Moriyama: ‘Cartas de amor a la fotografía’

La Fundación Henri Cartier-Bresson de París acoge hasta el próximo 4 de octubre una importante monografía del gran fotógrafo vanguardista japonés Daidō Moriyama.  

La exposición Lettres d’amour à la photographie (Cartas de amor a la fotografía) no se concibió como una retrospectiva cronológica tradicional, sino que debía explorar la cruda obsesión de Moriyama con el medio fotográfico. Y, por ende, redefinir su histórica subversión de las técnicas de composición como una auténtica declaración de amor a la cámara y al acto de fotografiar. Debía analizar el continuo diálogo filosófico y existencial de Moriyama con la creación de imágenes, manteniendo su característico estilo visual en la fotografía callejera como es el que él emplea, es decir, muy contrastado, granulado, borroso y fragmentado.

Esta relevante monografía de Daidō Moriyama (Ikeda, Prefectura de Osaka, Japón, 1938) se centra en su célebre fotolibro Shashin yo sayonara (Adiós a la fotografía). Uno de los fotolibros más influyentes y radicales del siglo XX, que Moriyama publicó originalmente en 1972 en colaboración con su colega Takuma Nakahira, ambos figuras clave del movimiento y la mítica revista fotográfica de vanguardia Provoke. 

Moriyama, que formalmente se unió a la revista a partir del segundo número, poco tiempo después se convertiría en el artista vinculado a esta generación más célebre internacionalmente. La filosofía del estilo Provoke como la corriente contracultural en ciernes que pretendía instituir, se basaba en el rechazo categórico de las convenciones de la fotografía comercial de masas y el fotoperiodismo tradicional al uso que predominaba en Occidente. Su lema “Are, Bure, Boke” representaba todo un manifiesto estético contra esa fotografía Occidental, porque Are (áspero o granulado), Bure (borroso o movido) y Boke (desenfocado) –de ahí el actual término técnico bokeh– definía claramente aquel estilo visual crudo, visceral y caótico que se impuso como desafiante actitud artística.

Asimismo, esta exposición dedica también una parte especial a la profunda obsesión del artista japonés con el inventor francés Nicéphore Niépce, y sigue sus peregrinaciones a Saint-Loup-de-Varennes, lugar donde se tomaría la primera fotografía de la historia. Además, la muestra de Moriyama en París tiene el atractivo especial de no limitarse a mostrar imágenes icónicas, sino que revela su proceso creativo a través de publicaciones, revistas y materiales originales.

El trabajo de este legendario fotógrafo japonés ha sido coeditado en formato de libro monográfico por la editorial delpire & co y la Fondation HCB, y su publicación ha representado un hito literario, pues incluye las primeras traducciones al francés de veintidós de los ensayos esenciales, fragmentos y manifiestos escritos por Moriyama a lo largo de varias décadas. El fotolibro contextualiza sus imágenes icónicas con sus reflexiones privadas sobre por qué la fotografía es para Daidō Moriyama un ser vivo al que ama.

Más información

Fondation Henri Cartier-Bresson.

Enlace de interés

La editorial japonesa Nitesha ha publicado la reedición facsímil de los tres números históricos de la mítica revista Provoke. Disponible en LASAL BOOKS.

Fotografía (détail) (sans titre) “Œil ou globe oculaire” (modèle anonyme), 1986 © Daidō Moriyama. Courtoisie: Fondation HCB

Sergio Ramírez y ‘La maldición de Ramfis’

El Instituto Cervantes de Madrid acogió ayer al escritor y periodista Sergio Ramírez con motivo de la publicación de su última novela. 

Tras una breve introducción al escritor nicaragüense a cargo del poeta Luis García Montero, actual director de esta prestigiosa institución pública panhispánica, y la que a su vez realizó Pilar Reyes como directora de la editorial Alfaguara, el coloquio con Sergio Ramírez, ganador del Premio Cervantes en 2017,  comenzaba de la mano de la periodista, escritora y analista política, Berna González Harbour, reconocida autora de novela negra también, como es la titulada ‘El sueño de la razón’, que obtuvo el Premio Dashiell Hammett en 2020, o ‘Verano en rojo’, que fue llevada al cine en 2023. Y autora de la saga familiar ‘Qué fue de los Lighthouse’, así como de obras de no ficción.

Para esta nueva novela, Sergio Ramírez vuelve a retomar al personaje del Inspector Morales, genial protagonista de la magistral serie negra del autor. El Inspector Morales y doña Sofía salen al exilio desde Nicaragua a Costa Rica, donde se emplean en un hotelito de un pueblo de pescadores especializado en bodas gais. Una noche, ven llegar un crucero desde aguas nicaragüenses. Se trataba de un velero de lujo llamado Sea Cloud, el barco que perteneció al dictador dominicano Trujillo. El inspector y doña Sofía se enteran de que a bordo hay un muerto que es un viejo conocido suyo. Murió mientras celebraba su cumpleaños con invitados de lujo y familiares. Uno de ellos es el asesino. Mientras Morales investiga, pesa sobre todos la maldición de Ramfis, el hijo de Trujillo, quien muchos años atrás paseó en el barco por los mares otro cadáver, el de su padre asesinado a tiros en Santo Domingo en 1961, junto con cajones de billetes saqueados del Banco Central de la República Dominicana.

Como en su día expresó el Jurado del Premio Cervantes, “la obra de Sergio Ramírez refleja la viveza de la vida cotidiana convirtiendo la realidad en una obra de arte con excepcional altura literaria”.

En este caso una realidad ya por sí misma truculenta: el 30 de mayo de 1961 Leónidas Trujillo fue atacado por un grupo de opositores al régimen, que disparando al automóvil en el que viajaba, acaban con su vida. Ramfis, que estaba en ese momento en Europa, regresa para hacerse cargo del gobierno. Pero la oposición que encuentra entre la población y la clase política le obliga a que, unos meses después, se dirija al exilio. Si bien antes de partir participa en la ejecución de los llamados Héroes de mayo, los seis supervivientes del comando que había asesinado a su padre, los cuales son sacados de prisión de manera encubierta y trasladados a la residencia de verano de los Trujillo, donde son maniatados y ametrallados.

