jueves, 18 de febrero de 2021

Helmut Newton: Perversión y belleza

Más de 20 años de archivos que comprenden toda su carrera, sirven al director de este documental para desvelarnos la controvertida personalidad de este genial artista gráfico. 

A finales del pasado año se presentaba el documental del director y periodista Gero von Boehm sobre el fotógrafo alemán Helmut Newton, autor de los retratos de los rostros más icónicos del siglo XX, y en buena medida gran responsable del imaginario sobre la mujer y la moda entre las décadas de 1980 y 1990. 

Con su inconfundible estilo Helmut Newton fotografiaba mujeres de largas piernas, con tacones imposibles y a menudo desnudas. Obsesionado por el cuerpo de la mujer y su desnudez, realizaba sus memorables instantáneas jugando con los contrastes que ofrecían las eróticas poses en actitud sado y la delicadeza y elegancia de las modelos con las que trabajaba, consiguiendo de ellas una gran implicación al punto de mostrar sorprendentes registros actorales.

¿Fue Helmut Newton un revolucionario? ¿Un misógino? ¿Fueron las mujeres tratadas como objetos o buscaba el empoderamiento en sus retratos?

En el biopic sobre este fotógrafo legendario participan además de manera significativa algunas de sus famosas modelos fetiche, como lo fueron Grace Jones, Catherine Denueve, Charlotte Rampling, Anna Wintour, Marianne Faithful, Claudia Schiffer o Isabella Rosellini, que son entrevistadas para darnos su opinión, descubriendo así aspectos desconocidos de la controvertida personalidad y la peculiar forma de trabajar de Helmut Newton.

Pero dejando a un lado su distintiva idiosincrasia, la vida de Helmut Newton fue compleja. En su biografía hubo factores importantes que acrecentaron la controversia, como el nazismo, pues fue amigo de Leni Riefenstahl, la directora y fotógrafa del gobierno de Hitler; el exilio, debido a que tuvo que huir de la presión militar del Tercer Reich; su polémica relación con June Newton (Alice Springs), o los juicios de misoginia vertidos por los detractores de su estilo, como es el caso de Susan Sontag. De ahí que el documental se articule alrededor de sus admiradas fotografías, la originalidad y su calidad como artista, sin incidir en si era o no feminista.

Como fotógrafo que dirimía lo artístico y lo comercial de su trabajo, Helmut Newton logró siempre sorprender y atraer a numeroso público. Entre la directiva de las distintas editoriales de los muchos magazines para los que trabajó, siempre encontró alguien con un talante creativo dispuesto a aprobar sus propuestas visuales. El resultado fue un excepcional conjunto de fotografías que no solo supuso el éxito de su reconocible estilo, sino que también llegó a millones de espectadores a través de dichas publicaciones.

Más información

‘Helmut Newton: Perversión y belleza’ en Filmin.

Enlace de interés

Fundación Helmut Newton.

Fotografía Piscine © Helmut Newton

domingo, 7 de febrero de 2021

‘ARCO. Recorridos Fotográficos’

El Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque de Madrid muestra hasta el 4 de abril la exposición ‘ARCO. Recorridos Fotográficos’.

Este año, celebrando el 40 aniversario de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO), el Centro Cultural Conde Duque reúne la mirada personal de diferentes artistas en sus recorridos por esta veterana feria madrileña.

Comisariada por Rafael Doctor, la muestra congrega una amplia selección de obras pertenecientes a la Colección del mismo nombre que es propiedad de IFEMA. Esta colección denominada ‘Recorridos Fotográficos’ ofrece su particular repaso a más de dos décadas de arte en España a través del inspirado trabajo de un heterogéneo grupo de creadores que han visitado este madrileño mercado del arte. Se trata de la primera exposición de la Colección desde su depósito mediante comodato en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Los Recorridos Fotográficos nacieron en el año 1988 por iniciativa de la Asociación Amigos de ARCO, con motivo de la conmemoración del 150 aniversario de la invención de la fotografía. La creación de una colección internacional fotográfica, inspirada en su totalidad en ARCO, tuvo por objetivo apoyar el desarrollo de este nuevo medio de creación y promover su integración en el contexto del mercado artístico contemporáneo. La Colección Recorridos Fotográficos se planteó además como el instrumento idóneo para documentar la Feria, siendo hoy el más vivo testimonio gráfico de lo que ha sido este acontecimiento hasta 2010.

A lo largo de las sucesivas ediciones de los Recorridos Fotográficos se han recogido múltiples interpretaciones de la Feria desde la creatividad de prestigiosos fotógrafos nacionales e internacionales, seleccionados por un comisario. Entre 1988 y 1996 la selección fue realizada por Myrian de Liniers, y desde 1997 y hasta 2010, Rafael Doctor Roncero actuó como comisario de este proyecto. En algunas ocasiones los comisarios de los países invitados anualmente por ARCO aportaban también algunos de los autores, como fue el caso de Francia e Italia.

