La fotografía social de August Sander

El Círculo de Bellas Artes presenta en Madrid ‘Gente del siglo XX’, una exposición del alemán August Sander organizada por el centro de arte Die Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur, en colaboración con la institución museográfica pública La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona.

‘Gente del siglo XX’ (Menschen des 20 jahrhunderts) se nos muestra ahora gracias a este centro cultural alemán con sede en Colonia que es quien custodia, administra e investiga el gran legado del fotógrafo Augus Sander. El archivo de esta institución cuenta con más de 10.500 negativos y 5.500 impresiones originales de Sander, además de alrededor de 30.000 obras de otros grandes fotógrafos de distintas nacionalidades.

Hijo de un carpintero, August Sander nació en 1876, en una comunidad agrícola y minera al este de Colonia. Su introducción a la fotografía se produjo mientras trabajaba como un joven aprendiz en las minas, cuando un fotógrafo de paisajes visitante le pidió al niño que le sirviera de guía. A pesar de sus antecedentes provinciales, Sander se involucró con muchas de las ideas artísticas de vanguardia de su época, entre ellas la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), un movimiento dirigido por su amigo, el pintor Otto Dix, que abogó por un retorno al realismo y comentario social en el arte.

Si bien están centrados en una época y en un contexto geopolítico muy definidos, los retratos de August Sander se pueden examinar desde una perspectiva más amplia, pues se diría que constituyen un panóptico acerca de la condición humana. Este proyecto personal ocupó a Sander durante unos 40 años, desde principios de la década de 1920 hasta su muerte, durante el cual tomó retratos de cientos de ciudadanos alemanes y luego los clasificó por su clase social y ocupación: agricultores, artistas de circo, prósperos empresarios, aristócratas, etc.

Aunque los nazis confiscaron la primera publicación de la obra de Sander, y la mayoría de sus negativos fueron destruidos por el fuego, sobrevivieron aproximadamente 1.800 negativos de retratos para ‘Gente del siglo XX’, así como las notas de Sander, que junto con los grabados antiguos existentes, han proporcionado la base para la reconstrucción actual del ambicioso plan de Sander en forma de libro y exposición.

Más información

August Sander: Fotografías de “Gente del siglo XX”.

Enlace de interés

Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur.

Fotografía ‘Three Farmers on the way to a Dance’, (1913) © August Sander 

Los derroteros de Peter Kaldheim

Fundación Telefónica acogió ayer en su espacio cultural al escritor y editor norteamericano Peter Kaldheim con motivo de la presentación de su libro ‘El viento idiota’.

Las memorias de este autor han supuesto una de las sorpresas editoriales del año. Se trata del debut literario que Kaldheim celebra a sus 70 años de edad. El relato autobiográfico de un hombre que llegó a tocar fondo debido a su adicción a las drogas. El infierno que padece alguien al que su imperiosa necesidad de consumir la sustancia de su perdición le causó el verse amenazado de muerte el mismo día que, en 1987, a la fría ciudad de Nueva York la sacudía sin clemencia una tormenta de nieve. 

Ese fue el punto de inflexión para Kaldheim, que sintió en su profundo fuero interno que la única salida para todo aquello era la huida. Escapar de allí, con apenas 40 dólares en el bolsillo como único equipaje, dejando atrás su prometedora carrera como editor, un feliz matrimonio… y todos los errores cometidos hasta entonces, iniciando un viaje en autostop por Estados Unidos de costa a costa. 

  

Elogiado por la crítica anglosajona por su sinceridad y sus reminiscencias a Jack Kerouac, lo relatado en ‘El viento idiota’ es la historia real de un hombre que encontró la forma de superar la tragedia para comenzar una nueva vida. Sin magnificar ni hacer apología de la droga, las memorias de Peter Kaldheim ensalzan la empatía que se da entre aquellos que perdidos vagan por inciertos derroteros, así como una celebración de las segundas oportunidades que la vida a veces brinda. Kaldheim describe en ‘El viento idiota’ un país a ras de asfalto, una época y lugares que pocas veces han sido referidos tan emotivamente.

En ese camino hacia una nueva vida reflexiona sobre las razones que lo llevaron de una prometedora carrera en el mundo de la edición a ingresar en la prisión de la Isla Rikers, la prisión más amarga de la Costa Este. Una de las cárceles de máxima seguridad de los Estados Unidos, ubicada en un pedazo de tierra entre los condados de Queens y del Bronx, en el East River.

“Si alguna vez, aunque solo fuese por un segundo, llegaste a fantasear sobre abandonarlo todo y echarte a la carretera para empezar una nueva vida en otra parte, muy probablemente, este relato de lo que me pasó cuando decidí desaparecer del mapa, te va a parecer esclarecedor y, en ocasiones, hasta cómico”. Peter Kaldheim.

