Van Gogh, una experiencia multimedia

Tras su mundial éxito de público, llega esta Navidad al Círculo de Bellas Artes de Madrid la exposición ‘Van Gogh Alive–The Experience’, una innovadora muestra que combina miles de imágenes en movimiento, luz y música para recrear el universo pictórico del artista neerlandés.

 

De nuevo Van Gogh es noticia y cobra el protagonismo que nunca tuvo en vida. Hace ahora justamente un año se estrenaba en nuestro país un homenaje al pintor en formato cinematográfico. ‘Loving Vincent’ fue el resultado de la fusión de la acción real de actores, imágenes generadas por ordenador y el ímprobo trabajo de más de un centenar de pintores.

A lo largo de más de un siglo las pinturas de Vincent Van Gogh se han expuesto en los más prestigiosos museos del mundo, pero en esta ocasión las obras del artista van a ser contempladas de manera muy distinta a la acostumbrada. No se trata por tanto de una convencional exposición de arte, sino que, más acorde a los tiempos que corren, la visita se concreta en una estimulante experiencia para los sentidos en la que el espectador se verá rodeado de las pinturas a tamaño mural, en paredes, columnas, techos y suelos.

Gracias a la nueva tecnología SENSORY4TM, el arte de Van Gogh se vive como una experiencia visual aún más impresionante, de vibrantes colores y formas. Un viaje más allá del tiempo y el espacio acompañando al pintor en Arles, Saint Rémy y Auvers-sur-Oise, lugares donde creó la gran mayoría de sus obras maestras. Y así contemplar las constelaciones que plasmó en ‘La noche estrellada’, ver cómo emprenden el vuelo los pájaros de su célebre ‘Trigal con cuervos’ u observar con detalle sus famosos autorretratos y cuadros geniales tan populares como ‘Los girasoles’ y ‘La habitación de Arlés’.

Más de 3000 imágenes de Van Gogh a gran escala, sincronizadas con piezas de música clásica, crean un auténtico festival para los sentidos donde el espectador se olvida de las ideas preconcebidas sobre las tradicionales visitas a museos, recorriendo silenciosas galerías, para disfrutar de las obras vistas desde otras perspectivas.

Además, quienes accedan a esta muestra multisensorial ‘Van Gogh Alive–The Experience’ tendrán el acceso gratuito al resto de exposiciones del Círculo de Bellas Artes.

Más información

Página web de ‘Van Gogh Alive’.

Enlace de interés

Programación del Círculo de Bellas Artes.

Eugenio Recuenco, del arte a la fotografía

El Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) muestra hasta el próximo 20 de enero ‘Eugenio Recuenco: 365º’, una exposición que permite observar en profundidad las temáticas y formas de la inspirada obra de este genio de la fotografía y artista total.

Sin duda esta recomendable exposición de Recuenco es una buena manera de despedir 2018 y recibir el nuevo año. La muestra se compone de 366 fotografías del artista, realizadas a lo largo de 8 años de trabajo, para hacer un recorrido icónico por los últimos 50 años de nuestra historia reciente.

Eugenio Recuenco nació en Madrid en mayo de 1968, coincidiendo con la “primavera revolucionaria” que acontecía en capitales europeas como París o Praga. Desde niño demostró tener vocación artística, por lo que a nadie sorprendió que se matriculara en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, donde se gradúa con una maestría en Pintura.

Sus elaboradas puestas en escena recrean situaciones relacionadas con el arte, la política, el 11-S, La Guerra de las Galaxias, Facebook, Donald Trump, etc. Unas veces estas referencias resultan evidentes, otras no tanto, pero en cualquier caso las obras son interpretaciones pasadas por el filtro personal de la mirada de este autor. Por su formación académica, Recuenco siempre se ha imbuido del arte para crear sus fotografías y las que ahora nos presenta no son una excepción, claro está. Hay múltiples inspiraciones y “homenajes” tan dispares como el Renacimiento, Edward Hopper, Picasso, Tamara de Lempicka o el Nosferatu de Murnau.

