Biennale de la Photographie de Mulhouse

El pasado mes de febrero, la Bienal de Fotografía de Mulhouse y el Centro de Arte Contemporáneo de esa misma ciudad lanzaron una convocatoria conjunta de candidaturas. Entre las 386 propuestas recibidas, la serie ‘Altiplano’ de Pablo Castilla fue la elegida como ganadora por un jurado de profesionales.

El fotógrafo Pablo Castilla vive y trabaja entre Granada y Noruega. Su obra se basa en la exploración directa de la realidad, plasmada en un lenguaje documental a través de diversas disciplinas como el cine, las artes escénicas y la fotografía. El uso del estilo documental se convierte en una estrategia que revela fisuras en la percepción y desafía los límites entre ficción y realidad. Tras licenciarse en Bellas Artes, residió en Bruselas de 2001 a 2014, donde realizó un Máster en Cine Documental y, junto con Hedvig Biong y Niko Hafkenscheid, fundó ‘Kevin or Harry’, un colectivo de artes escénicas que crea piezas teatrales donde personajes reales suben al escenario. Desde 2018, habitualmente colabora con Pablo López en proyectos que giran en torno a la fotografía y el territorio (‘Pangnirtung’).

A partir del próximo mes de junio, la obra de Pablo Castilla se expondrá en el espacio público de un parque urbano en Mulhouse, en un espacio habilitado para ello en las orillas del río Ill. La inauguración será el domingo 15 de junio.

El Altiplano es una de las regiones menos pobladas del sur de España, una zona extensa y árida que el fotógrafo lleva explorando desde 2015. Ahora desierto, este territorio albergó un ecosistema increíblemente rico hace millones de años. Las excavaciones arqueológicas han descubierto rastros de especies animales hoy extintas, así como de las primeras comunidades humanas establecidas en Europa. Guiado por un chamán en el mundo subterráneo y espiritual, Pablo Castilla quiso crear un diálogo entre el paisaje de la superficie y esta otra capa de la realidad.

Nacido en España en 1980, Pablo Castilla vive y trabaja en Noruega. Su trabajo fotográfico, cinematográfico y performático se sitúa en la exploración directa de la realidad utilizando el lenguaje documental. Actualmente es conservador de fotografía en la Biblioteca Nacional de Noruega y dirige un proyecto para la preservación de fotografías de observación solar.

En ediciones anteriores del festival, este recinto ha acogido fotografías de Céline Clanet, Jessica Auer, Manon Lanjouère, David de Beyter, Geert Goiris, Matthew Genitempo, Rebecca Topakian, etc.

A través de su exploración de geografías terrestres y mentales, esta exposición prefigura el tema de la próxima edición de la Bienal de Fotografía de Mulhouse, ‘Sédimentation(s)’.

La convocatoria de solicitudes invitó a participar a fotógrafos que exploran el pasado y el presente, y a aquellos interesados ​​en excavaciones geológicas y memoriales. Las solicitudes incluyeron obras que exploran geografías terrestres y mentales, basándose en nociones de sedimentación, estratificación, flujo de materia y la plasticidad de las memorias colectivas e individuales. Las propuestas podrían entrelazar historias individuales y colectivas, humanas y no humanas.

Entre las 386 propuestas recibidas, 20 artistas fueron preseleccionados: Sophie Alyz, Alex Cabrera, Lucas Castel, Pablo Castilla, François Deladerrière, Marilia Destot, Marjorie Gosset, Julie Hascoët, Ilanit Illouz, Helen Jones, François Jonquet, Coline Jourdan, Ruth Lauer-Manenti, Duy-Phuong Le Nguyen, Yvette Monahan, Chrystel Mukeba, Dalmonia Rognean, Alnis Stakle, Roselyne Titaud y Margot Wallard.

El jurado estuvo compuesto por:

- Aurélia Marcadier, historiadora del arte, directora de PhotoSaintGermain, miembro de las Filles de la Photo.

- Matthieu Lelièvre, historiador del arte y comisario de exposiciones, jefe del departamento de colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon.

- Terri Weifenbach, fotógrafa.

- Philippe Schweyer, editor de Médiapop.