En 1962, después de un periplo por varios países como Francia o Portugal, Ramfis y su esposa Lita llegan a Madrid, donde la dictadura franquista, simpatizante de Trujillo y su autoritarismo, le otorga el estatuto de refugiado político, concediéndole la residencia en 1966.

Ramfis, que había reanudado en Madrid la acostumbrada vida disoluta que siempre le había caracterizado, la mañana del 17 de diciembre de 1969, cuando regresaba a la casa familiar —una mansión en La Moraleja que había pertenecido al banquero Juan March—, su Ferrari choca violentamente contra el Jaguar de María Teresa Bertrán de Lis, que fallece en el acto cuando llevaba a su hijo al colegio.

El 29 de diciembre, el cuerpo ya sin vida de Ramfis es depositado en un nicho provisional del cementerio de la Almudena, a la espera de que finalicen las obras del panteón familiar en el cementerio de El Pardo.

Los primeros pasos de Sergio Ramírez en el mundo literario son a través del cuento. Su primer relato, ‘El estudiante’, lo publicaría en 1960. Tres años más tarde publica ‘Cuentos’, su primer libro, que es una recopilación de relatos, para, posteriormente, publicar en 1970, ‘Tiempo de fulgor’, su primera novela. A partir de entonces, ha seguido cultivando ambos géneros junto con el ensayo y el periodismo.

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Penguin Random House Grupo Editorial.

Fotografía de Sergio Ramírez © Fernando Torres

Retrospectiva de Minor White en Barcelona

El centro KBr presenta la primera gran retrospectiva en Europa del fotógrafo estadounidense Minor White, fundador y editor de la revista Aperture. 

Se trata de una extraordinaria panorámica completa de la obra de este artista, que se desarrolló vinculada a su personal concepción de la fotografía y que Minor White (Minneapolis, 1908-Boston, 1976) extendería a otros ámbitos estrechamente relacionados como son la docencia, la museística y la actividad editorial.

La exposición, que conmemora el cincuenta aniversario de su fallecimiento, se articula en torno a su trabajo organizado en secuencias fotográficas, que el autor consideraba esencial para dotar de significado a sus imágenes. Organizada en cuatro secciones, la muestra recorre el conjunto de su trayectoria, desde sus primeras fotografías, de ligera influencia pictorialista, hasta algunas otras que nunca serían exhibidas en vida del fotógrafo.

Esta selección se ha realizado principalmente a partir del legado de White que conserva el Museo de Arte de la Universidad de Princeton, depositario de su archivo. Se ha contado también con préstamos del Portland Art Museum, el Museum of Fine Arts de Houston y Aperture.

“La fotografía nunca domina mi vida, simplemente hay que hacerla junto con otro montón de cosas”, afirmaría White. Desde sus inicios, su trayectoria abarcó actividades diversas que se entrelazaban e influían mutuamente: la escritura, el comisariado de exposiciones, la edición y la enseñanza —para la que encontró en la revista Aperture una potente herramienta—, fueron para él igual de relevantes que la fotografía. En sus clases se fijaba en la diferente capacidad de concentración de sus alumnos para ayudarles a alcanzar el nivel más profundo en la comprensión de la imagen. Para ello se sirvió de distintas corrientes filosóficas e incluso de la hipnosis, prácticas que a menudo chocaban con el espacio eminentemente académico en el que impartía sus lecciones. En el MIT, sin embargo, logró crear un Laboratorio de Fotografía Creativa desde el que planteó un método docente alejado de los planteamientos rígidos y reglados que caracterizaban entonces la enseñanza de la fotografía.

Minor White fue una de las figuras más complejas e influyentes de la fotografía norteamericana del siglo XX no solo por su obra, sino por el debate que fomentó en torno al oficio. La exposición que le dedica la Fundación MAPFRE en su Centro de Fotografía KBr en Barcelona muestra su trabajo a partir de unas 250 fotografías de época, además de material de archivo y de una proyección de diapositivas a color.

Las obras se despliegan a través de un recorrido cronológico que pone el foco en sus series en forma de secuencias, su formato preferido para la presentación de fotografías de acuerdo con el principio que White defendía: “Cualquier fotografía vista por sí sola fracasará en el intento de comunicar. Se requiere un mínimo de dos fotografías o una fotografía con palabras”.

Para él, la fotografía, más que una reproducción del mundo afuera, era un espejo de su mundo interior. Uno definido por la tensión, por el tormento de su homosexualidad escondida. De ahí que el recorrido preste especial atención a la intensa carga introspectiva y espiritual que atraviesa los temas más recurrentes en la obra del fotógrafo: naturaleza, paisaje, retrato, desnudo.

Uno de los rasgos esenciales de su práctica es la organización de las imágenes en secuencias. Frente a la fotografía aislada, White entiende el conjunto como una estructura narrativa y reflexiva en la que las imágenes se relacionan entre sí, generando asociaciones, ritmos y significados.

La muestra incluye ‘Slow Dance’, la única secuencia en color publicada por el autor y presentada como una proyección dual de diapositivas, y una nutrida selección de interesantes trabajos no escogidos por White para la conformación de secuencias y que pivotan en torno a los mismos temas mencionados.

Del 18 de junio al 6 de septiembre de 2026.

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Centro KBr. Fundación MAPFRE.

Fotografía ‘Parque Nacional de Grand Teton, Wyoming’ (1959) © Minor White

‘Espectros. Enigmas de la mirada’

Fundación Casa de México, como sede oficial de PhotoESPAÑA, presenta este mes de junio y hasta el próximo 13 de septiembre, una muestra con las obras de varios artistas mexicanos.

La exposición colectiva ‘Espectros. Enigmas de la mirada’, comisariada por la investigadora y artista mexicana Laura González-Flores, la integran siete jóvenes fotógrafos mexicanos de reconocida trayectoria, a saber: Adriana Calatayud, Alinka Echeverría, Cannon Bernáldez, Humberto Ríos, Laura Cohen, Paola Dávila y Tomás Casademunt, que ofrecen su personal visión de la realidad plasmada en sus enigmáticos trabajos.

