Premios Street Photography 2021

La plataforma LensCulture anuncia la convocatoria de la séptima edición de sus Street Photography Awards.

“Fotografía el mundo tal y como es. Nada es más interesante que la realidad.” Mary Ellen Mark.

LensCulture es uno de los recursos más completos y de mayor alcance para descubrir el talento de la fotografía contemporánea en las nuevas tomas y perspectivas de los fotógrafos de todo el mundo.

Durante 16 años, LensCulture se ha comprometido en ayudar a los fotógrafos de todos los niveles a dar un paso más en sus carreras, tanto en lo creativo como en lo profesional. En todo ese tiempo, la organización de estos premios ha recibido el agradecimiento de cientos de fotógrafos que han conseguido grandes logros gracias a su participación en la comunidad LensCulture.

El motor de esta agrupación en línea lo compone un pequeño grupo de personas dinámicas que le dan vida a través de una compartida pasión por la fotografía. Como corporación contemporánea online, este equipo se distribuye por todo el mundo. Muchos de sus integrantes se mantienen activos dentro de esa comunidad fotográfica internacional como curadores, diseñadores, revisores de portfolios, escritores, educadores, consultores y, por supuesto, fotógrafos.

A lo largo de estos años han conseguido una audiencia global online de más de tres millones de fotógrafos de 160 países a los que ofrecen la oportunidad para tener éxito en sus carreras mediante los premios de fotografía, exposiciones en importantes ciudades, proyecciones en festivales, y libros.

Con su revista online, reseñas de envíos y sus guías descargables gratuitas, su objetivo es ser un lugar de inspiración fotográfica, consejos y recomendaciones para la comunidad. El reconocimiento y la exposición son esenciales para que los fotógrafos de todos los niveles avancen de manera creativa y profesional, y en esta creencia sustentan sus continuos esfuerzos para compartir, celebrar y recompensar la gran fotografía.

Inesperada y cotidiana, natural y de cuidada composición, la fotografía callejera está repleta de contradicciones; es un género en el que los encuentros fortuitos están a la vuelta de cualquier esquina. Y en lo inesperado de ese día a día, en la espontaneidad y la toma decidida de imágenes, ese instante puede ser decisivo para revelar las fugaces maravillas de esta disciplina fotográfica.

Los Street Photography Awards incluyen para los galardonados una exposición en Nueva York, cobertura mediática, proyecciones en festivales internacionales de fotografía, premios en efectivo y más. LensCulture organizará una ceremonia de inauguración para los fotógrafos, medios invitados, editores fotográficos y expertos del sector, que disfrutarán de una noche de arte y networking.

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LensCulture.

Fotografía ‘Matador’ © Fernando Torres

La Amazonía de Sebastião Salgado

Durante seis años, Sebastião Salgado viajó por la Amazonía brasileña fotografiando la belleza de esta extraordinaria región del planeta.  

En su viaje por este insustituible tesoro de la humanidad, el fotógrafo Sebastião Salgado recorrió el frondoso bosque, el caudaloso río y sus afluentes, y las montañas, visitando una docena de tribus indígenas que viven en pequeñas comunidades repartidas por la selva tropical más grande del mundo. 

Salgado ha documentado la vida cotidiana de la gente que vive allí y cómo son sus cálidos lazos familiares; su caza y pesca, la manera en que preparan y comparten las comidas; su sorprendente talento para pintarse el rostro y el cuerpo, sus danzas y rituales y la importancia de sus chamanes. En definitiva, el modus vivendi de las poblaciones Yanomami, Asháninka, Kuikuro, Kamayurá, Macuxi, Yawanawá, Korubo, Awá, Marubo, Suruwahá, Waurá y Zo'é.

Con todo ese magnífico material, recogido a lo largo de seis años, Salgado ha producido el libro ‘Amazonía’ (Ed. TASCHEN). Una obra que el fotógrafo dedica a los pueblos indígenas de la región amazónica de Brasil.

“Mi deseo, con todo mi corazón, con toda mi energía, con toda la pasión que poseo, es que dentro de 50 años este libro no se parezca al registro de un mundo perdido. La Amazonia debe seguir viviendo”. Sebastião Salgado.

En el prólogo del libro, Salgado escribe: “Para mí, es la última frontera, un misterioso universo propio, donde el inmenso poder de la naturaleza se puede sentir como en ningún otro lugar de la tierra. Aquí hay un bosque que se extiende hasta el infinito que contiene una décima parte de todas las especies de plantas y animales vivos, el laboratorio natural más grande del mundo”.

Salgado continúa realizando un trabajo social y activista para garantizar el valioso legado y la supervivencia de la Amazonía para las generaciones venideras.