En todas sus imágenes se puede advertir el modus operandi que le caracteriza, y que consiste en crear realidades para plasmar de manera singular una determinada iconografía. Las imágenes se componen situando a los personajes, ataviados apropiadamente para la ocasión, en un habitáculo creado al efecto con técnicas de attrezzo cinematográfico. El cubículo puede transformarse en un bar de Hopper, una sauna de odaliscas o el rincón de un museo. La magia de Recuenco logra que todo se corresponda con su universo personal y posea el característico estilo que le hace tan reconocible.

Su imaginación y sensibilidad como artista le han propiciado colaboraciones con las principales revistas de moda del panorama nacional e internacional, como son Vogue, Vanity Fair, GQ, Stern, Spoon, Madame Figaro, Marie Claire, Wad, Planet, Kult, Twill o Zink. El mundo publicitario también se fijó en él y su primer encargo fue para la firma Boucheron. Recuenco aceptó filmando así el primer spot televisivo de su carrera. Posteriormente fue contratado por marcas tan prestigiosas como Loewe, Nina Ricci, Diesel, Shangai Tang, Yves Saint Laurent, Playstation, Custo, Le Bon Marché, BSI Lugano, Naf Naf, Mango o Pernod Ricard para crear la imagen de sus productos.

Su obra ha estado expuesta en diversos museos y galerías y ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales. En 2013 la Galería CWC de Berlín organizó la primera exposición en Alemania del artista solo. Y una gran parte de su obra estuvo expuesta en el Grand Palais de París y en la Fotografiska de Estocolmo, entre otras.

Más información

Página web del CEART de Fuenlabrada.

Página web oficial de Eugenio Recuenco.

Adiós a Bernardo Bertolucci

Bertolucci murió hoy a los 77 años de edad en su casa de Roma, situada en el elegante y tranquilo barrio de Monteverde Vecchio.

El pasado día 18 de este mes se cumplieron diecinueve años del fallecimiento del escritor norteamericano Paul Bowles, autor de la novela que terminó convirtiendo en una obra de arte el gran cineasta italiano Bernardo Bertolucci. ‘El cielo protector’ (1990), adaptación de la novela homónima de Bowles, es junto a ‘El último tango en París’ (1972), ‘Novecento’ (1976) o ‘El último emperador’ (1987) una de las películas fundamentales del director. Sin olvidarnos de otras más recientes como ‘Soñadores’ (2003), en la que de una manera personal Bertolucci abordaba los sucesos de Mayo del 68 en París, o su última cinta, ‘Tú y yo’ (2012), basada en una novela breve del escritor italiano Niccolò Ammaniti.

Influido por su padre el poeta Attilio, Bernardo Bertolucci (Parma, 1940) demostraría también vocación para la poesía. Sin embargo, tras ganarse una reputación como buen escritor en la Universidad de Roma La Sapienza, comenzó a experimentar con el cine grabando sus primeros cortometrajes con una cámara de 16 mm, contando para ello con la ayuda de su hermano Giuseppe. 

En 1961 fue ayudante de dirección en ‘Accattone’, primera película de Pier Paolo Pasolini. Un año después se estrenaría como director de su primer largometraje, ‘La commare secca’ (La cosecha estéril). Además de la influencia del maestro Pasolini, en su trayectoria fue igualmente notable la de otros admirados colegas como Jean-Luc Godard y Akira Kurosawa, así como los grandes directores del neorrealismo italiano.

Sin duda fue la producción franco-italiana ‘El último tango en París’ la que le reportó fama mundial, si bien no exenta de una gran polémica, pues la película estuvo prohibida en diferentes países, entre ellos España. No obstante, esta obra le propició su primera nominación al Oscar. Para ella contó con el brillante Marlon Brando y una jovencita Maria Schneider.

Poco después, Bertolucci regresaría a un cine de autor más genuino con películas como ‘Novecento’, volviendo a demostrar todo su talento en la multipremiada ‘El último emperador’, con la que esta vez sí ganó el Oscar al mejor director, entre otros.