- Dominique Bannwarth, presidente de Mulhouse Art Contemporain.

- Anne Immelé, doctora en arte, directora artística del BPM.

Más información

Site personal de Pablo Castilla.

Fotografía ‘Altiplano’ © Pablo Castilla

Fernando Moleres presenta ‘Antropoceno’

 

El Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid acoge hasta el próximo 22 de junio una exposición del acreditado fotógrafo vasco Fernando Moleres.

Fernando Moleres (Bilbao, 1963) estudia la nueva época geológica en la que la actividad humana ha ido transformando el planeta, alterando el clima, la geología y los ecosistemas. Esta exposición del MNCN y el CSIC muestra en la actualidad 68 fotografías en distintos formatos que ilustran el impacto humano en el planeta, desde fenómenos meteorológicos extremos hasta la destrucción de ecosistemas.

Con sus impactantes fotografías reunidas ahora en ‘Antropoceno’, Moleres nos quiere evidenciar los efectos que tiene nuestra intervención sobre el medio ambiente, en el que hemos estado influyendo desde que nos establecimos en ciudades y comenzamos a practicar la agricultura, alterando así la geología, el clima y los ecosistemas marinos y terrestres. La alteración del ciclo del agua o el deshielo de la criosfera, que componen los glaciares, el hielo de los mares y ríos, la nieve y el permafrost, conlleva la elevación del nivel del mar.  En suma, un gran impacto medioambiental que, por ende, repercutirá en los ya más de ocho mil millones de habitantes del planeta y en el destino de las generaciones futuras.

Este proyecto fotográfico surge de la necesidad de reflexionar sobre dos causas principales: por un lado, el modelo de producción energética, basado en el uso de combustibles fósiles, que emite grandes cantidades de gases de efecto invernadero y es el gran causante del calentamiento global; y, por otro lado, el modelo de consumo de recursos, donde el crecimiento de la población demanda un uso mayor de recursos naturales, que en la actualidad sobrepasa la capacidad del planeta para regenerarlos.

“Frente a este desafío urgente, es fundamental apostar por las soluciones como la transición energética, la descarbonización de la economía y el uso de las energías renovables, fomentando un consumo responsable y equitativo de los recursos naturales. La acción no debe limitarse al ámbito individual, sino que requiere el compromiso y la intervención de las instituciones para hacer frente al cambio climático y la crisis climática”, afirma Fernando Moleres.

Ante un futuro incierto y una amenaza real de la pérdida de ecosistemas, la exposición culmina explorando la creación artificial de espacios “naturales”, como se refleja en la imagen titulada ‘El bosque húmedo’ en Barcelona o también en ‘Mundo submarino’. 

Fernando Moleres trabaja en el proyecto ‘Antropoceno’ desde 2014. La fotografía documental es para él una actitud vital, una herramienta que le permite abordar situaciones que le cautivan, le preocupan y le impulsan a participar en proyectos personales.

Más información

El MNCN inaugura ‘Antropoceno’, de Fernando Moleres.

Fotografía ‘Calentamiento global. Groenlandia’ © Fernando Moleres

Premio Goncourt, la elección española

El prestigioso Premio Goncourt, uno de los galardones literarios más importantes en Francia, da voz un año más a España para elegir su obra favorita con la Elección Goncourt de España. 

Los estudiantes de cinco universidades españolas y los alumnos de tres Liceos franceses se reúnen en Madrid para debatir, decidir y anunciar quien entre Sandrine Collette, Kamel Daoud, Gaël Faye o Hélène Gaudy ha conquistado al jurado español.

Desde hace ya más de 20 años, el Premio Goncourt se internacionaliza con la participación de varios países en el acto “Elección Goncourt”. Patrocinado por la Académie Goncourt, el “Choix Goncourt” es un acontecimiento anual destinado a promover la literatura y la lengua francesas en todo el mundo. Los estudiantes y los alumnos de secundaria otorgan el premio a un autor contemporáneo en lengua francesa cuya novela figure en una de las 3 selecciones anunciadas por los Académicos como preludio del Premio Goncourt.