Y es que, más allá de su función plástica, expresiva y de catalogación de la realidad material, la fotografía, en su desarrollo histórico y evolución, ha ido experimentando siempre imaginativos procesos para reflejar distintas formas de percibir esa realidad. Así, mediante la práctica de diversas manipulaciones técnicas u ópticas, generar sorprendentes visiones, imágenes ambiguas, sugerentes y espectrales.

Esta exposición reúne el trabajo de unos fotógrafos cuyas obras invitan a ir más allá de la mera identificación de lo visible. Excéntricas en su forma y rigurosas en su proceso, estas obras requieren una mirada atenta, sostenida en el tiempo, y una disposición a cuestionar aquello que la imagen parece afirmar.

En estas series el enigma de la mirada del artista se hace patente, y sin agotar el sentido en lo fotografiado, la contemplación de las imágenes activa en el espectador otras resonancias imaginarias, empleando para ello técnicas muy variadas, algunas mediante procesos de los tiempos de los inicios de la fotografía. Desde la cianotipia a la piezografía, pasando por la fotografía estenopeica o la impresión en gelatina de plata. Por esto, la propuesta curatorial plantea un espacio de contemplación crítica, en el que la visita pueda tener una experiencia sensorial compartida.

Laura González-Flores es doctora en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Desde 1992, su trabajo se enfoca a la investigación, docencia y curaduría de las imágenes técnicas: la fotografía, el cine, pero también la escultura, la gráfica. Busca llevar el rigor de la investigación teórica al amplio ámbito social del arte: a los archivos, a museos, publicaciones y programas estatales y privados, así como al trabajo colaborativo con los creadores. 

El recorrido de la muestra comienza y finaliza con las obras de Humberto Ríos y su serie ‘Suspending Time’, utilizando técnicas fotográficas ya en desuso, obsoletas o anacrónicas en tiempos de la fotografía digital.

La artista Cannon Bernáldez presenta el proyecto llamado ‘Miedos’. Una galería de imágenes cuyas dimensiones son intencionadamente pequeñas, con las que logra que el espectador se acerque para observar un inventario de temores infantiles, sutilmente revelados, pero inevitables y terribles. En este caso, el ocasional viñeteado genera además cierto efecto túnel, propiciando una sensación inmersiva.

En el caso de Alinka Echeverría, la espectralidad tiene una trascendencia política. La fotógrafa cubrió como periodista el funeral de Nelson Mandela y en su serie ‘M-theory’ quiso recordar que, a causa del apartheid, Mandela no estuvo solo ni en la cárcel ni en la lucha contra el racismo en Sudáfrica. Tras una ardua búsqueda, la artista encontró a nueve de sus compañeros de prisión y a partir de sus huellas biométricas generó paisajes que nos hablan de sus vidas y destinos.

Tomás Casademunt recurre a voluminosas cámaras estenopeicas para fotografiar, semana a semana, el proceso de construcción de grandes edificios, fusionando las instantáneas anteriores y posteriores en una misma imagen. Su proyecto implica para su elaboración el trabajo de meses, dando unos frutos casi abstractos, y que recuerdan a los procesos de las primeras fotografías de la historia.

Entre las imágenes más poéticas de la muestra se encuentran las de Paola Dávila, que en ‘Mareas’ empleó la técnica de la cianotipia, dejando que otros agentes naturales como la salinidad del mar y el sol contribuyeran a la creación de sus imágenes. Los títulos de cada obra se corresponden con las coordenadas donde se tomó cada una, en Baja California.

Por su parte, Adriana Calatayud trabaja los paisajes en los que no importa el detalle de lo que vemos, sino lo que en ellos ha sucedido sin que lo viéramos: desapariciones de personas derivadas del tráfico de órganos. Aunque nunca muestre una violencia explícita. El proyecto lleva por nombre ‘Cementerios silenciosos’ y ha devenido un archivo opaco de zonas para la vergüenza.

Las imágenes de Laura Cohen parecen querer señalar la persistencia de la vida en seguir adelante. Se trata de varios ejemplares de plantas tropicales mexicanas que parecen flotar, suspendidas en el tiempo. Y se produce ese efecto porque las plantas fueron captadas en un acuario y gracias a un elaborado ejercicio de iluminación.

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Casa de México/PhotoESPAÑA.

Enlaces de interés

Adriana Calatayud, Alinka Echeverría, Cannon Bernáldez, Humberto Ríos, Laura Cohen, Paola Dávila y Tomás Casademunt.

Fotografía ‘Espectrografías’ © Tomás Casademunt

Richard Avedon. ‘In the American West’

Dentro de su programación de verano, la Fundación MAPFRE muestra la monumental serie de retratos del gran fotógrafo neoyorquino Richard Avedon.

Paralelamente a la actual ‘The Americans’ de Robert Frank, presentada hace tan solo unos días en el Espacio Fundación Telefónica, Fundación MAPFRE inauguraba la pasada semana en su sede madrileña la gran exposición ‘In the American West’ de Richard Avedon, comisariada por el historiador y curador de fotografía francés Clément Chéroux.

Buscado o no, esta coincidencia en el tiempo y el espacio –pues ambas series se muestran simultáneamente en Madrid estos días– nos provoca el indefectible impulso comparativo al observar que la relación esencial entre ‘The Americans’ (1958) de Robert Frank y ‘In the American West’ (1985) de Richard Avedon reside en la voluntad compartida por los dos fotógrafos en cuanto a desmitificar el “sueño americano” y revolucionar la iconografía oficial de los Estados Unidos como representativa del país. Los dos proyectos nacieron de sus extensos viajes por carretera a lo largo del territorio. Sin embargo, utilizaron enfoques formales, estéticas y métodos radicales y opuestos para retratar a las clases olvidadas y marginadas de la sociedad norteamericana.