Kaldheim estudió literatura inglesa en la prestigiosa Universidad de Dartmouth y desarrolló una breve pero intensa actividad editorial en el Nueva York de los años 70 y 80, hasta que su adicción a la cocaína acabó con todo.

‘Idiot wind’, Bob Dylan. Canción que inspiró el título original del libro: Idiot Wind: A Memoir.

MyFrenchFilmFestival 2020

Desde el 16 de enero hasta el 19 de febrero, Unifrance Films presenta las novedades de la décima edición del MyFrenchFilmFestival, el festival de cine francés online que en esta ocasión preside el realizador estadounidense Ira Sachs.

Un año más, este festival que contó 10 millones de visionados registrados en 200 territorios en 2019, nos ofrecerá en su décima edición la oportunidad de descubrir lo mejor del joven cine francófono. Una selección de 10 cortometrajes y 10 largometrajes entran en competición, pero habrá más sorpresas. 

Serán en total 28 largometrajes y cortometrajes, así como tres películas en realidad virtual, todo ello subtitulado en 10 idiomas y disponible en más de sesenta plataformas en todo el mundo.

El Jurado 2020 está formado por el cineasta americano Ira Sachs, que ha dirigido a Isabelle Huppert en la película ‘Frankie’, seleccionada en competición en el Festival de Cannes del 2019.

La actriz francesa Agathe Bonitzer, que en 2019 trabajó tanto en la serie ‘Osmosis’, como en la película ‘Blonde Animals’, dirigida por Maxime Matray y Alexia Walther, como en la película ‘Les Enfants d'Isadora’, dirigida por Damien Manivel, y premiada en el pasado Festival de Locarno con el Leopardo a la mejor dirección.

Jayro Bustamante, director nacido en Guatemala, cuyo segundo largometraje, ‘Temblores’, fue presentado en la Berlinale y su tercera película, ‘La Llorona’, ha sido seleccionada en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia.

El director y actor americano Brady Corbet, cuyo segundo largometraje, ‘Vox Lux’, fue presentado en la Mostra de Venecia en 2018.

Judith Davis, actriz y directora francesa, trabaja tanto en cine como en teatro. En 2018, dirigió e interpretó el papel principal en el largometraje ‘Tout ce qu'il me reste de la révolution’.

Y la directora de cine de animación de la República Checa, Michaela Pavlatova, ganadora del Oso de Oro en 1995 por su cortometraje ‘Repete’.

Más información

MyFrenchFilmFestival.com

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Cartel de la 10ª edición del festival © Sébastien Plassard

Centenario de la Bauhaus de Walter Gropius

Este año se celebró el aniversario de la fundación de la Staatliche Bauhaus de Walter Gropius.

No podíamos dejar pasar este 2019 sin recordar que ha sido el año en que se cumple un siglo de la fundación de esta emblemática institución que tuvo inicialmente su sede en Weimar (Alemania), y por ende, del importante movimiento artístico multidisciplinar que se originaría en 1919 consiguiendo después una transcendencia universal.

La Staatliche Bauhaus, cuya traducción literal sería ‘Casa de la Construcción Estatal’, más conocida simplemente como Bauhaus, fue la escuela de arte, diseño y arquitectura que nacía por iniciativa del arquitecto y diseñador alemán Walter Gropius. Y que por desgracia cerrarían las autoridades prusianas por mandato del Partido Nazi, para los que las obras que allí se produjeron en aquellos primeros años de existencia no eran otra cosa que Entartete kunst, es decir, ‘Arte degenerado’.

Pese a su nombre y a que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo en sus inicios un departamento de arquitectura. Su propuesta y declaración de intenciones fundacional anunciaban una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas en la que se basaría la gran transformación de la sociedad burguesa de la época, de manera consecuente con el pensamiento socialista de su precursor. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la segunda (1923-1925), mucho más racionalista, y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con el traslado de la escuela de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde la orientación de su programa de enseñanza cambió sustancialmente.

En un principio la Bauhaus no contempló una sección fotográfica, pero ya en 1923 se le encargó el taller de metales al fotógrafo y pintor húngaro László Moholy-Nagy, que introduciría entonces la fotografía como un nuevo medio de expresión artística. Moholy-Nagy ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Bauhaus, donde enseñó la técnica del fotomontaje, el montaje lumínico, la foto escultura y el collage abriendo vías en este campo. En el marco de la expresión fotográfica, Moholy-Nagy promovió la exploración de nuevas formas más que nuevos temas. 