Las universidades de Oviedo, Valencia, Granada y Madrid (Autónoma y Complutense) así como los Liceos franceses de Barcelona, Madrid y Valencia participan en el jurado de la octava edición de la Elección Goncourt de España. Después de varios meses de lecturas y debates en las aulas, los representantes de cada institución se reunieron en Madrid para defender sus opiniones y dar su decisión final sobre la obra galardonada. Cuatro novelas estaban en la última lista: ‘Madelaine avant l’aube’ de Sandrine Collette, ed. JC Lattés (FR)/Tránsito (ES). ‘Houris’ de Kamel Daoud, ed. Gallimard (FR)/Cabaret Voltaire (ES). ‘Jacaranda’ de Gaël Faye, ed. Grasset (FR)/Salamandra (ES). ‘Archipels’ de Hélène Gaudy, ed. L’Olivier (FR).

En esta ocasión el ganador de la edición 2024 ha sido Gaël Faye con su novela ‘Jacaranda’. Y así fue anunciado por el representante de los estudiantes y alumnos en una rueda de prensa abierta al público el pasado 3 de abril en la Mediateca del Institut français de Madrid, en presencia de los dos presidentes del jurado: el escritor Pierre Assouline, quien representa a la Academia Goncourt, y Eva Orúe, Directora de la Feria del libro de Madrid, junto al Director General del Institut français de España, Éric Tallon, Consejero de Cooperación y de Acción Cultural de la Embajada de Francia en España.

Más información

Institut français de España.

Fotografía ‘Elección Goncourt (ES)’ © Fernando Torres

Joan Fontcuberta. ‘Monstrorum historia’

Desde el 21 de marzo al 29 de junio la Kutxa Fundazioa en Tabakalera – Artegunea presenta los nuevos proyectos artísticos del fotógrafo catalán Joan Fontcuberta.

A lo largo de una trayectoria de cinco décadas de práctica y teoría visual, el artista, ensayista, docente y comisario de exposiciones Joan Fontcuberta ha centrado parte de su trabajo en analizar el impacto del pensamiento tecnocientífico en la producción y la recepción de imágenes, evidenciando los conflictos entre naturaleza, tecnología, fotografía y verdad. Como ha expuesto en sus ensayos, el positivismo del siglo XIX instauró la ciencia como forma dominante del conocimiento humano.

La fotografía, por su parte, tradicionalmente ha sido considerada una herramienta capaz de registrar de forma inequívoca la “realidad”, un instrumento objetivo. Joan Fontcuberta ha explorado los límites creativos tanto de la fotografía como de los dispositivos tradicionales de transferencia de información y experiencia —documento, archivo, museo— subvirtiendo su autoridad, con el objetivo de activar una actitud crítica por parte de los espectadores. En el contexto actual, con el avance de las tecnologías de la información, la actitud crítica que propone el artista se hace más necesaria todavía: la velocidad y el exceso con los que circulan datos e imágenes impiden la discriminación y la reflexión, y los fundamentos del conocimiento se ven cuestionados.

Comisariada por Sonia Berger, la exposición ‘Monstrorum historia’ recupera el título del célebre tratado de “lo monstruoso” del naturalista italiano Ulisse Aldrovandi para reunir cuatro proyectos artísticos de Joan Fontcuberta que exploran el cuestionamiento de la cultura tecnocientífica a la vez que proponen un juego, una desviación: por una parte, Herbarium (1982) y Fauna (1989) que pertenecen a la época predigital; y por otro HeghDI’ vem ghaH tu’lu’ Dinosaur (2023) y What Darwin Missed (2024), dos de sus trabajos más recientes en los que utiliza sistemas de visualización generativa con IA. El propósito del artista persiste a lo largo de los años, pero los lenguajes y los procedimientos técnicos han evolucionado de forma colosal.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha publicado varios libros y ensayos sobre fotografía, como ‘El beso de Judas. Fotografía y verdad’ (1997), ‘La cámara de Pandora’ (2010), ‘La furia de las imágenes’ (2016) o ‘Desbordar el espejo’ (2024).

Su trabajo de creación se ocupa de los conflictos entre naturaleza, tecnología, fotografía y verdad, siendo objeto de numerosas publicaciones monográficas y muestras personales en instituciones de todo el mundo.