Obviamente, entre los trabajos de uno y otro –separados en el tiempo casi tres décadas– hay otras diferencias como son la técnica y la mirada del fotógrafo; la de Frank, como suizo recién llegado a un país desconocido, es la del extranjero que, para captar las imágenes en formato de 35mm, con ese particular grano e imperfección, empleó su cámara Leica, retratando de forma explícita el contexto social del individuo, con un enfoque narrativo poético, espontáneo y fluido; la de Avedon, neoyorquino acreditado en fotografía de moda, es la mirada nativa, para la cual se vale de la cámara de gran formato (8x10) y el trípode, lo que le permite realizar fotografías de una extrema nitidez. Y así capturar al sujeto aislado, sobre fondo blanco, con un enfoque psicológico, directo, en un posado de estudio al aire libre.

Fallecido en 2004, Richard Avedon fue el fotógrafo estadounidense más importante de su generación. Para el trabajo ‘In the American West’, Avedon viajó durante cinco años, conociendo y fotografiando a la gente sencilla del Oeste: rancheros, obreros, camareros, carniceros, mineros, jugadores, convictos, vagabundos o feriantes.

El libro resultante incluye 110 fotografías en blanco y negro de exquisita impresión, un ensayo de Avedon sobre sus métodos de trabajo y su filosofía del retrato, un diario del proyecto escrito por Laura Wilson y un prólogo de John Rohrbach. Aclamada como la obra maestra de Avedon, el proyecto surgió a partir de un encargo propuesto en 1979 por el Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth, Texas, que culminó con la publicación del fotolibro homónimo y la organización de una exposición en dicho museo en 1985.

El 4 de julio de 1978, Día de la Independencia de Estados Unidos, el retrato de Wilbur Powell tomado por Avedon en su rancho de Ennis, Montana, apareció en Newsweek. Powell era el capataz de Avedon, al que había cuidado durante una convalecencia del fotógrafo. La imagen de aquel “hombre normal excepcional”, en palabras del propio Avedon, simbolizaba, en este contexto, la identidad nacional. La imagen llamó la atención del director del Amon Carter Museum, que albergaba una colección única de fotografías en torno al Oeste americano, quien propuso a Avedon dar continuidad al proyecto. Así nacería ‘In the American West’.

Más información

Richard Avedon. In the American West, 1979-1984.

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Clément Chéroux/Fondation Henri Cartier-Bresson.

Fotografía doble James Lykins, oil field worker, Rawson, North Dakota, August 17, 1982 © The Richard Avedon Foundation & Sandra Bennett, twelve years old, Rocky Ford, Colorado, August 23, 1980 © The Richard Avedon Foundation

Photography Amazon cortesy of the book In the American West (1979-1984)
 

Benjamín Labatut. El fenómeno empezó allí

El destacado escritor y periodista chileno nos visitó en Madrid con motivo de la reaparición de su primer libro, ‘La Antártica empieza aquí’, inicialmente publicado en Chile.

Antes de que su nombre se convirtiera en un ineludible referente para pensar en los grandes interrogantes de la ciencia y sus relaciones con el vértigo, la destrucción y la locura, Benjamín Labatut (Rotterdam, Países Bajos, 1980), que tras pasar su infancia en La Haya, con catorce años establece su residencia en Santiago de Chile, escribiría allí el libro de su debut literario. ‘La Antártica empieza aquí’ lo compone una selección de seis cuentos que, ya en un estado germinal, anticipaba las obsesiones que iban a marcar su posterior literatura.

Publicados originalmente en 2010, y revisados por el autor para esta nueva edición, los relatos presentan una serie de historias en las cuales la realidad se altera y la experiencia humana se vuelve extraña. Seis narraciones atravesadas por la sensación de una amenaza imprecisa y de una violencia latente en las que una pequeña decisión puede trastornarlo todo. Aquí, la Antártica, más que un lugar o un destino físico, es una frontera: el límite tras el cual se encuentra la muerte o la revelación, el umbral donde el lenguaje comienza a fallar y el ser humano se expone a su enorme fragilidad.

Ya en su primer libro, Benjamín Labatut demuestra una sensibilidad capaz de sugerir abismos sin necesidad de mostrarlos, y nos arrastra a una zona donde la amenaza del colapso es total. Leído hoy, este volumen adquiere un valor especial: no solo es el punto de partida de una de las voces más singulares de la literatura actual, sino que permite conocer el mito de origen de un autor que interrogará, con una lucidez implacable, los límites del mundo y de la mente. Porque en sus páginas late la pregunta que anima toda su obra: ¿qué ocurre cuando el ser humano se aproxima demasiado a lo que no puede comprender?

En este iniciático libro Labatut no da las respuestas, pero deja en el lector una huella persistente: una sensación de frío helador que permanece incluso tiempo después de haber finalizado su lectura.

Pero realmente el fenómeno Labatut alcanzaría su más absoluta consagración internacional con ‘Un verdor terrible’ (2020), obra con la que queda finalista en el International Booker Prize. En ella el autor explora la frontera entre la genialidad científica de figuras como Schwarzschild o Heisenberg y la locura autodestructiva. 

Le siguió ‘La piedra de la locura’ (2021). Breve ensayo en el que indaga en el caos de la realidad contemporánea, la pérdida de certezas colectivas y las teorías conspirativas, conectando obras de arte con la locura matemática.

Y la novela ‘MANIAC’ (2023). Un ambicioso tríptico que explora los límites del pensamiento lógico, centrado en la perturbadora mente de John von Neumann y el nacimiento de la inteligencia artificial moderna.

En 2024, de las seis lecturas seleccionadas por profesores de la institución académica Esade para sus alumnos, dos de ellas fueron de Benjamín Labatut: ‘Un verdor terrible’ y ‘MANIAC’. Los cuatro libros restantes correspondían a obras de los autores D. Epstein, T. Eisenmann, E. Klinenberg y S. Mancuso.

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Encuentro con Benjamín Labatut. ‘La Antártica empieza aquí’.

Fotografía de Benjamín Labatut © Fernando Torres

‘The Americans’. Fotografías de Robert Frank

Espacio Fundación Telefónica presenta, en el marco de la XXIX edición de PHotoESPAÑA, ‘Robert Frank & Los Americanos’, una exposición que reúne por primera vez en este espacio el conjunto completo de imágenes de uno de los proyectos más emblemáticos e influyentes de la cultura visual del siglo XX.

