Fotografías entre el arte y la moda

El espacio CentroCentro muestra en Madrid la exposición ‘Entre el arte y la moda’, que comprende 166 obras de 96 fotógrafos pertenecientes a la colección privada de la editora Carla Sozzani.

Icono internacional en el mundo de la moda y el diseño, la empresaria italiana Carla Sozzani (Mantua, 1947) es también una experta en arte con un natural instinto para las tendencias. Como coleccionista se dio a conocer a principios de la década de los setenta por su notorio olfato no solo para la moda, sino también para la fotografía. Sozzani ha compilado obras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad, contando con instantáneas de artistas como Alfred Stieglitz, Moholy-Nagy, Man Ray, Francesca Woodman, Helmut Newton o Daido Moriyama, entre otros.

Entre 1979 y 1986, Sozzani fue editora jefe de todos los especiales de la Vogue italiana, trabajando con fotógrafos y artistas como Sarah Moon, Bruce Weber, Herb Ritts, Paolo Roversi, Deborah Turbeville, Robert Mapplethorpe y William Wegman. Después ocuparía el mismo cargo en la edición italiana de Elle hasta los años 90, período en que decide abrir una galería; crea una selecta editorial de libros e inventa un nuevo concepto de tienda con la apertura en Milán de 10 Corso Como. 

Y se sucederán en el tiempo más aperturas de este tipo de establecimientos con el mismo nombre en Tokio, Seúl, Shanghái o Nueva York, donde a principios de este año se celebró, en colaboración con Magnum Photos, una exposición de las primeras fotografías callejeras de Bruce Gilden en Nueva York desde mediados de los 70 hasta los 80, así como sus imágenes de moda más recientes.

Durante su trayectoria Carla Sozzani ha supervisado más de 250 exposiciones mostrando obras de centenares de artistas de la cámara como Man Ray, Horst, Annie Leibovitz, Helmut Newton, David La Chapelle, Jean Prouvè, Marc Newson, Shiro Kuramata, Loretta Lux y Robert Polidori.

La exposición ‘Entre el arte y la moda’, que forma parte de la Sección Oficial de la XXIII edición del festival internacional de fotografía PHotoESPAÑA, se puede visitar hasta el 10 de enero de 2021. Está comisariada por la editora y su Fondazione Sozzani, creada en 2016 para promocionar la cultura a través de la fotografía, la moda y las bellas artes.

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CentroCentro.

Fotografía de Cecilia Chancellor (1996) © Steve Hiett

Murió Bruno Barbey, fotógrafo de MAGNUM

El pasado lunes 9 de noviembre de 2020 fallecía de un ataque cardíaco en Roubaix (Francia) el fotoperiodista franco-suizo Bruno Barbey, miembro de la Agencia Magnum desde 1964.

“La fotografía es el único idioma que se puede entender en cualquier parte del mundo.”

Nacido en Marruecos el 13 de febrero de 1941, Barbey estudió fotografía y artes gráficas a finales de la década de los cincuenta en la Escuela de Artes y Oficios de la ciudad suiza de Vevey. Terminados sus estudios inicia su trayectoria profesional en Italia desde 1961 hasta mediados de los años sesenta. A Barbey le fascinaban los directores de cine neorrealistas italianos como Antonioni, Visconti, Fellini y Pasolini. Realizadas con una Leica M, las series sobre Italia y los italianos le reportaron sus primeros reconocimientos. Se debió en gran parte gracias a esas fotografías de Italia que a los 25 años se convirtiera en miembro de la Agencia Magnum. Sin embargo, el libro de fotos ‘Los italianos’ no se publicaría hasta mucho tiempo después, en 2002.

El Mayo del 68 supuso un torbellino de acontecimientos en el que además de un joven Barbey identificado con su generación, se encontraban otros fotógrafos de la Agencia Magnum como Henry Cartier-Bresson y Marc Ribaud cubriendo la revuelta para informar al mundo de lo que estaba pasando en París.

Miembro ya de pleno derecho de la Agencia en 1968, Bruno Barbey ocupó en ella el cargo de Vicepresidente para Europa entre 1978 y 1979 y fue Presidente de Magnum International de 1992 a 1995. En 1985 recibió la Orden Nacional del Mérito de Francia. En 1999, el Petit Palais de París organizó una exposición individual de fotografías tomadas en su Marruecos natal durante un período de tres décadas.

En 2015-2016, La Maison Européenne de la Photographie en París mostró una gran exposición retrospectiva y simultáneamente publicó su libro respectivo, ‘Passages’. En 2016 Barbey fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes del Instituto de Francia.