Entre otros galardones, Joan Fontcuberta recibió en 1998 el Premio Nacional de Fotografía, y el Premio Hasselblad en 2013, además del título de Doctor Honoris Causa por la Universidad de París VIII en 2022.

Más información

Joan Fontcuberta. ‘Monstrorum historia’.

Doisneau en el centenario de Leica

Del 15 de marzo al 14 de junio de 2025, la Galería Leica de Núremberg presenta una exposición del gran fotógrafo francés Robert Doisneau.

Desde el año 2017, la firma Leica (acrónimo de Leitz Camera) viene celebrando aniversarios de su centenario. Y es que el prototipo experimental de Barnack, bautizado como ‘Lilliput’ por su tamaño, ya en 1916 sería probado por Leitz durante un viaje a Nueva York. Sin embargo, su salida al mercado se produjo casi una década más tarde, después de la Primera Guerra Mundial, cuando el modelo de Barnack es presentado en la feria de Leipzig, Alemania.

La Ur-Leica, primera cámara de 35 mm desarrollada por el ingeniero Oskar Barnack, quien fuera colaborador de Ernst Leitz, único accionista de la empresa tras el fallecimiento de su padre en 1920, que contaba con los objetivos intercambiables de Max Berek, diseñador de la línea original de lentes para Leitz, comenzó a distribuirse en todo el mundo en su primera producción anual de 1000 cámaras a partir del primero de marzo de 1925.

Ahora, entre los diversos eventos programados para celebrar la efeméride, la Galería Leica de Núremberg presenta la exposición ‘El París de Doisneau: una carta de amor visual’.

Robert Doisneau (1912-1994) fue un maestro de la llamada fotografía humanista. Fotógrafo callejero, reconocido por su habilidad para encontrar la belleza en los momentos cotidianos y enmarcarlos en escenas espontáneas, humorísticas y poéticas, Doisneau se sentía particularmente atraído por capturar la vida cotidiana de los parisinos: gente en las calles, niños jugando, parejas de enamorados, etc. Una de sus imágenes más icónicas es la famosa Le Baiser de l'Hôtel de Ville (El beso del Hotel de Ville), que se fue convirtiendo en una romántica representación atemporal del amor y el estilo de vida de París. El fotógrafo podía ser visto con frecuencia en las calles de la ciudad con la Rolleiflex 6×6 o su Leica R.

Como miembro de la Resistencia Francesa en la Segunda Guerra Mundial, continuó documentando la ciudad y las luchas de la vida en la zona ocupada por Alemania. Después de la guerra, comenzó a trabajar para importantes revistas como Vogue, mezclando la fotografía de moda con su distintivo estilo visual. Sus imágenes se presentan en exposiciones y colecciones de todo el mundo. También ha sido galardonado con numerosos premios, incluido el prestigioso Gran Premio Nacional de Fotografía de 1983. A día de hoy, la obra de Robert Doisneau sigue siendo una inspiración para fotógrafos callejeros de todo el mundo y un testimonio de la fotografía como medio para transmitir humanidad y emoción.

Las cámaras Leica han gozado siempre de un gran prestigio entre muchos fotógrafos profesionales y aficionados, siendo las preferidas de grandes maestros como Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Alberto Korda, Jeanloup Sieff, Sergio Larraín o Sebastião Salgado, entre otros muchos que elevaron la fotografía a categoría de arte.

Más información

100 años de fotografía Leica.

Fotografía Archivo de Leica © Robert Doisneau

‘Amazonias. El futuro ancestral’ en el CCCB

“Somos los hijos de la Anaconda. Somos los jaguares del Yuruparí”. Daiara Tukano, artista visual, muralista, docente y activista por los derechos de los indígenas brasileños.

‘Amazonias. El futuro ancestral’ nos adentra en la inmensa riqueza natural y cultural del territorio, las ciudades y las comunidades indígenas de la Amazonia para conocer el arte, el pensamiento y el enorme impacto ecológico de una región que es central para al futuro del planeta.

La exposición propone una mirada coral a la cultura amazónica y reivindica las voces autóctonas, que, desde el arte, el pensamiento, la ciencia o el activismo, plantean otras formas de vivir, crecer y relacionarnos con la naturaleza.