Considerada con el paso del tiempo como un hito fundamental de la fotografía, ‘Los Americanos’ no solo redefinió por completo el lenguaje fotográfico contemporáneo, sino que cuestionó las narrativas oficiales de prosperidad, éxito y el “sueño americano” que dominaban la imagen de Estados Unidos en la posguerra.

La muestra, comisariada por el prestigioso crítico David Campany y organizada con el apoyo de la Maison Européenne de la Photographie (París), ofrece una oportunidad única para encontrarse de nuevo con este trabajo fundamental. A través de más de 120 obras icónicas, el visitante podrá recorrer las 83 imágenes que conforman el libro original de 1958, además de material inédito sobre el proceso creativo del autor.

Nacido en Suiza en 1924 y establecido en Estados Unidos en 1947, Robert Frank emprendió este proyecto impulsado por la necesidad de construir un relato propio e independiente de los encargos comerciales. Gracias al apoyo de dos becas de la Fundación Guggenheim, recorrió el país en un extenso viaje por carretera (road trip) durante varios años, atravesando ciudades y paisajes en busca de una mirada más profunda y compleja sobre la sociedad estadounidense.

Lejos de los códigos de la fotografía documental tradicional y del concepto de “instante decisivo”, Frank desarrolló una estética radicalmente nueva basada en encuadres inclinados, desenfoques deliberados, grano y composiciones fragmentarias o incómodas. Más que registrar el mundo de forma aséptica, Frank construyó una forma personal de interpretarlo, capturando lo que él llamaba momentos intermedios.

A lo largo de su viaje, el optimismo inicial de Frank se transformó en una perspectiva profundamente crítica. Sus imágenes impactaron por su honestidad y crudeza al visibilizar las desigualdades sociales, la segregación racial, la alienación urbana, la obsesión por el dinero y el impacto del consumo creciente.

Robert Frank tomó símbolos cotidianos de la cultura estadounidense —como los coches, las pantallas, las multitudes solitarias y la bandera de las barras y estrellas— y los recodificó para que se sintieran tensos, ambiguos y preocupantes en lugar de heroicos o celebratorios, lográndolo tanto a través de la poesía visual como de la denuncia. Como el propio Frank afirmó en 1957, su intención era mostrar una sección representativa de la población de forma simple y desde una visión estrictamente personal, recordando que “la crítica puede surgir del amor” y que lo importante es “ver lo que es invisible para los demás”.

La recepción de ‘Los Americanos’ en el momento de su publicación en 1958 fue sumamente polémica; muchos críticos la calificaron de “antiamericana” y rechazaron una estética que rompía con los cánones de la “buena fotografía”. Sin embargo, el tiempo operó una valoración inversa. Si en los años 60 y 70 transformó la manera de trabajar de las nuevas generaciones de fotógrafos, en la actualidad la obra ha pasado de ser una declaración contracultural a ser considerada un registro histórico oficial de un país dividido. Hoy, siete décadas después, las imágenes de Robert Frank siguen interpelando al espectador con la misma intensidad. Más allá de su valor histórico, la exposición se presenta como una obra abierta que dialoga con nuestro presente en un contexto de transformaciones sociales y políticas, recordándonos las tensiones no resueltas de la sociedad contemporánea.

Con la colaboración de PhotoESPAÑA y la MEP.

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Espacio Fundación Telefónica.

Fotografía del coloquio en Fundación Telefónica © Fernando Torres

Celebramos el FUJIKINA Madrid 2026

Organizado por Fujifilm, el festival de fotografía congregó por primera vez en la capital a fotógrafos, videógrafos, creadores visuales y aficionados a la imagen en general.

FUJIKINA, el gran festival internacional de fotografía enfocado principalmente en los usuarios de la conocida firma japonesa, que venía celebrándose en ciudades como Tokio, Nueva York, Berlín, Londres y Barcelona, como no podía ser de otra manera llegó también a Madrid los pasados días 23 y 24 de mayo.

El acertado lugar elegido para realizar este interesante evento fotográfico fue la sede madrileña del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), que ya acogía otros actos afines como son la exposición internacional World Press Photo 2021 o la muestra ‘ICON’ de Steve McCurry; la gran exposición dedicada en 2023 a David Bowie titulada ‘Bowie Taken by Duffy’, centrada en la relación creativa entre Bowie y el fotógrafo británico Brian Duffy; las exposiciones programadas por PHotoESPAÑA, como la reciente ‘Lo que nace’ del también comisario Matías Costa, que reunió 59 fotografías y material de archivo del autor, explorando su evolución creativa; o ‘Columna’, de Sonia Celma, que se podrá ver el próximo mes de junio.

En esta ocasión, el COAM albergó en el marco de FUJIKINA Madrid una exposición colectiva de fotografía contemporánea con algunas de las obras del citado Matías Costa, Premio ‘Descubrimientos’ PHotoESPAÑA 1998; Samuel Aranda, Premio World Press Photo of the Year 2011 por su fotografía de una madre que consuela a su hijo herido en el conflicto de Yemen; Estela de Castro, fotógrafa y retratista y una de las voces más reconocidas de la actual fotografía española; Toni Amengual, artista, fotógrafo y educador visual; Álvaro Sanz, fotógrafo, realizador y publicista; Sonia Celma, finalista en el Certamen de Fotógrafas Baffest 2025;  y Nerea Garro, fotógrafa y artista visual con formación en Bellas Artes. Además, el veterano fotógrafo Alberto García-Alix presentó en el concurrido salón de actos su personal conferencia titulada ‘La ausencia como estímulo’, cargada de imágenes y una sentimental oratoria.

Y es que, el evento FUJIKINA en Madrid combinó conferencias y charlas en directo, como la protagonizada por la directora de PhotoESPAÑA María Santoyo junto a Sonia Celma y Matías Costa, talleres prácticos y exposiciones, paseos fotográficos o photowalks, como es el caso del participado por el fotógrafo, formador y divulgador Joan Vendrell, sesiones fotográficas en vivo, networking entre profesionales y aficionados... Y cómo no, pruebas de cámaras y objetivos Fujifilm para todos los interesados en sus productos, características técnicas y novedades de la firma.

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FUJIKINA Madrid 2026.

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PhotoESPAÑA.