Fotografía Amazonía © Sebastião Salgado

‘Las huellas de la esperanza’

Una muestra con fondos de la Colección de Fotografía Alcobendas nos invita a reflexionar sobre la condición humana con sus luces y sus sombras.

En esta exposición, que forma parte de la Sección Oficial del Festival PHotoESPAÑA 2021, participan fotógrafos de la talla de Gervasio Sánchez, Carlos de Andrés, Juan Manuel Díaz Burgos o Antonio González Guirao.

El ser humano tiende a fijarse en los errores. Ello nos permite mejorar. Pero ciertamente esta especie, perdida en la duda, rodeada de interrogantes, y que habita un pequeño planeta, se distingue por saber que va a morir, por ser generosa y sentirse concernida.

La vida se compone de pequeñas imágenes, palabras, silencios. Los seres humanos, con una gran capacidad para imaginar, nos sabemos vulnerables. Y en esa paradoja de lo que somos, y de lo que percibimos pudiéramos llegar a ser, resultamos capaces de lo mejor y de lo peor.

Hemos de mirar y disfrutar de la belleza, de lo que nos reúne. Y es que nosotros, que sabemos que somos efímeros, nos aferramos a lo que tanto criticamos, que es la vida, la única que, por ahora, conocemos. Por todo lo antedicho y mucho más que cada uno aportará, tiene todo el sentido una exposición que nos hace pararnos, reflexionar y agradecer.

La exposición ‘Las huellas de la esperanza. Colección de Fotografía Alcobendas’ se podrá visitar hasta el  próximo día 7 septiembre de 2021.

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Centro de Arte Alcobendas.

Fotografía ‘El baile’ (1993) © Carlos de Andrés

Las fotografías de la Colección Walther

Dentro del Festival PHotoEspaña 2021, el Círculo de Bellas Artes presenta la muestra ‘Eventos de lo Social. Fotografía africana en The Walther Collection’. 

Se trata de una de las más importantes colecciones de fotografía y arte visual de artistas africanos o afrodescendientes, que incluye un gran número de obras modernas, contemporáneas, fotografía del siglo XIX de Europa y África, e imágenes nativas.

Entre las obsesiones del coleccionista Arthur Walther está la fotografía vernácula, imágenes cotidianas propias de álbumes familiares de los que se encuentran en los flea markets o los que venden los dealers especializados. En su colección encontraremos diferentes series que, con independencia de la autoría, el estilo, el momento y el lugar en que fueron tomadas, las fotografías nos hablan de una identidad.

De los retratos hechos con daguerrotipo, en un tiempo en que la fotografía se empleaba con un fin científico y policial como es la serie de Thomas Cunningham; los retratos de August Sander, que con la serie ‘Hombres del siglo XX’ buscaba retratar los oficios con cierta objetividad, a la fotografía como herramienta para retratar juegos y escenas de la intimidad, esta institución alemana es una fundación de arte dedicada a la comprensión crítica de la fotografía histórica y contemporánea y la de otros medios relacionados con la imagen.

La Colección Walther tiene como objetivo resaltar el uso social de la fotografía y difundir la historia de este medio en todo el mundo. Durante los últimos diez años, esta fundación se ha configurado en torno al diálogo con fotógrafos, académicos y comisarios internacionales. En particular, y desde su exposición inaugural, con el recientemente fallecido Okwui Enwezor, cuya lectura de la colección supuso también su definición como espacio de significación en el que mostrar, descubrir y estudiar la fotografía, en particular la africana. Y no solo se centra en el continente y su diáspora, sino que es capaz de demostrar una realidad mundial, humana, histórica y geográficamente heterogénea, donde aparecen rasgos comunes como la formulación de una nueva identidad cultural de la que se consideran narradores al tiempo que protagonistas.

La narración de ese complejo imaginario tuvo en el arte y en la fotografía y su exhibición en museos, colecciones y otros formatos expositivos, una plataforma excepcional para la reapropiación de dicha subjetividad, que a partir de entonces se convertirá en un elemento de análisis crítico.

‘Eventos de lo Social. Fotografía africana en The Walther Collection’. Del 2 de junio al 22 de agosto de 2021.

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Círculo de Bellas Artes.

Fotografía ‘Crossing, Between Eloff and Bree Street’ (2008) © Sabelo Mlangeni. The Walther Collection

Margaret Watkins. Black Light

Finaliza la exposición homenaje a la fotógrafa Margaret Watkins, cuya trayectoria artística representó un desarrollo gradual entre el pictorialismo y el modernismo de vanguardia.