La Amazonia resulta inabarcable en su extensión y diversidad: atraviesa nueve estados donde conviven más de treinta millones de personas, un 60 % en áreas urbanas. La región es, asimismo, el hábitat originario de unos cuatrocientos pueblos indígenas que hablan más de trescientas lenguas diferentes. La temperatura del planeta y el cambio climático dependen del bosque amazónico, el mayor ecosistema tropical del mundo.

‘Amazonias. El futuro ancestral’ es un recorrido sensorial por la inmensidad de los ríos y de los bosques, por los sonidos, los olores, las ciudades, los rituales, las personas y las historias de vida de las comunidades amazónicas. Una enorme riqueza cultural y natural que hoy se ve afectada por la deforestación, los incendios, la sequía o las luchas por el control de las materias primas, conflictos que la exposición aborda de la mano de los principales científicos e investigadores de la región.

Lejos de aportar una visión folclórica o fatalista de la vida en la Amazonia, la exposición defiende la conexión y los conocimientos profundos que los pueblos amazónicos tienen de la naturaleza y sus antepasados. ‘Amazonias. El futuro ancestral’ no solo nos habla de una cultura y un ecosistema valiosos, sino que nos hace pensar en nosotros mismos como sociedad, en la fragilidad de nuestro entorno y en la urgente necesidad de recuperar formas más respetuosas de vivir.

Comisariada por Claudi Carreras, la muestra cuenta con el asesoramiento de expertos locales, como Jõao Paulo Lima Barreto, Eliane Brum, Emilio Fiagama, Lilian Fraiji, Valério Gomes, Nelly Kuiru, Eduardo Góes Neves, Daiara Tukano, Rember Yahuarcani i Joseph Zárate, y la participación del Laboratorio Aplicaciones Bioacústicas de la UPC, la Fundación Ernesto Ventós y la Fundación VIST.

La exposición es una oportunidad única para disfrutar de esta obra de nueva creación, que se ha encargado expresamente a destacados artistas y colectivos indígenas, como los impresionantes murales pintados in situ en Barcelona por el colectivo MAHKU, Rember Yahuarcani, Elías Mamallacta y Olinda Silvano y Cordelia Sánchez, las fotografías y los montajes audiovisuales de Andrés Cardona o la instalación artística de Santiago Yahuarcani y Nereyda López. También cuenta con las obras de Lalo de Almeida, Alberto César Aráujo, Ashuco, Christian Bendayán, Rafa Bqueer, Luiz Braga, Sérgio Carvalho, CEA, Chicha ads, Colectivo Água (Pablo Albarenga, Soll Sousa y Mariana Greif), Rosalba Cuelo, Paulo Desana, Estúdio Bijari, Alessandro Falco, Laíza Ferreira, Emilio Fiagama, Nicola Ókin Frioli, Diego Guerrero, Sheroanawe Hakihiiwe, Enrique Hernández, Yefferson Huamán, Karl Joseph, Emi Kondo, Alice Lepetit, Confucio Makuritofe Hernández, Pedro Martinelli, Leydy Martínez Panduro, Monky, Yanda Montahuano, Victor Moriyama, Musuk Nolte, Jorge Panchoaga, Gerardo Petsain, Berna Reale, Abel Rodríguez, Lili Sandoval Panduro, Leslie Searles, Alexandre Sequeira, Gena Steffens, Marc Alexandre Tareu, Tawna (Nixon Andy, Tatiana López, Enoc Merino Santi, Boloh Miranda, Sani Montahuano, Mukutsawa Montahuano y Lucía Villaruel), Turenko Beça, Iván Valencia, Wara Vargas, Márcio Vasconcelos, Versus Photo (Gihan Tubbeh, Musuk Nolte y Renzo Giraldo), Gê Viana, Fernando Vílchez, Marcela Yucuna, William Yukuna, Zecarrillo, artesanos de las comunidades Bora, Kukama y Urarina de Perú, entre otros.

Más información

CCCB. Día 10 de marzo: Davi Kopenawa. Sostener el cielo: palabras de sabiduría ancestral. Día 11 de marzo: Escuchar a la selva: Palabras de un sabio yanomami. Una mañana con Davi Kopenawa.