Fotografía del speech de Álvaro Sanz ‘En busca de un Ålbør eterno’, centrado en sus expediciones a territorios extremos © Fernando Torres

Clausura en Menorca del Raw Photo Fest

Del 7 al 10 de mayo, la localidad menorquina de Alaior ha sido la sede de esta primera edición de un festival internacional de fotografía que promete hacerse un hueco entre los veteranos certámenes europeos.

Durante estos cuatro días de hallazgo, diálogo e inspiración, el debut del festival en Alaior como enclave estratégico, ha transformado a este tranquilo municipio de casas encaladas en un espacio donde los diferentes fotógrafos emergentes seleccionados tuvieron su obra expuesta en claustros, galerías, museos, bares, casas particulares y calles o plazas junto a fotógrafos de fama internacional como Steve McCurry, Martin Parr, Alex Webb, Rebecca Norris Webb o Cristina de Middel, entre otros.

Estos fotógrafos debutantes debían responder a una convocatoria abierta previamente establecida, que en esta ocasión se dividía en dos secciones: una internacional abierta a fotógrafos de todo el mundo, y otra balear abierta a fotógrafos con base en las islas o vinculados a ellas. En ambos casos la organización buscaba “fotógrafos cuyo trabajo cuente historias reales y humanas, ya sea explorando momentos en la calle, viajes a través de culturas, política e historia, o destellos de la vida cotidiana”. Siendo el tema de libre elección, lo que unió todas las propuestas fue el arte de contar historias.

Esas historias aparecieron anteriormente en el quinto número de The Raw Society Magazine, que publica esta organización sin ánimo de lucro y plataforma educativa dedicada a la fotografía documental, de viajes y de calle. Con sede en las Islas Baleares, The Raw Society ha pasado la última década organizando talleres y fomentando una comunidad global de más de 300 fotógrafos apasionados por la narración visual. Asimismo, la organización promueve la fotografía a través de esta publicación premiada.

Los fundadores de esta gran iniciativa en forma de Festival fotográfico son Christelle Enquist (Presidenta) y Jorge Delgado-Ureña  (Director de fotografía).

Christelle es una fotógrafa y educadora hispano-sueca, además de cofundadora de The Raw Society. Criada en Singapur y con dominio de cuatro idiomas, concibe la fotografía como un lenguaje universal y una forma de conectar con las personas, los lugares y la cultura más allá de las palabras.

Graduada de la Parsons School of Design, Christelle trabajó durante más de una década en publicidad antes de dedicarse a viajar sola, un punto de inflexión que transformó su trayectoria creativa y la llevó a la fotografía como práctica a largo plazo.

En 2016, cofundó The Raw Society, donde desempeña un papel fundamental en su visión, programas educativos y comunidad global. Imparte talleres a nivel internacional y asesora a fotógrafos en narrativa visual y color. Además, es la editora jefa de la revista The Raw Society Magazine.

Su obra se ha expuesto internacionalmente, en países como Australia, Estados Unidos, Bélgica y Nepal, y fue incluida en el libro Women Street Photographers (Penguin Random House, 2021). En 2024, se presentó en Menorca una gran retrospectiva de su trabajo, que reunió fotografías tomadas en diversos países a lo largo de varios años de trabajo continuo.

Jorge Delgado-Ureña es fotógrafo, escritor, educador, director de fotografía y cofundador de The Raw Society. Su trabajo se basa en la narrativa documental, la narración personal y la filosofía de la presencia, guiando a los fotógrafos hacia una práctica creativa más intencional y significativa.

Con casi dos décadas de viajes y trabajo de campo en regiones como el Kurdistán iraquí, Oaxaca, Nepal, Marruecos y Ucrania, la fotografía de Jorge explora temas como la identidad, la cultura, el ritual y la experiencia humana en momentos de transición o conflicto. Sus fotografías se han publicado en diversas revistas locales e internacionales, como National Geographic, Ijsberg Magazine y La Vanguardia, entre otras. Su obra se ha expuesto en espacios como El Colegio de Periodistas en Barcelona, ​​LensCulture y The Independent Photographer en Berlín, y recientemente se presentó una retrospectiva en Menorca.

Jorge imparte talleres por todo el mundo y ha asesorado a cientos de fotógrafos en temas de autoría, narrativa visual, edición y desarrollo de una perspectiva personal. Además de su trabajo fotográfico, Jorge es un escritor reconocido cuyos ensayos combinan relatos de viajes con filosofía creativa y reflexiones sobre el papel del fotógrafo en la actualidad. Sus escritos aparecen en Substack, en entrevistas y en los materiales educativos de The Raw Society.

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Raw Photo Fest.

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The Raw Society.

The Raw Society Magazine. 

Fotografía Stephanie Duprie Routh/Raw Photo Fest © Fernando Torres

Wim Wenders en el curso del tiempo

El DFF presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, ‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’. 

Esta exposición muestra el trabajo de Wenders a lo largo de una vida como el cineasta, productor, fotógrafo, autor y artista visual que, de una manera inspiradora, ha contribuido a conformar la cultura internacional durante más de seis décadas.

Wim Wenders (Düsseldorf, 1945) es considerado una de las figuras más importantes del cine contemporáneo mundial. Ganó el premio BAFTA a la mejor dirección y la Palma de Oro por ‘París, Texas’ (1984), así como el premio al mejor director en el Festival de Cannes por ‘Las alas del deseo’ (1987). Entre sus otras películas destacadas se encuentran ‘El amigo americano’ (1977), ‘¡Tan lejos, tan cerca!’ (1993) y ‘Días perfectos’ (2023), su película de mayor éxito internacional, nominada al Óscar en 2024. Sus largometrajes ‘París, Texas’ y ‘Las alas del deseo’ son considerados clásicos del cine internacional, al igual que sus innovadores documentales ‘Buena Vista Social Club’ (1999), ‘Pina’ (2011) y ‘La sal de la Tierra’ (2014).