En ‘El cielo protector’ la magistral dirección de Bertolucci nos introduce en la adaptación de la aventura que un Bowles narrador omnisciente comienza a contar desde una distante mesa de café. Situación privilegiada que permite al escritor ser imparcial con su relato, si bien hay mucho en él de autobiográfico, además de una gran novela de viajes en la que está también presente la vivencia de su esposa Jane, con la que Bowles fijó su residencia en Tánger en 1947.

A lo largo de su carrera Bertolucci mantuvo siempre un estilo personal con múltiples referencias a los grandes clásicos del séptimo arte que nos deja ya como legado.

El Art Ensemble of Chicago en JAZZMADRID

El legendario Art Ensemble of Chicago inaugura este año una nueva edición del Festival Internacional de Jazz de Madrid.

La mítica banda de jazz estará hoy en Madrid en la que probablemente sea ya su última gira, por tanto podría no repetirse esta gran oportunidad para disfrutar con el singular estilo de estos veteranos músicos, que para este concierto no solo contarán con los habituales saxos, trompetas, contrabajo y batería, sino que también incorporan cello y percusión africana.

A mediados de los años sesenta, el saxofonista Roscoe Mitchell formaba una banda para ofrecer, en diciembre de 1966, un concierto de jazz en la ciudad de Chicago. La banda iniciaba entonces su andadura con el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969 en París, al registrar la primera grabación del grupo, cuando adoptaron el nombre de Chicago Art Ensemble. Esta banda de músicos innovadores estaba formada originalmente por Mitchell al saxo, Malachi Favors al contrabajo, Lester Bowie a la trompeta y Philip Wilson a la batería. El saxofonista Joseph Jarman se uniría al grupo en 1967, y ocasionalmente también colaborarían, entre 1967 y 1968, los baterías Robert Crowder y Thurman Baker, así como el bajista Charles Clark. En 1970, se incorporaría Don Moye, ya como batería estable.

La banda se granjeó una sólida reputación dentro del mundo del free jazz, colaborando en ocasiones con otros músicos notables, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Cecil Taylor y Muhal Richard Abrams. La formación cambiaría sus integrantes en los años noventa, cuando Jarman se retira de la banda para centrar su actividad en el zen y el aikido (1993), y Bowie muere de cáncer (1999), continuando el grupo como trío (aunque esporádicamente se les unían diversos músicos en sus actuaciones) hasta 2003, año en que Jarman regresa al grupo. En enero de 2004 Favors moría súbitamente durante la grabación de ‘Sirius Calling’, por lo que el grupo se reorganiza con el trompetista Corey Wilkes y el bajista Jaribu Shahid, participando en la grabación del álbum ‘Non-Cognitive Aspects of the City’ (2006) para la compañía discográfica Pi Recordings.

Fieles a los principios conceptuales de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), dentro de lo que denominaron “Gran Música Negra”, alternaban el jazz más clásico con la vanguardia. Desde sus inicios el grupo mostró un insistente interés por una purista improvisación, pero también por los sonidos heterodoxos de instrumentos accesorios.

Las composiciones de Mitchell dominaron al principio el concepto de grupo, pero con la llegada de Jarman la banda asumiría una idiosincrasia más diversa en términos de estilo, lo que se hacía patente en sus peculiares actuaciones en vivo.

Saxofones, flauta: Roscoe Mitchell.

Batería, congas y percusión: Famoudou Don Moye.

Trompetas: Hugh Ragin.

Cello: Tomeka Reid.

Contrabajo: Jaribu Shahid.

Percusión africana: Dudu Kouyate.

Día 6 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Sala Guirau.

Más información

Página web de JAZZMADRID.

Fotografía del Art Ensemble of Chicago © Fernando Torres

Pérez-Fajardo, el fotógrafo del rock and roll

El Centro internacional de fotografía y cine (EFTI) presenta la exposición ‘Soundtrack’ de Juan Pérez-Fajardo, considerado “el gran fotógrafo del rock and roll en España”, del 26 de octubre al  23 de noviembre.