Bruno Barbey cubrió guerras y conflictos en Nigeria, Vietnam, Oriente Medio, Bangladesh, Camboya, Irlanda del Norte, Kuwait e Irak. Su trabajo ha aparecido en las principales revistas del mundo y ha publicado más de 30 libros. Recibió numerosos premios por su trabajo, incluida la Orden Nacional del Mérito de Francia, y se han expuesto sus fotografías en galerías y museos del mundo como Shanghái, Madrid, Estambul, París y Berlín, entre otros.

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Site oficial de Bruno Barbey.

Agencia Magnum Photos.

Fotografía © Bruno Barbey / Agencia Magnum

MAGNUM: EL CUERPO OBSERVADO

La Fundación Canal presenta en Madrid la exposición ‘Magnum: El cuerpo observado’, que se podrá ver desde el 26 de noviembre de 2020 hasta el 28 de marzo de 2021 mientras las restricciones por la Covid 19 en la capital lo permitan.

Una exposición que reúne 136 imágenes en las que 14 de los más destacados fotógrafos de la agencia Magnum Photos centran sus objetivos en el cuerpo humano como forma de expresión, tanto de los fotógrafos como de los propios sujetos fotografiados. A través de estas fotografías, los autores reflexionan sobre una amplia variedad de temas como la intimidad, la identidad, la sexualidad o cómo las distintas estructuras sociales y culturales determinan la forma de representar y entender el cuerpo humano.

El cuerpo es un tema fundamental a lo largo de la historia del arte. La aparición de la fotografía a mediados del siglo XIX abrió nuevas posibilidades de enfrentarse a la representación de la figura humana, ampliando el repertorio de temas, composiciones y tipologías. En este sentido, esta muestra explora cómo los fotógrafos de Magnum Photos han abordado la visión del cuerpo desde 1930 hasta la actualidad. Las imágenes buscan trascender la mera labor documental, para exponer aspectos característicos de las vidas y personalidades de los sujetos retratados a través de una profunda interacción con su fisicidad.

Esta exposición organizada en colaboración con el Sainsbury Center y Magnum Photos incluye imágenes de:

Eve Arnold (Filadelfia, EE.UU, 1912 – Londres, Reino Unido, 2012).

Olivia Arthur (Londres, Reino Unido, 1980).

Werner Bischof (Zurich, Suiza, 1916 – Trujillo, Perú, 1954).

Antoine D’Agata (Marsella, Francia, 1961).

Bieke Depoorter (Cortrique, Bélgica, 1986).

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 1949).

Bruce Gilden (Nueva York, EE.UU, 1946).

Philippe Hallsman (Riga, Letonia, 1906 – Nueva York, EE.UU, 1979).

Tim Hetherington (Birkenhead, Reino Unido, 1970 – Misurata, Libia, 2011).

Herbert List (Hamburgo, Alemania, 1903 – Múnich, Alemania, 1975).

Susan Meiselas (Baltimore, EE.UU, 1948).

Miguel Rio Branco (Las Palmas de Gran de Canaria, 1946).

Alessandra Sanguinetti (Nueva York, EE.UU, 1958).

Alec Soth (Minneapolis, EE.UU, 1969).

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Fundación Canal.

Fotografía Funeral de la Mafia. Queens, Nueva York, EE.UU. © Bruce Gilden/Magnum Photos

Edmund Burke: ‘The Trouble with Nature’

La película del realizador Illum Jacobi estará disponible en el canal de La Casa Encendida en Filmin hasta el próximo 23 de octubre.

Una excursión por los imponentes Alpes franceses protagonizada por el filósofo, escritor y político irlandés Edmund Burke (1729-1797), considerado como el padre del liberalismo conservador británico. Para sobrevivir a esa expedición, el intelectual deberá rendirse ante el concepto estético de la naturaleza sublime que él mismo concibió.

Se trata del primer largometraje del danés Illum Jacobi, un cineasta licenciado en Dirección de Fotografía por The National Film School of Denmark, que ha trabajado como operador de cámara en altitudes elevadas, dados sus conocimientos en alpinismo y expediciones al ártico. Para la realización de ‘The Trouble with Nature’, Jacobi unió sus dos grandes pasiones: la montaña y el cine.