En palabras de Doctor, “cada artista era invitado a que de una manera personal trabajase en ARCO como campo de acción, mirándolo o interpretándolo desde la óptica que él considerase”.  El comisario de la exposición ha señalado también que ‘Recorridos Fotográficos’ pretende “acercar al público” la topografía de la Feria. “Hay un especial énfasis en artistas performativos, que entendieron esta como un lugar de libre pensamiento. Los protagonistas siempre son las personas, ARCO es un lugar vivencial y siempre ha sido el protagonista de febrero en Madrid”.

No había otro tipo de premisa más, solo que usase la imagen fotográfica como base de su trabajo. De esta forma, tras el paso de más de 80 artistas invitados, existe un fondo de más de 450 obras que configuran no solo un particular documento sino también un importante patrimonio artístico que, tras pasar un amplio tiempo depositadas en el Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo en Vitoria-Gasteiz, a partir de ahora formará parte de los fondos del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid”.

Esta exposición es una amplia selección de esos Recorridos Fotográficos en la que se puede apreciar las diferentes formas de enfocar el encargo que estos autores recibían, desde reportajes cercanos a lo periodístico hasta obras absolutamente conceptuales imposibles de ser entendidas fuera de este contexto. Autores como Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Miguel Trillo, Manuel Sonseca o Bernard Plossu aparecen junto a otros como Enrique Marty, Txomin Badiola, Biel Capllonch, Carles Congost, Ana Laura Aláez, Marina Núñez, Jorge Galindo o Cristina Lucas completando una visión muy amplia y rica de una feria que es un lugar de transacción de la obra de arte, pero al mismo tiempo un lugar posible para el encuentro y el pensamiento.

Más información

Centro Cultural Conde Duque.

Fotografía [Sin título] © Carles Congost

jueves, 28 de enero de 2021

OPEN CALL ‘BOWIE DEVOTION’

Una exposición colectiva con obras de 50 artistas seleccionadas en convocatoria abierta sobre la figura y el legado de David Bowie, homenajea a este músico y compositor británico fallecido en 2016.

‘Bowie Devotion’ es el resultado de la convocatoria hecha pública por iniciativa de Factoría de Arte y Desarrollo, una organización empresarial joven y dinámica que nace para la gestión y difusión de proyectos y servicios relacionados con la cultura y el arte en cualesquiera de sus manifestaciones, con la finalidad de acercar la obra del artista tanto al gran público como al más entendido.

Para uno de los afiches publicitarios de este evento, la empresa eligió una fotografía en blanco y negro del Bowie de la época del ‘Ziggy Stardust Tour’, en el que vemos a su alter ego ataviado con una suerte de mono sideral ideado por  el diseñador japonés Kansai Yamamoto, fallecido el 21 de julio del pasado año. Uno de los principales creadores de la moda contemporánea japonesa, en especial entre los años 1970 y 1980. Yamamoto reinventaría el tradicional kimono, renovando así el interés por esta moda clásica, que no es otra que el vestido nacional de Japón. Desde entonces sería conocido por sus vanguardistas diseños de kimonos, que han sido usados entre otros por David Bowie.

Mito y objeto de devoción de multitudes, Bowie fue un adalid de la cultura contemporánea que nunca dejó de sorprender a sus seguidores a lo largo de una trayectoria artística que abarcó seis décadas y múltiples géneros, influyendo de manera definitiva no solo en la música sino también en el arte, el cine y la moda.

Desde su muerte en 2016 se han sucedido sobre él los homenajes, estudios y proyectos, como es el caso de esta ‘Bowie Devotion’. Una iniciativa que se une a otras anteriores desarrolladas por Factoría de Arte y Desarrollo, que mantiene una convocatoria abierta al año con la intención de dar la oportunidad de exponer a muchos artistas que no tienen fácil el acceso a los circuitos del arte en Madrid y que da voz a muchas formas de expresión a las que no se presta la merecida atención.

“David Bowie es un ejemplo para el arte contemporáneo porque pasó por todos los estilos sin prejuicios y sin solución de continuidad. Él solo acumula al menos 20 artistas diferentes en uno, y celebró tanto el éxito como el fracaso. Es una figura que como referente es muy necesaria en el mundo del arte, donde todo está tan encorsetado, tan compartimentado y todo es tan predecible, tan prosaico y tan estirado.” Vera Icon. Comisaria de la exposición.

Más información

Factoría de Arte y Desarrollo / ‘Bowie Devotion’.

Fotografía de David Bowie © Masayoshi Sukita

miércoles, 13 de enero de 2021

Tíbet, una cultura amenazada

La exposición ‘Tíbet, una cultura amenazada’ nos propone un viaje por Tíbet, India y Nepal de la mano del fotógrafo Ángel López Soto. 