Las portadas de los discos de la flor y nata de la música en nuestro país, así como una gran mayoría de las fotografías realizadas a una interminable lista de músicos en sus respectivos conciertos son el testimonio gráfico que Pérez-Fajardo (Madrid, 1969)  y su cámara han captado en directo las últimas décadas de la escena musical española, como Bunbury, Sabina, M Clan, Pablo Alborán, Siniestro Total, Coque Malla... Y no solo de los de aquí, también las de los grandes de los escenarios internacionales como The Rolling Stones, The Who, AC/DC, Kiss, Patti Smith, Blondie, Bryan Ferry, Iggy Pop, Neil Young, Leonard Cohen, Beck, Foo Fighters o Santana, entre otros.

Fotógrafo oficial en España de la marca de guitarras Gibson, en 2008 los de National Geographic le premiaron la fotografía de un paisaje americano. Ha cubierto grandes conciertos y los festivales de medio mundo para importantes publicaciones como Rolling Stones, Rock de Luxe, Ruta 66, Mondo Sonoro, El País, Esquire…, y está detrás de las fotos promocionales de un gran número de músicos. Editó el libro ‘Bunbury en crudo y al natural’ con el cantante, y realizó el DVD sobre el viaje/grabación del disco de M Clan en Nashville. Fajardo ha conseguido también hacer realidad el sueño de cualquier fotógrafo musical del mundo que es formar parte de la colección permanente del Hard Rock Hotel & Casino de Las Vegas o el de Alburquerque y Madrid.

“La mirada de Fajardo es música y 'Soundtrack' es la banda sonora de su trayectoria fotográfica. Juan ama la música y sus fotografías lo destilan, Juan entiende los acordes tanto como entiende la luz y el movimiento, y Juan se entiende con los músicos porque él es música y sus fotos suenan”, explica EFTI en nota de prensa.

La exposición la conforman alrededor de 60 retratos de artistas realizados a lo largo de dos décadas dedicadas a la fotografía y a la música, aunando la técnica fotográfica con su corazón rockero.

“Son imágenes llenas de confianza por parte de los artistas que se ponen en el ojo de Juan Pérez-Fajardo, en el ojo musical y amigo de otro gran artista”. EFTI.

Más información

Página web de EFTI.

Enlace de interés

Fotografías de Pérez-Fajardo en Flickr.

Fotografía de Angus Young © Juan Pérez-Fajardo

La fotografía conceptual de Chema Madoz

La Galería Elvira González en Madrid muestra estos días la segunda exposición individual del fotógrafo Chema Madoz.

En esta exposición, en la que el autor presenta 34 fotografías en blanco y negro de su obra más reciente, se puede ver cómo la descontextualización de la imagen de los objetos fotografiados dota a los mismos de un nuevo significado que cobra sentido ante los ojos del espectador.

El trabajo fotográfico de Chema Madoz se corresponde con esa disciplina llamada fotografía conceptual, donde el objeto retratado es lo que es y también lo que podría ser. Esa tesitura provee un sinfín de posibilidades para la interpretación de lo que los objetos representen. Madoz inquiere en ellos revelando otros significados visuales, por curiosos o paradójicos que parezcan, relacionados de una manera creativa y poética. Gracias a sus obras, descubrimos lo que tan bien define el filósofo Luis Arenas: “cuántas vidas diferentes le hubieran podido aguardar a un fósforo o a una escalera si su destino no hubiera sido el de servir a nuestra necesidad”. 

La obra de Madoz toma forma en fotografías en blanco y negro, desprovistas de todo artificio y con todo el poder lírico que les otorga el inimitable punto de vista de este artista. Las fotografías de la muestra son un compendio de poemas visuales que convierten a los objetos y los iconos cotidianos en protagonistas de su propio destino.

La carrera de Chema Madoz (Madrid, 1958) comienza en 1990 tras pasar por el Centro de Enseñanza de la Imagen. En estos años el Círculo de Bellas Artes de Madrid inaugura su programación con una exposición de sus primeros trabajos y posteriormente el Centro de Arte Reina Sofía incluye su trabajo en una exposición colectiva. Madoz comienza entonces a desarrollar el concepto de la imagen del objeto y sus distintos significados visuales, tema constante en su fotografía.