‘Becoming Led Zeppelin’

Dios los creó y ellos se unieron para formar la banda más legendaria de la historia del rock.

El pasado 7 de febrero se estrenaba en nuestro país el primer documental oficial de la historia de la mítica banda de rock Led Zeppelin. Una formación irrepetible que supo crear con su personal estilo un rock and roll que se ha caracterizado por tener sus raíces sonoras en el blues, la psicodelia y el folk, y que, a su vez, ha influido en muchas otras bandas más jóvenes con su sonido original y rico en matices, precursor del llamado hard rock y el heavy metal, que permanecerá ya para siempre en la historia universal de la música popular como un fabuloso legado.

El documental ‘Becoming Led Zeppelin’ desgrana los avatares de los miembros del grupo previos a la formación definitiva y perfecta, comandada por el virtuoso guitarrista y músico de sesión Jimmy Page, con sus potentes riffs, melodiosos solos, sonido distorsionado y experimentales afinaciones del instrumento; el cantante y letrista Robert Plant, considerado por muchos el mejor cantante de rock de todos los tiempos; el teclista y bajista John Paul Jones, también músico de sesión y arreglista, y sus poderosas líneas de bajo punteando el ritmo con una marcada sonoridad, y por último, el malogrado baterista John Bonham, una inagotable locomotora con baquetas a las cajas, bombo y otras percusiones.

‘Becoming Led Zeppelin’ nos muestra los orígenes de esta icónica banda de rock y el ascenso meteórico que, contra todo pronóstico, experimentó el grupo en tan solo un año. Se trata de un documental épico, explicativo y en muchos momentos emocionante, como es cuando recupera y reproduce la voz del desaparecido John Bonham. El filme es un gran homenaje a una gran banda que aún hoy sigue y seguirá apasionando a sus fans incondicionales y a las siguientes generaciones de adeptos.

Este documental representa la odisea cinematográfica y experiencial de su director, Bernard MacMahon, para relatar la historia del origen creativo, musical y personal de Led Zeppelin a través de una gran cantidad de imágenes inéditas y poco conocidas de las actuaciones de la banda gracias a la autorización y apoyo sin precedentes del grupo y al acceso a sus archivos. Lo que consolida a esta película como el documental definitivo sobre la trayectoria de Led Zeppelin durante sus primeras giras, aderezado con comentarios íntimos y exclusivos a cargo de los miembros de esta emblemática banda.

Lo mejor de Led Zeppelin desde aquellos históricos conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, que pudimos ver en ‘The Song Remains the Same’. La película estrenada en 1976 que recoge la grabación del álbum homónimo con la filmación de las escenas en vivo del concierto que tuvo lugar en Nueva York, a lo largo de tres noches, aquel mes de julio de 1973 durante el tour del grupo. Ese año Led Zeppelin se convirtió en la primera banda en agotar las entradas en el Madison Square Garden en tan solo cuatro horas.

Led Zeppelin se disolvió en 1980 tras la muerte accidental de John Bonham.

Más información

‘Becoming Led Zeppelin’. Tráiler oficial.

Fotografía Afiche Led Zeppelin © Sony Pictures

La corresponsal de guerra Lee Miller

La galería FotoNostrum muestra en Barcelona más de un centenar de fotografías de la fotoperiodista Lee Miller, que ejercería de corresponsal para Vogue durante la Segunda Guerra Mundial.

De una exitosa carrera como modelo en la Nueva York de los años 20 hasta una reconocida fotógrafa en París, la vida de Lee Miller (1907-1977) abarcó el arte, la moda y la historia, convirtiéndose en una figura clave del movimiento surrealista. Sin embargo, fue su trabajo como fotorreportera durante la Segunda Guerra Mundial lo que realmente definió su legado. ‘Lee Miller: Crónicas de guerra’ reúne 124 fotografías que ofrecen una perspectiva reveladora de la historia de la guerra a través de los ojos de una fotoperiodista comprometida. En 1944, acreditada como reportera del ejército de los EE. UU., Miller cubrió momentos clave de la guerra por toda Europa. Sus poderosas imágenes del Día D, la liberación de París y las de campos de concentración como el de Dachau siguen representando unos registros históricos imprescindibles. Si bien muchas de sus fotografías no saldrían a la luz en su momento.