Esta exposición, que celebra su impacto en el cine universal, se centra en su vida y obra, incluyendo numerosos objetos como guiones, fotografías, utilería y vestuario de sus películas. Entre los aspectos más destacados se encuentra la narración de la audioguía a cargo del propio Wenders y la creación de una instalación inmersiva que invita a los visitantes a adentrarse en sus mundos visuales. El visitante podrá explorar temas centrales en la obra de Wenders como son el viaje, la nostalgia, la soledad y la búsqueda de identidad, elementos muy presentes en su película ‘En el curso del tiempo’ (1976). 

Wenders es una de las figuras más emblemáticas del cine contemporáneo, conocido por su capacidad para capturar la esencia del viaje y la búsqueda existencial. Su obra está profundamente marcada por el concepto del “road movie” y una estética visual que fusiona el cine con la fotografía fija.

La fotografía de Wim Wenders es tan fundamental como su cinematografía. Sus libros no son simples catálogos, sino diarios visuales que exploran la relación entre la imagen fija, el tiempo y el espacio. Un ejemplo de ello es el libro ‘Historias instantáneas’ (Instant Stories), una compilación de más de 400 Polaroids tomadas desde los años 70 hasta hoy, que incluye retratos de amigos, actores y apuntes visuales de sus viajes, acompañados de historias cortas y haikus escritos por el propio Wenders.

‘W.I.M. en el curso del tiempo. Una exposición de Wim Wenders’ es una muestra del DFF (Deutsches Filminstitut & Filmmuseum), Frankfurt am Main, en colaboración con la Bundeskunsthalle, Bonn, y la Fundación Wim Wenders, con el amable apoyo de Wenders Images and Road Movies.

Hasta el 18 de octubre de 2026 en el DFF (Instituto Alemán de Cine y Museo del Cine), de Fráncfort (Alemania).

Más información

DFF, Frankfurt am Main.

Enlace de interés

Site oficial de la Fundación Wim Wenders.

Fotografía serie ‘Written in the West’ © Wim Wenders

‘En las sombras’, Premio Nadar al fotolibro

El próximo miércoles, 29 de abril, en el marco de las actividades organizadas por los Amigos del Museo Nicéphore Niépce, se presenta la obra ‘Aux Ombres’ (En las sombras) de Éditions Lamaindonne, galardonada el pasado otoño con el Premio Nadar. 

El Premio Nadar, otorgado anualmente desde 1955 por la asociación Gens d'Images, reconoce un libro dedicado a la fotografía histórica o contemporánea publicado en Francia. Se presenta en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia, FNAC, y el Museo Nicéphore Niépce, bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura.

El fotógrafo belga Simon Vansteenwinckel es el autor de este fotolibro que ha publicado la editorial ganadora. La obra documenta la travesía denominada Omaka Tokatakiya/Future Generations Ride, un recorrido a caballo de 450 kilómetros realizado por lakotas en Dakota del Norte y del Sur, mostrando la resiliencia y los valores de su comunidad, la tradición y el vasto paisaje invernal de estas tribus. Una marcha anual de 15 días de duración a temperaturas extremas que pueden alcanzar los -20°C, rindiendo así un homenaje a la historia y resistencia de los pueblos originarios. En este itinerario siguen los pasos de la tribu del jefe Pie Grande, cuyos 300 miembros, en su mayoría mujeres y niños, fueron masacrados en Wounded Knee el 29 de diciembre de 1890. Vansteenwinckel captura, en blanco y negro, la intensidad de este viaje de recuerdo, una mezcla de espiritualidad, resistencia y legado.

David Fourré lleva más de 20 años trabajando en el sector editorial y el diseño gráfico. Su pasión por la fotografía le impulsó a fundar la editorial Lamaindonne en 2011, con sede en Marcillac-Vallon, en el departamento de Aveyron, al sur de Francia. Actualmente, Éditions Lamaindonne ofrece un catálogo de unos 15 libros, la mayoría monografías. En 2019, Fourré fue distinguido como “Editor del Año” en el Salon de la Photo, en París.

Simon Vansteenwinckel es fotógrafo, diseñador gráfico y profesor en la ESA St-Luc de Bruselas. Defensor del grano de la película y del blanco y negro de alto contraste, se ha consolidado como una figura destacada en la escena fotográfica de Bruselas. Sus proyectos, a menudo íntimos o documentales, exploran las conexiones entre territorio, memoria y peregrinación.

La asociación Amis du Musée Nicéphore Niépce está vinculada directamente a este museo y sus actividades (presentaciones, conferencias, encuentros) se desarrollan en su propia sede o en colaboración con él como una estructura de apoyo y programación cultural ligada al museo. El museo lleva el nombre del científico aficionado e inventor francés, y tiene su sede en la localidad francesa de Chalon-sur-Saône, ciudad que le vio nacer, y que no hay que confundir con el Museo Casa de Nicéphore Niépce, domicilio donde, en 1824, Niépce tomó la primera fotografía (heliografía) de la historia, que se encuentra en Saint-Loup-de-Varennes.

Más información

Musée Nicéphore Niépce.

Enlaces de interés

Maison Nicéphore Niépce.

Éditions Lamaindonne.

Fotografía ‘Aux Ombres’ © Simon Vansteenwinckel

Phil Penman, ‘Street Photographer’

La sede de Fundación Telefónica acoge hoy un encuentro con este fotógrafo británico residente en Nueva York, uno de los artistas más relevantes de la fotografía de calle contemporánea.

Phil Penman ha consolidado su obra como testimonio visual de la vida urbana y de algunos de los acontecimientos más significativos de nuestro tiempo. Con una trayectoria de más de 25 años documentando la ciudad de Nueva York, ha desarrollado su trabajo basado en la observación, la intuición y la capacidad de anticiparse al instante. Publicando en medios internacionales de referencia y formando parte de colecciones como el 9/11 Memorial & Museum.

El encuentro plantea una reflexión sobre la fotografía como un instrumento con el que comprender y preservar la realidad, donde Penman compartirá su trayectoria y su proceso creativo, profundizando en su forma de trabajar en la calle y en cómo sus imágenes han evolucionado hasta convertirse en proyectos editoriales, exposiciones y otras actividades formativas a nivel internacional.