Una de las innovaciones esenciales de esta escuela fue sin duda la de haber asociado de manera sistemática el arte con sus posibles aplicaciones, ya fueran documentales, decorativas o publicitarias. En la escuela de la Bauhaus estudiaron grandes fotógrafos como Herbert Bayer, Lucía Moholy-Nagy, Walter Peterhans, Horacio Coppola, Florence Henry, Grete Stern y Ellen Auerbach, entre otros.

En 1933 la escuela de arte y diseño más grande del mundo fue clausurada por el gobierno de Hitler, para quien la Bauhaus era una fábrica de arte decadente y subversivo.

Fotografía La vida en la Bauhaus: hijos e hijas de los maestros de la Bauhaus en la terraza de una de sus viviendas, Dessau, 1927 © Ise Gropius. Bauhaus-Archiv, Berlín.

Fotógrafos en Roma, un viaje iniciático

Desde el pasado 16 de diciembre y hasta el 19 de enero, la sala Frida Kahlo de Casa de América acoge una exposición que reúne una selección de obras de algunos de los fotógrafos españoles contemporáneos más reconocidos por su calidad artística y que son o han sido becarios en la Real Academia de España en Roma.

Esta exposición pretende mostrar qué se está haciendo actualmente en España en el ámbito de la fotografía, con instantáneas realizadas por artistas como Paula Anta, Juan Baraja, Julio Galeote, Naia del Castillo, Nicolás Combarro, Germán Gómez, Begoña Zubero, David Jiménez, Aitor Lara, José Guerrero, Jesús Madriñán, Fernando Maquieira, Jorge Yeregui y José Noguero.

Asimismo, la exposición nos revela el inicio de esta disciplina en la Real Academia de España en Roma con las emprendedoras fotografías que realizaron Gregorio Prieto y Eduardo Chicharro, los primeros artistas de esta institución que abordaron la fotografía entre 1920 y 1930.

Este iniciático viaje a Roma parte de catorce de las singulares fotografías escenificadas que el pintor Gregorio Prieto (Valdepeñas 1897-1992) realizó junto con Eduardo Chicharro (Madrid, 1905-1964) como parte de una larga serie en las que Prieto era siempre el personaje y Chicharro el “guionista”.

Las restantes obras que se exhiben en la exposición corresponden a los catorce artistas contemporáneos citados, que ofrecen al público una interesante colección de heterogéneas propuestas visuales. Todos estos creadores forman un grupo de fotógrafos que hoy constituyen la primera línea de la fotografía española.

La exposición ‘El viaje a Roma. Fotógrafos becarios en la Real Academia de España en Roma’ del Centro Niemeyer, comisariada por Rosa Olivares, la componen obras de la colección de la Academia de España como parte del programa ‘Enredados’ de la Red de Centros Culturales de España en el exterior (CCE).

Por otra parte, la muestra recuerda al público que en Roma sigue existiendo un lugar mágico que forma y enriquece a artistas españoles y, por ende, al arte español.

Más información

Página web de Casa de América.

Enlace de interés

Academia de España en Roma.

El jazz fusion de Mike Stern y Jeff Lorber

JAZZMADRID, uno de los mejores certámenes europeos de jazz que se celebra estos días en la capital, contó anoche con la actuación de Mike Stern y Jeff Lorber.

Este otoño regresa de nuevo el jazz a Madrid y en esta ocasión el ya consolidado festival nos ofrece la actuación de una leyenda de la guitarra como es Mike Stern, que además viene acompañado de Jeff Lorber (piano y teclados), Jimmy Haslip (bajo eléctrico) y Dennis Chambers (batería) para afianzar un auténtico poker de ases al que se unió en algún que otro tema Leni Stern (ngoni y guitarra).

Mike Stern (Boston, 1953) formó parte de la banda de rock Blood, Sweat & Tears, icono del llamado jazz rock, que fusionaba rock, blues, pop y jazz a través de complejos arreglos pensados para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento. ‘BS&T’, junto al grupo Chicago, fueron lo más representativo de lo que vino en llamarse las Big Bands de Rock.

Pero el historial musical de Mike Stern es profuso, pues más tarde, desde 1981 a 1985, ingresaría en la formación de Miles Davis; después en la banda Steps Ahead, los grupos de Billy Cobham y David Sanborn, o los Brecker Brothers. También ha participado en otros trabajos con grandes músicos como Stan Getz, Jaco Pastorius, Joe Henderson, Jim Hall, Pat Martino, Tom Harrell, Arturo Sandoval, Tiger Okoshi, Bob Berg o Eric Johnson.