Esta exposición repasa ahora la trayectoria de esta gran fotoperiodista que documentó la Segunda Guerra Mundial y que, al mismo tiempo, fue una destacada figura del movimiento surrealista. Aprendiz y luego la musa, amante y asistente del legendario Man Ray, abriría su propio estudio en París donde se encargaba de realizar las fotografías de moda que le solicitaban a Ray. De hecho, muchas de las fotos de esa época atribuidas al fotógrafo realmente fueron tomadas por Miller.

Como corresponsal de guerra, Lee Miller no se limitó a fotografiar el campo de batalla, sino que exploraba los alrededores para inmortalizar momentos de la vida cotidiana entre balas y explosiones. Los protagonistas de sus fotografías eran también heridos de guerra, refugiados, soldados, trabajadores de los campos, enfermeras y víctimas, incluidos mujeres y niños. Entre las fotografías expuestas, asimismo destaca la icónica fotografía en la que Miller aparece bañándose en la casa de Adolf Hitler en Múnich, tomada después de que el dictador se quitara la vida. El célebre retrato lo realizaría David E. Sherman, corresponsal de la revista Life, siguiendo las indicaciones de Miller, que posó desnuda en la bañera de Hitler, con sus propias botas en primer plano manchadas de barro tras haber visitado el campo de concentración de Dachau.

Tiempo después, Miller reconocería que no solo se bañó en su bañera, sino que también durmió en la cama de Hitler y Eva Braun aquel 30 de abril de 1945, el mismo día que Hitler se suicidaba en su búnker. Tras nacer su primer y único hijo en 1947, la actividad fotográfica de Miller fue decayendo hasta su muerte en 1970.

Por otra parte, también está próximo el estreno en nuestro país de la película que narra la historia de Elizabeth ‘Lee’ Miller. Estrenada el pasado mes de septiembre en EE.UU., está protagonizada por Kate Winslet en el papel de Lee Miller. El film, dirigido por Ellen Kuras, repasa la fascinante trayectoria profesional de la fotógrafa neoyorquina que, como reportera y cronista de guerra, entre otras cosas documentó el horror de los campos de concentración de Dachau y Buchenwald.

Más información

FotoNostrum.

LEE MILLER - Tráiler Oficial.

Fotografía Lee Miller (unknown photographer)

PhotoBrussels Festival 2025

El pasado día 23 de enero arrancaba la novena edición del festival belga que celebra en diferentes galerías de Bruselas su mes de la fotografía.

El PhotoBrussels Festival reúne 46 espacios de arte donde la fotografía contemporánea será la protagonista, en el que viene siendo ya el gran mes de la fotografía en Bruselas, y en el que el público asistente puede diseñar su propio circuito y descubrir así galerías, centros de arte y espacios dedicados a la fotografía. El festival congrega exposiciones, talleres, conferencias, encuentros con talentos emergentes y de renombre, firmas de libros, actuaciones y otros muchos eventos que se pueden consultar en el sitio web de PBF.

Creado en 2016 por iniciativa del centro de arte Hangar, el PBF tiene como objetivo reunir, durante un mes, a todos los apasionados, ya sean aficionados como profesionales de la fotografía contemporánea. Desde 2022, se ha creado un comité de coordinación para gestionar la organización del festival y establecer sinergias entre los diferentes lugares participantes. Este comité está compuesto por Atelier Contraste, Box Galerie, Contretype, L’Enfant Sauvage, Fondation A. Stichting, La Nombreuse, y el propio Hangar, que ofrece exposiciones cuidadosamente seleccionadas, una librería especializada y una galería comercial.

El PhotoBrussels Festival es un evento cultural que establece a Bruselas como un actor esencial en la escena fotográfica internacional, formando parte del Mes Europeo de la Fotografía (EMOP), una red de festivales de fotografía presentes en varias ciudades europeas, entre ellas Berlín, Lisboa, Luxemburgo, París, Viena y Bruselas.