La retrospectiva Margaret Watkins. Black Light, producida por diChroma Photography, se ha presentado por primera vez a nivel mundial en la sala Kutxa Kultur Artegunea de Tabakalera, en San Sebastián, para dar visibilidad a la obra de esta pionera en la Historia de la Fotografía que indudablemente contribuyó a forjar, trazando así el camino para que otras mujeres pudieran seguir sus pasos y continuar.

A pesar de no ser muy conocida hoy en día, el nombre de Margaret Watkins (Canada, 1884 - Escocia, 1969) se codea con figuras clave de la fotografía y el arte, como Clarence H. White, Gertrude Käsebier, Alice Boughton, Margaret Bourke-White, Alfred Stieglitz o Georgia O’Keeffe.

Como fotógrafa, Margaret Watkins iniciaría su aprendizaje en el ámbito de la fotografía pictórica de la mano de Clarence H. White, fotógrafo amigo de Alfred Stieglitz y profesor de fotografía estadounidense que fue uno de los principales exponentes del pictorialismo. Pintor antes que fotógrafo, White también tendría como alumnos a Margaret Bourke-White, Dorothea Lange, Ralph Steiner, Doris Ulmann y Paul Outerbridge. Entre las técnicas que enseñaba y animaba a usar entre sus alumnos estaban la platinotipia, el virado al sepia, la goma bicromatada y otras propias del pictorialismo. No ajustándose únicamente a la técnica y la teoría, White destacó como profesor por alentar a sus alumnos a experimentar por sí mismos a través de la práctica.

La trayectoria de Watkins como fotógrafa independiente es excepcional y continuaría consolidándose durante la década de 1920, anticipando una estética vanguardista del diseño gráfico que ya se había extendido por toda Europa y cuyo origen se remontaba a la Bauhaus. En 1923, el Art Center de Nueva York celebra una importante exposición que contribuye aún más al auge y notoriedad que ha ido adquiriendo su trabajo y la visibilidad que le han proporcionado otras exposiciones colectivas e individuales.

Sin embargo, la repentina muerte de White en 1925 marca el comienzo del declive de su carrera, que termina en 1928 con su partida apresurada hacia Europa para visitar a sus tías en Glasgow, donde deberá quedarse finalmente a cuidar de ellas. Visita otras ciudades de Europa y Rusia a principios de la década de 1930, donde toma nuevas imágenes en las que demuestra su capacidad de anticipar las grandes revoluciones estéticas y conceptuales que vendrían después. Atrapada por los acontecimientos históricos, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Watkins abandona cualquier intento de seguir con su carrera.

Margaret Watkins colaboró con grandes agencias de publicidad como Condé Nast, Reimers y Osborn Inc. Advertising o la Agencia Fairfax, y publicó regularmente en revistas de gran tirada, como The New Yorker, Country, o Ladies’ Home Journal, que ya en 1904 fue la primera revista estadounidense en tener un millón de suscripciones​. Al mismo tiempo que lo compaginaba con su labor como profesora en la Clarence H. White School de Nueva York.

Más información

Kutxa Kultur Artegunea.

NOTA: La exposición viaja ahora a Madrid para continuar dentro de la programación del espacio CentroCentro, del 9 de junio hasta el 26 de septiembre de 2021.

Fotografía  ‘Untitled’ (1915) © Margaret Watkins

Gerardo Vielba, el genio renovador

La Sala Canal de Isabel II muestra un recorrido por la producción del fotógrafo Gerardo Vielba. 

Figura clave en el progreso de la fotografía en España, Gerardo Vielba es conocido tanto por su obra gráfica como por sus escritos. En el campo de la teoría y la crítica sus artículos se distinguen por su sensibilidad y aguda capacidad de análisis, pero, sobre todo, por la amplitud de miras con que llegó al fondo y la forma de los más variados estilos fotográficos, sacando a la luz sus valores, incluso de los de aquellos más alejados de su personal concepción de la estética fotográfica.

Considerado como uno de los grandes renovadores de la fotografía, también como conferenciante prolífico Vielba recorrió gran parte del territorio nacional difundiendo la historia de la fotografía y mostrando la capacidad de esta para ser, no sólo un medio de comunicación, sino sobre todo una forma de expresión plástica.

La exposición monográfica, ‘Gerardo Vielba, fotógrafo, 1921-1992’, se compone de 120 obras en blanco y negro que evidencian la fuerza creativa de Vielba, patente en sus imágenes más conocidas y merecedoras de importantes premios, como son el Perutz Internacional (1960) o el Premio Nacional de Bellas Artes (1962). Para esta muestra, que se podrá visitar desde el 19 de mayo al 25 de julio, también  se han rescatado del archivo familiar otras muy valiosas e inéditas, entre ellas las que realizó durante su estancia en París en 1962.