Chema Madoz recibió el Premio Kodak en 1991, fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, el premio PhotoEspaña el mismo año y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en 2013, entre otros. La editorial Art-Plus editó en 1995 su primera monografía, Chema Madoz (1985 - 1995).

En 1999 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía inaugura la exposición individual ‘Objetos 1990-1999’, primera exposición retrospectiva que este museo dedicaría a un fotógrafo español vivo. Igualmente ese mismo año el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela realizaría una exposición individual de su obra.

Desde entonces ha expuesto en varias galerías y centros de arte como el Canal de Isabel II, la Fundación Telefónica, CaixaForum, el Centro Pompidou de París, el Netherland Photomuseum de Rotterdam, la Fundazione M. Marangoni de Florencia, el Museo de Bellas Artes de Caracas o el Fotofest de Houston, entre otros.

Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fondos de Arte del Ministerio de Cultura de Francia, la Colección Hermès, la Fundación Juan March, la Fundación Telefónica, la Fundación Coca-Cola, el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el IVAM, el Ministerio de Cultura, la Colección Fotocolectania, el Fine Arts Museum de Houston, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson o la Colección Margulies, entre otros.

Más información

Galería Elvira González.

Página web oficial de Chema Madoz.

Fotografía Sin título, 2017 © Chema Madoz

Los carteles de Roy Lichtenstein

El maestro del Pop Art, Roy Lichtenstein, protagoniza el inicio de temporada de la Fundación Canal. La muestra, que se expondrá por primera vez en España a partir del próximo día 4 de octubre, está comisariada por Jürgen Döring, Jefe del departamento del Poster y Obra Gráfica del Museo de Hamburgo.

El artista Roy Lichtenstein fue uno de los máximos exponentes del Pop Art americano junto a otros grandes contemporáneos como Andy Warhol. Creó un nuevo lenguaje artístico al incorporar en sus lienzos elementos cotidianos, de la sociedad capitalista y de la cultura de masas. Lichtenstein utiliza nuevos soportes para sus creaciones, como el caso del cómic o de anuncios publicitarios, considerados hasta ese momento poco artísticos y académicos.

Roy Lichtenstein demostró capacidad artística y musical desde una edad temprana: dibujó, pintó y esculpió siendo adolescente y pasó muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y el Museo de arte moderno. Tocó el piano y el clarinete y desarrolló una gran pasión por el jazz, frecuentando como espectador los locales nocturnos en Midtown. En el verano de 1940, estudió pintura y dibujo con Reginald Marsh. En septiembre entró en la Universidad Estatal de Ohio (OSU). Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Daumier y Picasso, de quien a menudo dijo que el Guernica era su cuadro favorito. Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de cuadros de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Autor prolífico, durante sus últimos años alcanzó mayor presencia y estima en museos de todo el mundo. En España existen ejemplos suyos en el Museo Thyssen-Bornemisza (‘Mujer bañándose’) y en el Reina Sofía, donde una gran escultura suya preside el patio interior de la ampliación diseñada por Jean Nouvel.

Lichtenstein es un artista muy cotizado en las subastas. El 15 de mayo de 2013 una de sus obras, Woman with flowered hat, fue adjudicada en la casa Christie's de Nueva York por 56.123.750 dólares.

El público podrá disfrutar de un conjunto de 76 obras con posters más representativos del artista, y ofrece una visión general de su universo creativo. La muestra reúne los carteles más importantes y representativos del artista, desde su primera exposición en 1962 hasta su última en 1997. Más de 30 años donde Lightenstein ofrece una visión de la evolución del mundo creativo que le llevaron a considerarle el máximo representante del Pop Art.

Más información

Página web de la Fundación Canal.

Enlaces de interés

Página web de la Fundación Lichtenstein.

Roy Lichtenstein en Artsy.

Imagen ‘Mujer llorando’, 1963. Roy Lichtenstein © Estate of Roy Lichtenstein, VEGAP, Madrid, 2018