“La fotografía reúne los elementos esenciales del drama en el Centro de Refugiados de Katmandú, Nepal. Los pies vendados, congelados al atravesar los formidables ventisqueros, un pie en la palangana con agua caliente, sal y vinagre, las escudillas de arroz, el infiernillo de gas a la derecha, la mirada vigilante y protectora de la enfermera. Y al fondo, taraceada en la puerta, la figura del bondadoso dios-elefante Ganesha. Esta es la estampa que quedará en la retina de los recién llegados del frío: la primera sonrisa de acogida, el primer calor, el primer cuenco de arroz o de sopa tibetana.” Manu Leguineche.

Con estas palabras describía el gran Manuel Leguineche, periodista pionero del reporterismo en nuestro país, lo que captaba Ángel López Soto en la fotografía que encabeza estas líneas, que corresponde al recorrido realizado por este fotógrafo en el que nos muestra los lugares más emblemáticos de la región más alta del planeta, la historia y la forma de vida de uno de los pueblos más amenazados del mundo.

Desde que en 1949 China invadiera el Tíbet, invasión que se consolida en 1959, la cordillera del Himalaya ha sido testigo fiel del éxodo de este pueblo. Cerca de 150.000 tibetanos se han visto abocados al exilio desde entonces por un destierro forzado que el fotoperiodista argentino Ángel López Soto ha documentado durante más de dos décadas en varios países de la región del Himalaya, Norteamérica y Europa.

Esta exposición fotográfica, que está vinculada al Ciclo Teatro y Derechos Humanos organizado durante las mismas fechas por el Centro Cultural de la Villa (Madrid), se complementa con textos del escritor Javier Moro, el cineasta Gerardo Olivares, el profesor de Derecho Internacional José Elías Esteve Moltó y el propio Ángel López Soto.

López Soto ha desarrollado algunos de sus proyectos y reportajes con la colaboración de UNICEF, la Cruz Roja, la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECID), UNFPA (United Nations Population Fund), Ayuda en Acción, Action Aid, la Fundación Amigó o la Fundación Vicente Ferrer, entre otras.

Desde el 13 de enero hasta el 14 de febrero de 2021, ‘Tíbet, una cultura amenazada’ tiene como grandes protagonistas a los paisajes del techo del mundo, sus monasterios y templos, lugares de peregrinaje del budismo, presos políticos, el Dalái Lama, o la vida en el exilio.

Más información

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.

Página web de Ángel López Soto.

Fotografía KTM Reception Center © Ángel López Soto

miércoles, 30 de diciembre de 2020

40 Ciudades, 40 Fotógrafos, 40 Días

Ünnamed Gallery muestra hasta fin de año en Madrid una integradora experiencia visual concebida por el fotógrafo madrileño Javier Jimeno.

Se acaba un año que para muchos, si no todos, habrá sido un año para olvidar. Un año aciago para algunos, baldío para otros; un año que nos deja la sensación de un carrete velado, pero también en nosotros el propósito de rehacer o comenzar de nuevo los proyectos pendientes, confiando en que el año próximo nos permita recuperar el tiempo perdido.

Finaliza 2020 y con él una exposición que, como se anunciaba en el epígrafe, acopia una cuarentena de obras de otros tantos fotógrafos, realizadas en cuarenta ciudades congeladas en el tiempo durante cuarenta días.

“El proyecto ‘40ncity’ es una forma de mostrar cómo nuestras ciudades han reaccionado ante la amenaza de un enemigo invisible. Sus calles vacías, espacios emblemáticos sin el aliento de habitantes y viajeros. Y en las mañanas ese despertar de personas que tienen que comprar comida o viajar a sus trabajos.”

‘40ncity’ aglutina la atenta mirada de 40 fotógrafos que, desde su personal punto de vista, nos muestran esas paralizadas ciudades de un mundo en cuarentena. El cambio de paradigma del que surgirán a la luz los valores más esenciales.

Situada en las proximidades de la Plaza Mayor de Madrid, la Ünnamed Gallery es un espacio dedicado al arte en el que podremos encontrar, además del catálogo completo del fotógrafo Javier Jimeno, que tiene su estudio en la planta baja de la galería, una nueva exposición cada mes con las obras de otros fotógrafos, pintores, diseñadores y artistas gráficos que tengan algo nuevo e importante que mostrar.

Más información

Proyecto 40ncity.

Fotografía ‘Granada en cuarentena’ © Jorge Pastor

viernes, 18 de diciembre de 2020

‘Cortázar: instrucciones de montaje’

La Fundación Juan March presenta hoy en directo, desde el auditorio de su sede en Madrid, el segundo videoensayo y coloquio de la serie ‘La Cara B’.