En 1757, doce años después de escribir su célebre tratado sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y lo bello (A Philosophical Enquiry into the Origin of our Ideas of the Sublime and Beautiful), Edmund Burke se hunde en una profunda crisis existencial y creativa. Pero coincidiendo con la reedición del libro decide emprender la arriesgada travesía alpina para encontrar de nuevo la inspiración y poder reescribir ciertos pasajes. Sin embargo, lo único que le espera en ese viaje es la terrible e indomable “naturaleza sublime”, como la definió en su obra, uno de los tratados esenciales del Romanticismo.

Este singular drama de época recreado por Jacobi transcurre, pues, en el marco histórico de los preliminares de ese movimiento fundacional del que fueron precursores Inglaterra y Alemania; Thomas Girtin y su contribución en la acuarela en cuanto a la pintura romántica inglesa, y Caspar David Friedrich como uno de los principales embajadores de la pintura romántica alemana con su famosa obra ‘El caminante sobre el mar de nubes’. Una pintura considerada como una de las obras maestras y más representativas del romanticismo, que Jacobi evoca y casi reproduce fielmente (ver fotografía) en el plano final de su película, siendo en este caso Edmund Burke quien lo materializa.       

Y es que ‘The Trouble with Nature’ transcurre también durante el incipiente periodo histórico del nacimiento del alpinismo. Ya que apenas tres años después de ese viaje de Burke, en 1760, Horace-Bénédict de Saussure, un científico de Ginebra, ofrecería veinte monedas de plata a los primeros montañeros que consiguiesen encontrar una ruta hasta la cumbre del Mont Blanc. Se sucedieron los intentos, pero no se conseguiría hasta que el 8 de agosto de 1786, Jacques Balmat, un joven buscador de cristales, y el doctor Michel Gabriel Paccard alcanzaran su cima.

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La Casa Encendida/Filmin.

Fotografía ‘The Trouble with Nature’ © Illum Jacobi

Paul Strand y Bill Brandt en el nuevo KBr

El nuevo centro fotográfico de la Fundación MAPFRE en la Villa Olímpica de Barcelona se estrena con dos exposiciones simultáneas de los fotógrafos Paul Strand y Bill Brandt.

Son dos los espacios expositivos, una librería, una zona para actividades pedagógicas y un polivalente auditorio los elementos que integran el KBr. Un moderno edificio de 1.400 metros cuadrados que quiere convertirse en un referente nacional e internacional en el terreno de la fotografía.

El nombre elegido se refiere al símbolo químico del bromuro de potasio, una sal que se utiliza en el proceso de revelado de la fotografía analógica. Su función principal consiste en frenar o retrasar la acción del agente revelador con el objetivo de impedir la formación de lo que se denomina “velo químico”, lo cual permite obtener una mayor pureza de blancos en la imagen.

Para su inauguración, el pasado 9 de octubre, se han montado dos magníficas exposiciones dedicadas a dos autores fundamentales de la historia de la fotografía. En la sala principal se expone la primera retrospectiva en España de Bill Brandt, uno de los fotógrafos europeos más importantes del siglo XX. En la segunda sala se presentan por primera vez las obras de Paul Strand pertenecientes a la colección de la Fundación, la más extensa fuera de Estados Unidos del artista impulsor de la Straight photography. La Fotografía directa fue un movimiento en el que se buscaba reivindicar la fotografía como medio artístico, sin intervenir o preparar el tema a representar en las imágenes.

Nacionalizado inglés, Bill Brandt abandonó su Alemania natal huyendo del auge del nazismo. Al igual que hizo Brassaï en su 'Paris de nuit' (1932), fascinado por Londres Brandt recorrió sus calles para su trabajo 'A Night in London'. Y cuando comenzó la guerra retrató a los británicos durmiendo en el metro donde la población se resguardaba de los bombardeos.

Paul Strand se destacó por su compromiso social. En pleno macartismo, cinco años después de que el MoMA le dedicara una gran exposición, abandonó Estados Unidos para autoexiliarse en Francia. Inspirador para el gran Walker Evans, las fotografías positivadas por el propio Strand de Nueva York, México, Ghana, Marruecos o Francia se mezclan en una muestra que abarca géneros tan diversos como el reportaje social, retrato, desnudo y paisaje. Sin olvidar el surrealismo, movimiento con el que entra en contacto durante su estancia en París en la década de 1930.

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Centro KBr de la Fundación MAPFRE.

Enlace de interés

Otras actividades del KBr.

Fotografías ‘Blind woman’ (1916), de Paul Strand y ‘Estación de metro de Elephant and Castle’ (1940), de Bill Brandt.

El sueño americano: del pop a la actualidad

CaixaForum Madrid presenta una exposición que reúne a los artistas del American Dream.