Para el concierto que ofreció en JAZZMADRID, se hizo acompañar de la brillante técnica, energía y solidez de la batería de Dennis Chambers, un todoterreno que ha tocado con John Scofield, Steely Dan, John McLaughlin o Carlos Santana, entre otros; el compás rotundo del bajo eléctrico de Jimmy Haslip, alumno aventajado de Jaco Pastorius y un entusiasta del bajo fretless (sin trastes), la lista de sus colaboraciones es muy larga: Larry Carlton, Robben Ford, David Sanborn, Gino Vanelli, Lee Ritenour, Pat Metheny o Branford Marsalis son sólo algunos ejemplos. Y por supuesto el sonido sofisticado de Jeff Lorber a los teclados con aderezos del funk, del rock y del jazz fusion. Creador del proyecto Jeff Lorber Fusion y solicitado músico de sesión, fue alumno destacado de la prestigiosa Berklee College of Music de Boston al igual que Stern y Chambers.

Más información

Festival JAZZMADRID.

Enlaces de interés

Mike Stern.

Jeff Lorber.

Jimmy Haslip.

Dennis Chambers.

Leni Stern.

Fotografía Mike Stern & Jeff Lorber Fusion 

Steve McCurry, Leica y Fundación Telefónica

El mítico fotógrafo Steve McCurry viene a Madrid gracias a Leica Camera y a la Fundación Telefónica.

El nombre del gran fotoperiodista estadounidense Steve McCurry (Philadelphia, 1950) está ligado a innumerables e icónicas fotografías, pero sin duda la más conocida de todas ellas sea la del retrato de la niña afgana de la etnia pashtun a la que volvió a retratar 17 años después. La célebre primera toma de la niña de doce años llamada Sharbat Gula, que realizó en junio de 1984 en el campo de refugiados de Nasir Bagh, durante la Guerra de Afganistán, fue portada de la revista National Geographic.

Steve McCurry comenzó su carrera como fotógrafo documentalista internacional en la guerra afgano-soviética (1978-1992). Para pasar inadvertido y poder realizar las fotografías se disfrazó con las vestimentas regionales. Los carretes de película que disparó los sacó del país cosidos entre la ropa. Sus imágenes se contaron entre las primeras que mostraron al mundo aquel conflicto y tuvieron una gran difusión. Ese trabajo le valió la Robert Capa Gold Medal al mejor reportaje fotográfico en el extranjero, y fueron publicadas en The New York Times, TIME y Paris Match. Por aquellos años también cubriría otros conflictos bélicos como la guerra entre Irán e Irak o la Guerra del Golfo. Desde 1986 es miembro de la Agencia Magnun.

Aunque McCurry emplea en la actualidad tanto la cámara digital como la analógica, su preferencia es la película fotográfica. Eastman Kodak le permitió fotografiar con el último rollo de la producción de la popular Kodachrome 64, que fue procesado en julio de 2010 en un laboratorio de Kansas (EE.UU.). En 2016, McCurry se vio envuelto en una polémica acerca de cierta manipulación fotográfica descubierta por el fotógrafo Paolo Viglione, que observó que una de las fotografías expuestas en el palacio de Venaria Reale en Turín había sido retocada, lo que supone un quebranto al código deontológico del periodismo fotográfico.

“Siempre he dejado que mis fotos hablen, pero ahora entiendo que la gente quiere que describa la categoría en la que me pondría, por lo que diría que hoy soy un narrador visual”, declaró McCurry a TIME. “Los años de cubrir zonas de conflicto están en el pasado distante. Excepto por un breve tiempo en un periódico local en Pennsylvania, nunca he sido empleado de un periódico, revista de noticias u otro medio de noticias. Siempre he trabajado independientemente”.

Para este su último proyecto, Steve McCurry volvió a China formando tándem con la prestigiosa firma alemana Leica, que inaugura hoy jueves su nueva sede en Madrid con la presencia del fotógrafo. China es un país que McCurry ha fotografiado en numerosas ocasiones, pero que siempre le ofrece un motivo para regresar.

Asimismo, de la mano de Karin Rehn-Kaufmann, miembro del jurado de los premios Oscar Barnack desde el año 2008 y directora internacional de Leica Galleries, Steve McCurry visita hoy el auditorio de la Fundación Telefónica con motivo de la exposición ‘Steve McCurry: China’. El evento se podrá seguir en directo a través de la web de la Fundación.

Más información

Espacio Fundación Telefónica.

Enlaces de interés

Página web oficial de Steve McCurry.

Steve McCurry en National Geographic.

The Leica Camera Blog.

Fotografía de Steve McCurry © Fernando Torres