El evento continuará con una conversación entre Phil Penman y Andrea Pacella, Vice President Global Marketing & Communication, centrada en la imagen como base de la memoria fotográfica en el contexto de una constante transformación tecnológica. Se abordarán también los desafíos de la fotografía documental, especialmente en relación con la inteligencia artificial y las nuevas formas de creación y difusión de imágenes.

A lo largo de su carrera como fotógrafo de prensa y de revistas, con un amplio cuerpo de trabajo publicado en medios como The Guardian, The Independent, o The New York Review of Books, entre otros, ha fotografiado a importantes figuras públicas y acontecimientos históricos de relevancia mundial. En particular, su reportaje tras el atentado terrorista del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center fue difundido en el programa Today de NBC, así como en la BBC, History Channel y Al Jazeera.

El trabajo de Penman sobre el confinamiento durante la pandemia en la ciudad de Nueva York ha sido adquirido por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, cuya colección alberga obras de grandes documentalistas de la época de la Gran Depresión como son Walker Evans y Dorothea Lange.

Además de exponer en galerías Leica de Nueva York, Washington D.C., Boston y Londres, su fotografía de calle –ya reconocible como sello personal– ha sido presentada en exposiciones internacionales en ciudades tan diversas como Venecia, Berlín y Sídney.

Phil Penman recorre el mundo impartiendo workshops de fotografía para Leica Akademie. Y recientemente ha sido incluido entre los 52 fotógrafos de la llamada street photography más influyentes, junto a leyendas como Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Diane Arbus y Garry Winogrand. Su libro ‘Street’, publicado en 2019, se convirtió en un gran éxito de ventas y fue presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York. Su publicación más reciente, ‘New York Street Diaries’, se lanzó como el libro de fotografía de calle más vendido a nivel mundial en Amazon y, durante su primer año, superó las 6000 copias vendidas.

Más Información

Sigue el evento aquí:

Fundación Telefónica / Encuentro con Phil Penman.

Fotografía New York © Phil Penman

‘Eveningside’. Gregory Crewdson en Charleroi

En el contexto de la obra de este artista estadounidense, el termino Eveningside funciona como un topónimo para una ciudad imaginaria estancada en el tiempo, evocando una sensación de melancolía y aislamiento.

Tras sus exposiciones en la Gallerie d’Italia (Turín, Italia, 2022), Les Rencontres d'Arles (Arlés, Francia, 2023), el VB Photography Center (Kuopio, Finlandia, 2024) y el ‘Marubi’ National Museum of Photography (Shkodër, Albania, 2025), la obra de este fotógrafo, considerado uno de los más importantes a nivel internacional, se presenta ahora en el Musée de la Photographie de Charleroi (Bélgica), bajo un título que nos remite a esa hora crepuscular entre el atardecer y la noche; a más que a un lugar a un estado mental, cuando la luz se desvanece y las sombras se van apropiando de todo. Para el fotógrafo, ‘Eveningside’ es un espacio conceptual y también el nombre del pueblo ficticio en el que ha desarrollado este trabajo.

“Lo que me interesa es ese momento de trascendencia, donde uno es transportado a otro lugar, a un mundo perfecto y silencioso”. Gregory Crewdson

Durante las tres últimas décadas, Crewdson ha ido completando un retrato de la América profunda, la que contempla con extrañeza las luces y destellos de un sueño que se desvanece. Sus fotografías, escenificadas como películas de un solo fotograma, han unido los fragmentos de un mundo crepuscular que adolece su letargo.

Nacido en 1962 en Brooklyn, Nueva York, Gregory Crewdson se graduó en el Purchase College SUNY y en la Yale School of Art, donde actualmente dirige los estudios de posgrado en fotografía. Crewdson vive y trabaja entre Nueva York y Massachusetts, y a lo largo de una trayectoria profesional de más de tres décadas, ha creado una sucesión de series fotográficas aclamadas por la crítica, desde ‘Natural Wonder’ (1992-1997) hasta ‘Cathedral of the Pines’ (2013-2014). ‘Beneath the Roses’ (2003-2008), una serie de fotografías que tardó casi diez años en completarse y en la que participó un equipo de más de cien personas, fue el tema del documental de 2012 Gregory Crewdson: ‘Brief Encounters’, de Ben Shapiro. 

La totalidad de su obra se ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y en Europa. El artista está representado por la Gagosian Gallery de Nueva York. Las fotografías de Gregory Crewdson persisten visualmente en el imaginario colectivo de sus adeptos, ocupando un espacio junto a las pinturas de Edward Hopper y las películas de Alfred Hitchcock y David Lynch como silenciosas e imborrables evocaciones entre lo cotidiano y lo insólito. Trabajando habitualmente con un amplio equipo de colaboradores, Crewdson planifica cada encuadre con meticulosa atención al detalle, cuidando la luz, el color y el diseño de producción para evocar escenas oníricas envueltas de misterio y suspense. Si bien los escenarios de pueblos pequeños de muchas de sus imágenes resultan familiares, el fotógrafo evita siempre incluir representaciones de lugares y momentos identificables, creando así un mundo atemporal.

Esta exposición reúne obras de tres series creadas entre 2012 y 2022. Concebidas como una trilogía, ofrecen una perspectiva novedosa sobre una década de producción creativa, revelando las dos caras —íntima y política— del universo que consagró a Gregory Crewdson como uno de los artistas más importantes de la actualidad. ‘Cathedral of the Pines’ y ‘An Eclipse of Moths’ marcan un momento crucial debido a su profunda intimidad, cristalizada por los lugares donde se tomaron las imágenes, íntimamente ligados a las vidas del fotógrafo, su pareja y colaboradora Juliane Hiam, y sus hijos. Esta trilogía, culminada magistralmente por ‘Twilight’, revela las principales facetas del arte y la sensibilidad de Crewdson. Pensadas como un conjunto, proporcionan una visión única de una década de creación y ofrecen una panorámica completa del universo de este gran artista.

Más información

Musée de la Photographie de Charleroi.

Enlaces de interés

Gregory Crewdson, el cine en una sola fotografía.

Photographers in Focus: Gregory Crewdson.

El universo cinematográfico de Gregory Crewdson.

Fotografía ‘The Mattress’ (Cathedral of the Pines) (2014) © Gregory Crewdson