Empeñado en la difusión de la fotografía, Gerardo Vielba pasó gran parte de su vida defendiendo y poniendo en valor la fotografía, tantas veces maltratada en nuestro país, a través de su compromiso total con la renovación del género, especialmente en los años cincuenta y sesenta, y no solo a nivel teórico, sino también en la práctica. Desde 1964 hasta su fallecimiento fue presidente de la Real Sociedad Fotográfica.

Su producción se encuadra en la llamada “Escuela de Madrid” junto con la de fotógrafos como Cualladó, Ontañón, Gómez, Masats y otros. Estos fotógrafos, aún desde enfoques y estilos diferentes, introdujeron una nueva forma de expresión directamente dirigida a explorar al ser humano, plasmando su realidad individual y social. Dentro de estos planteamientos, la obra de Vielba se caracteriza por la serena elegancia en el encuadre y por la penetración intimista y cómplice en los motivos y personajes.

Vielba reunió a su alrededor a una serie de fotógrafos que utilizaban la cámara como medio de expresión, en un país carente de estructura para la promoción de una disciplina que todavía no era considerada arte.

Más información

Sala Canal de Isabel II.

Enlace de interés

“Desde la luz. Gerardo Vielba, fotógrafo, 1921-1992”. 

Fotografía ‘Veraneo. Santander, 1960’ © Gerardo Vielba

‘Carole Roussopoulos, cámara en mano’

El Institut français presentó ayer en Madrid un ciclo sobre la directora suiza pionera del vídeoreportaje.

“Lo que me importa es la palabra de los demás, la que nunca escuchamos”. Carole Roussopoulos.

Carole de Kalbermatten, más conocida como Carole Roussopoulos (Lausana, 1945 - Sion, 2009), creció en el Valais y se trasladó a París en 1967. En el año 1969 junto a su marido, Paul Roussopoulos, crean un colectivo de cine llamado Video Out. En 1970, por la insistencia de su amigo, el autor Jean Genet, adquiere una cámara liviana Sony Portapak y empieza a rodar documentales.

Feminista reconocida por sus primeras películas documentales sobre el Movimiento de liberación de las mujeres en Francia, realizaría aproximadamente 150 documentales durante toda su carrera. En 1976, Roussopoulos comienza a colaborar con la actriz francesa Delphine Seyrig. Juntas dirigieron ese mismo año el documental sobre los derechos de las mujeres titulado SCUM Manifesto, basado en el SCUM Manifesto escrito por la feminista radical Valerie Solanas.

Carole Roussopoulos se definía como una escritora pública, que utilizaba el vídeo para dar voz a las personas que suelen ser silenciadas, poco o mal escuchadas. El feminismo fue para ella el mayor de los humanismos, lo que la llevó a abordar un amplio abanico de cuestiones sociales. A lo largo de los años 70, acompañó, cámara en mano, muchas luchas: las de los palestinos y los Panteras Negras, las luchas feministas y obreras, las de las trabajadoras sexuales, el frente de acción revolucionaria homosexual, etc.

En el año 1970, filmó la película documental Genet parle d'Angela Davis sobre la activista política norteamericana Angela Davis. Durante el principio de su carrera, Roussopoulos también presenció y filmó acontecimientos claves en las cruzadas de derechos humanos en París. Por ejemplo, su película de 1971 FHAR (Frente Homosexuel d'Acción Révolutionnaire) documenta el primer desfile por los derechos gay en París.

En 1982, funda junto a Delphine Seyrig y Ioana Wieder el Centro audiovisual Simone de Beauvoir, nombrado así en referencia a la prominente autora feminista y filósofa francesa, con el objetivo de documentar audiovisualmente el movimiento de derechos de las mujeres.

En 1995 Roussopoulos se mudó de nuevo a Suiza para documentar temas suizos que ella sentía que no estaban recibiendo la suficiente atención. Durante este tiempo hizo una serie de películas sobre el cuidado de la salud, enfermedad, envejecimiento y muerte. En 2001 sería nombrada Chevalier de la Légion d'honneur en Francia por sus treinta y dos años de servicio cinematográfico.

En 2009, pocos meses antes de morir, Roussopoulos decidió hacer un documental que mostrara la colaboración con Delphine Seyrig. No pudo terminarlo, y en 2018 Callisto McNulty retomó la idea con el documental ‘Delphine et Carole, Les Insoumuses’ estrenado en la Berlinale y programado después en el festival de San Sebastián en su sección Zabaltegi - Tabakalera.​

Más información

Institut français Madrid.

Fotografía Carole Roussopoulos © Camille Cottagnoud