schaad. Una joven pareja visita una isla donde puede intercambiar cuerpos con otras parejas durante un periodo limitado de tiempo. No hay preferencias de género, ni simpatías, la decisión se toma por sorteo. Durante este intercambio, los protagonistas pueden descubrir cómo se ven a sí mismos y a su pareja: ¿Es el cuerpo lo que aman o el espíritu que vive en él? Al mismo tiempo, negocian hasta qué punto influye el cuerpo en la identidad.

El club de lectura se ocupará en mayo de leer ‘El proceso’ y, desde ya, el Goethe Institut Madrid pone a disposición de todos el dossier online ‘Being Kafka’, con artículos, vídeos y tests interactivos.

Más información

Goethe Institut Madrid – ‘Being Kafka’.

Enlaces de interés

Círculo de Bellas Artes – Año Kafka.

Centro Checo en Madrid – Franze Kafky.

Centro Sefarad-Israel – Kafka.

Foro Cultural de Austria en Madrid – 100 años Kafka.

Ilustración de Franz Kafka © Roberto Maján