Una inédita exposición truncada, la que reunió durante apenas seis días en la capital algunas de las emblemáticas obras de The Irascibles –el ecléctico grupo de artistas que protestaron en 1950 contra el establishment americano– dio lugar al primer episodio de un interesante proyecto multidisciplinar que va a deparar muchas sorpresas.

En esta ocasión, a lo largo de dos capítulos, el segundo de estos ensayos audiovisuales se adentrará en el universo del escritor argentino Julio Cortázar (1914-1984), uno de los grandes autores del llamado “boom” de la literatura hispanoamericana. Aquel fenómeno editorial sin precedentes que, en la década de 1960, dio a conocer en todo el mundo al innovador grupo de narradores que renovaron la técnica de la novela y popularizaron el realismo mágico.

Con su novela ‘Rayuela’ (1963), Cortázar puso en cuestión todas las convenciones del género: se puede comenzar a leer por cualquier parte, de manera lineal como es habitual, o siguiendo la “guía de lectura” que incluye el escritor al principio; rompe con la secuencia lógica de la trama y los episodios, desaparece el concepto de argumento, etc.

Esta nueva sesión, que también presenta la periodista Lara Síscar, tiene como gran protagonista a la biblioteca del célebre escritor, que se encuentra depositada en la Fundación Juan March, y sobre ella y el Cortázar lector hablará con Paz Fernández, directora de su Biblioteca. Tras la proyección del videoensayo, la periodista dialogará sobre el mismo con su director, Adriano Morán, y el dramaturgo José Sanchís Sinisterra.

Con el nombre de ‘Cara C’, estos episodios irán acompañados también de su correspondiente colección de podcast para ahondar aún más en las historias que se van presentando.

El videoensayo ‘Cortázar: instrucciones de montaje’ y su respectivo coloquio podrá seguirse en directo a partir de las 18:30h en el Canal March. También se emitirá posteriormente en la plataforma Filmin.

Más información

‘Cortázar: instrucciones de montaje’ / Canal March.  

Enlace de interés

Los irascibles de la Escuela de Nueva York.

Fotografía de Julio Cortázar en París (1967) © Pierre Boulet

jueves, 10 de diciembre de 2020

Matías Costa y la soledad del fotógrafo

La pasada semana se inauguró en la Sala Canal de Isabel II la retrospectiva ‘Matías Costa. SOLO’, una exposición organizada por la Comunidad de Madrid.

Esta retrospectiva recoge veinticinco años de la carrera fotográfica del autor, al que el comisario de la misma, Carlos Martín, define como cronista y poeta refiriéndose a su trabajo como fotoperiodista y, por otro lado, a sus otras obras más evocativas, pues en la muestra se pueden ver las imágenes pertenecientes a la serie de fotografías clásicas y documentales entre las que se alternan las reflexiones correspondientes a lo que Matías Costa (Buenos Aires, 1973) llama “Cuaderno de campo”, que el autor ha ido elaborando a lo largo del tiempo.

Así, las siete series realizadas en diversos lugares del mundo por el fotoperiodista de trabajos tempranos como ‘Hijos del vertedero’ o ‘Extraños’, y la visión personal y autobiográfica de ‘Cuando todos seamos ricos’ o ‘The Family Project’ se comprenden en toda su dimensión con la ayuda de ese complemento que recorre el espacio expositivo y se mezcla entre las series, que está formado por fotografías, documentos y páginas extraídas de ese Cuaderno de campo, que es el formato experimental y en continua evolución que ha acompañado al fotógrafo en su trayectoria. En esas casi tres décadas de recorrido los temas tratados por Costa han sido el desarraigo, la identidad fujitiva, la frontera, el proyecto fallido o la orfandad.

Matías Costa es cofundador del colectivo NOPHOTO y miembro de PANOS Pictures, realiza proyectos de largo recorrido en los que reflexiona, mediante imágenes, textos y material de archivo sobre el territorio, la memoria y el azar. Ha recibido importantes distinciones como el World Press Photo o un primer Descubrimientos PhotoEspaña. Es colaborador habitual de medios como El País Semanal, The New York Times o La Repubblica y sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales como es la del Ministerio de Cultura, el CA2M o el Nederlans Fotomuseum de Róterdam.

Las imágenes que forman parte de esta instalación se han impreso en el papel profesional de haluro de plata Maxima Fujicolor Crystal Archive de Fujifilm Original Photo Paper en el laboratorio fotográfico Dinasa.

La exposición Matías Costa. SOLO permanecerá abierta al público hasta el 31 de enero de 2021 en la Sala Canal de Isabel II. Santa Engracia, 125. Madrid

Más información

Sala Canal de Isabel II.

Fotografía S/T, de la serie Cuaderno de campo (2018) © Matías Costa