Un viaje a los Estados Unidos de mitad del siglo XX a través de las obras de Andy Warhol o Louise Bourgeois, entre otros, donde los convulsos cambios sociales y políticos propiciaron una nueva visión artística que encumbró el arte gráfico.

Con la aparición de una joven generación de artistas norteamericanos en los años sesenta dispuestos a explorar el potencial expresivo del grabado, este pasa de ser un técnica marginal a estar en el propio centro del interés y de la producción de las bellas artes, convirtiéndose no solo en una forma artística crítica sino también en una vía para tratar cuestiones tanto sociales como políticas.

El arte gráfico proporciona una perspectiva fresca y diversa de cómo los artistas vieron este periodo de profundos cambios en Estados Unidos: los derechos civiles, la Guerra Fría, la carrera espacial, la guerra de Vietnam, la música rock y la contracultura, los movimientos feministas o el cuestionamiento del sueño americano por la creciente desigualdad entre ricos y pobres. ‘El sueño americano: del pop a la actualidad’ ofrece una visión general del desarrollo del arte gráfico en Estados Unidos desde 1960 hasta nuestros días, en la que se dedica especial atención a las figuras clave de su historia, como Andy Warhol, Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg. La muestra, con obras provenientes mayoritariamente de la colección del British Museum, incluye piezas de todas las tendencias artísticas que han tenido lugar a lo largo de estos años y hace hincapié en cómo los artistas se animaron a crear obra gráfica de una ambición, escala y osadía sin precedentes.

Esta exposición, organizada con la colaboración del British Museum, recoge obras de grandes artistas norteamericanos como Roy Lichtenstein, Richard Estes, Robert Rauschenberg, Edward Ruscha, Donald Judd, Jasper Johns, Chuck Close, Louise Bourgeois,  Andy Warhol y Willem de Kooning.    

Desde el 8 de octubre en CaixaForum Madrid ‘El sueño americano. Del pop a la actualidad’.

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Actividades alrededor de la exposición en CaixaForum Madrid.

Fotografía 92 Grant´s from Urban Landscapes, 1972 © Richard Estes

Futures Photography 2020

PHotoESPAÑA ha seleccionado este año a cinco artistas que trabajan la fotografía desde diferentes perspectivas.

La exposición Futures Photography 2020 reúne el trabajo de los cinco artistas seleccionados por PHotoESPAÑA para sumarse este año a la plataforma europea Futures, formada por un centenar de artistas emergentes y doce instituciones internacionales.

La plataforma está cofinanciada por el Programa Europa Creativa de la Unión Europea e incorpora nuevos miembros cada año. Junto con PHotoESPAÑA, actualmente cuenta con instituciones como la British Journal of Photography (Reino Unido), CAMERA (Italia), Hyères Festival (Francia) o FOMU (Bélgica).

Los artistas emergentes asumen riesgos a la hora de explorar nuevas ideas y conceptos, y trabajan desde perspectivas frescas y desconocidas. Dedicada a la fotografía, la plataforma Futures tiene como objetivo aumentar la visibilidad y proyección internacional de estos artistas y darles movilidad mediante recursos y programas propios para que tengan acceso a la gran red que la compone, formada por reconocidas instituciones de toda Europa, entre las que se encuentran festivales, editoriales y museos.

Los artistas seleccionados en esta edición son: Bernardita Morello (Buenos Aires, 1984), presenta el proyecto ‘Roma’, en el que se recrea en la belleza de lo cotidiano. Mar Sáez (Murcia, 1983), retrata en su proyecto ‘Gabriel’ la transición física de Gabriel y los paisajes que han sido testigos de ella durante seis años. Ire Lenes (Madrid, 1981), investiga en ‘Archipiélagos’ sobre las minorías étnicas de Lituania tras su independencia de la Unión Soviética. Ruth Montiel Arias (A Coruña, 1977), reflexiona en ‘Bestiae’ sobre la dominación animal a través de la caza, un proyecto de gran fuerza visual entre lo poético y lo documental. Jon Gorospe (Vitoria, 1986), muestra en ‘Polished cities’ el arquetipo de la ciudad contemporánea, donde parece que esa humanidad tan anhelada acaba diluyéndose.

Los cinco proyectos muestran el gran potencial de la fotografía más reciente en España y de su capacidad para experimentar y ampliar nuevas narrativas.

La exposición se puede ver en el Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta el 22 de noviembre de 2020.

Más información

Círculo de Bellas Artes.

Fotografía Archipiélagos © Ire Lenes