El objetivo de este proyecto conjunto es promover la cooperación a nivel europeo, fortalecer la escena fotográfica internacional, intensificar el intercambio de información y experiencias y apoyar a los jóvenes artistas. Los resultados de esta cooperación incluyen exposiciones de fotografía contemporánea concebidas conjuntamente, que pueden mostrarse de forma adaptada en las ciudades asociadas de la red EMOP.

El festival se distingue por centrarse en destacar las obras tanto de artistas emergentes como consagrados. El PBF muestra el trabajo de fotógrafos belgas e internacionales, ofreciendo una perspectiva multicultural dentro de un amplio programa que incluye exposiciones, talleres, conferencias y visitas guiadas dirigidas a todo tipo de público. A lo largo de un mes, el festival sirve también como plataforma para el intercambio y la confrontación de ideas.

Al no limitarse a un único lugar de exposición, el PhotoBrussels Festival permite a los visitantes descubrir diferentes aspectos de la ciudad de Bruselas, lo que lo convierte en una cita obligada para los amantes de la fotografía.

Fin de semana inaugural del 24 al 26 de enero.

Más información

PhotoBrussels Festival.

Fotografía Cherry Airlines © Pascal Sgro

‘Ramón Masats. El fotógrafo silencioso’

La Fundación Foto Colectania inauguró este jueves en Barcelona una muestra del fotógrafo catalán fallecido el pasado año. 

Ramón Masats es el fotógrafo más influyente de la generación española de los sesenta, un reconocimiento que consiguió gracias a una destreza instintiva para componer sus fotografías, su enfoque e irónica visión con la que afrontó los clichés de la cultura de postguerra y a su radical convicción de fotografiar con absoluta libertad.

La exposición, que incluye imágenes de época que nunca antes se habían mostrado, se compone de una selección de más de 140 fotografías que abarcan el período inicial de la carrera de Masats, desde sus primeros trabajos en 1953 hasta 1965, momento en el que deja la práctica fotográfica durante más de una década, para dedicarse al cine y la televisión.

En sus inicios participó en los movimientos de renovación de la fotografía, publicó libros excepcionales que pronto fueron referencias de culto y cumplió su gran sueño: convertirse en profesional de la fotografía y trabajar para las mejores cabeceras del momento, que apostaban por el valor de la imagen.

Ramón Masats ha tenido su merecida distinción con exposiciones y libros que revisan buena parte de su trayectoria, para lo que contó con la complicidad de comisarios como Chema Conesa, Laura Terré o Publio López Mondéjar, que trabajaron con él en su excepcional legado.

Foto Colectania quiere recordar así su trabajo y agradecer la colaboración en los textos de sala de Jaume Fuster (autor de la tesis doctoral sobre la obra de Ramón Masats), y destaca sus primeros trabajos, donde el autor experimentaba y alternaba la fotografía abstracta con el reportaje, mostrando por primera vez las antiguas fotografías de la serie ‘Las Ramblas’.

Tampoco podía faltar una selección de fotografías de sus libros fundamentales: Neutral Corner (su obra maestra con textos de Ignacio Aldecoa) y ‘Los Sanfermines’, el primer fotolibro de Masats (con selección y maquetación del autor), con las copias de época celosamente guardadas hasta hoy.

La exposición recorre una extensa selección de imágenes icónicas, combinadas con algunas fotografías inéditas, para recordar también que Masats fue cronista de una España que vivía en la dictadura: un documento excepcional que huye del estereotipo y el encasillamiento y nos muestra como la contundente mirada del fotógrafo siempre se reservaba la empatía para la gente común.

La Fundación agradece a Sonia Masats su colaboración para organizar esta exposición, pudiendo así revisar todas las copias originales del archivo y los negativos que el fotógrafo validó en diferentes momentos. Su inestimable ayuda permitió tener la certeza de que todas las imágenes que ahora se exponen fueron aprobadas por su autor.

La exposición ‘Ramón Masats. El fotógrafo silencioso’, comisariada por Pepe Font de Mora, se podrá visitar en Fundación Foto Colectania hasta el 25 de mayo de 2025.

Más información

Foto Colectania/Ramón Masats.

Fotografía ‘Sanfermines, 1957-60’ © Ramón Masats - VEGAP, Barcelona 2025