Catrin Finch y Seckou Keita en concierto

La arpista galesa Catrin Finch y el intérprete de kora senegalés Seckou Keita unen su talento y virtuosismo para ofrecer una extraordinaria exhibición de armonía musical.

Tras sus actuaciones de este verano por el Reino Unido, el dúo dio ayer en CaixaForum Madrid un espléndido concierto con el que remató la gira española.

Basándose en sus respectivas y muy dispares tradiciones musicales, su exitoso álbum debut ‘Clychau Dibon’ es el resultado de la brillante sinergia con que ambos intérpretes fusionan y transforman de manera sublime las melodías galesas y los ritmos mandingas. En el escenario este proyecto, aclamado por la crítica y la prensa especializada, es un viaje musical en el que Finch y Keita se alternan en hipnóticas improvisaciones y en una sorprendente simbiosis interpretativa en cada uno de los temas del disco.

“Todo en la música tiene que ser honesto, y los significados más profundos de las canciones y las melodías deben preservarse”, opina Keita. “Es por eso que es importante que las colaboraciones sean adecuadas para la música, y hay conexiones entre, por ejemplo, los sonidos cubanos e indios y el repertorio de la kora que se pueden explorar sin perder los distintos sabores de las diferentes tradiciones y estilos”.

Seckou Keita nació en Ziguinchor, Senegal. A través de su padre es descendiente de la dinastía real Keita de Malí, mientras que la familia de su madre, los Cissokhos, son una familia griot (cantante tradicional de África Occidental). Lanzó su carrera internacional en 1996 asesorado por su tío y también músico Solo Cissokho, con apariciones en el Festival Førde de Noruega colaborando con músicos cubanos, indios y escandinavos. En los años siguientes, Keita se mudó al Reino Unido, entretanto viajaba regularmente a España, Francia, Portugal, Grecia y la República Checa, además de tocar en festivales tan prestigiosos como el WOMAD o el de Glastonbury, tanto como solista como en colaboración con grandes figuras de la talla del violinista indio Subramaniam, el cantante senegalés Youssou N'Dour o el cantante y compositor británico Paul Weller, entre otros.

Catrin Finch nació en Llanon, Gales. Hija de madre alemana y padre inglés comenzó a aprender a tocar el arpa a la edad de seis años. A los nueve ya había aprobado su examen de arpa Grado VIII. Fue miembro de la National Youth Orchestra de Gran Bretaña a la edad de diez años, convirtiéndose en la más joven de sus miembros en tocar en los célebres conciertos de la BBC ‘The Proms’. Estudió arpa con Elinor Bennett y más tarde con Skaila Kanga en la Purcell School of Music de Londres. Durante la década de 1990, Finch ganó varias competiciones para jóvenes arpistas, incluido el Premio Nancy Richards y el Blue Riband en el National Eisteddfod de Gales. A día de hoy ha tenido innovadoras colaboraciones con diversos músicos como el gran intérprete de kora de Malí Toumani Diabaté.

Finch y Keita resultaron ganadores del fRoots Album Of The Year por el disco ‘Clychau Dibon’, además de obtener dos nominaciones a los BBC Radio 2 Folk Awards al mejor dúo y mejor canción tradicional. Y es que como se pudo comprobar en su concierto en Madrid, la química compositiva y ejecutante de estos artistas trasciende las fronteras entre los géneros de la música mundial, clásica, popular y tradicional.

  

Más información

Página web de Catrin Finch & Seckou Keita.

Fotografía de Finch y Keita © Fernando Torres 

La lomografía, una experiencia visual

En plena Era digital, en la que la fotografía experimenta cada día nuevos e importantes avances como son las excelentes prestaciones de las últimas cámaras réflex o el uso de los cada vez más sofisticados smartphones, asistimos también al resurgir de las cámaras instamáticas, como la emblemática Polaroid o la Lomo Instant. Y de igual forma se advierte una pujante vuelta a la fotografía analógica a tenor del reciente auge y las posibilidades que ofrece la lomografía.

Los mejores inventos nacen de las casualidades, pero también de una necesidad, como le ocurriría a Edwin Land con su Polaroid. Y es que el caprichoso azar propició que, a principios de los 90, Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger, dos estudiantes austriacos, encontraran en un mercadillo de Praga por casualidad una curiosa cámara rusa llamada ‘LOMO’ (Lomo LC-A).

‘LOMO’ es el acrónimo de Leningradskoye Optiko-Mechanichesckoye Obyedinenie (Unión Mecánica Óptica de Leningrado), una compañía fundada en San Petersburgo en 1914. Sería el General Igor Petroviwitsch, mano derecha del Ministro de Defensa y de Industria de la Unión Soviética, quien en 1982 mostrara una mini cámara japonesa a su camarada Michael Panfilowitsch, director de la fábrica rusa especializada en armas y óptica. Panfilowitsch examinó la cámara observando la gran nitidez de su lente de cristal, su extrema sensibilidad a la luz y su robusto armazón.

La cámara en cuestión, objeto de aquel flagrante caso de espionaje industrial, no era otra que la nipona Cosina CX-1, que se copió con la intención de mejorar su diseño, creando así el primer prototipo de la rusa Lomo LC-A –que los espías de la KGB utilizaban para fotografiar planos secretos o armamento–, y que se exportó a países por entonces comunistas como Ucrania, Polonia, Checoslovaquia e, incluso, Cuba, dando lugar al fenómeno que vino después conocido como ‘lomografía’. Muy pronto el uso de estas máquinas fotográficas se extendería por Europa occidental.

Los descubridores que darían a conocer al mundo entero la Lomo Kompakt Automat (mejor conocida como Lomo LC-A), serían esos dos estudiantes de Viena que la adquirieron sin saber aún su trascendencia en el mundo de la fotografía experimental. En su recorrido por las calles de Praga realizaron fotografías fortuitas sin apenas mirar a través del visor de la cámara, de una forma casual y espontánea. A la vuelta de sus vacaciones, al revelar las fotos, para su sorpresa comprobaron que las instantáneas eran luminosas, de saturados colores, y transmitían con gran frescura la emoción del momento, advirtiendo las posibilidades artísticas que se derivaban de esa compulsiva práctica fotográfica.

Esa intensificación de los colores se debe a la lente gran angular llamada Minitar 1, que fue expresamente diseñada por el profesor Radionov. La singular lente se caracteriza porque da como resultado una mayor saturación de los colores en el centro de la imagen. Causa un efecto túnel, además de un oscurecimiento en las esquinas del encuadre, produciendo ese característico viñeteado. Mientras que su rudimentario mecanismo de enfoque, con sólo cuatro modos: 0,8 metros, 1,5 metros, 3 metros e infinito, hace que algunas fotos aparezcan algo desenfocadas, pero con un particular toque artístico. A lo que se suma la opción del disparador en modo ‘manual’, con largas exposiciones a baja luz, creando deliberadamente insólitas visiones.

El hallazgo de los estudiantes corrió de boca en boca y comenzaron a demandar cámaras al antiguo bloque soviético clandestinamente. Poco después se fundaría la Sociedad Lomográfica, que actualmente cuenta con más de 500.000 miembros.

A pesar de que en San Petersburgo la producción haya decaído, la Sociedad Lomográfica ha conseguido llevar las matrices de estos modelos a China, para evitar la escasez de máquinas en el mercado. Y está demostrando que la lomografía se ha convertido en algo más que una moda, es una popular forma experimental de expresión artística.

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Página web oficial de Lomografía.

Enlace de interés

El efecto ‘Lomo’ con Photoshop.

Fotografía ‘Otoño’ © Fernando Torres

Richard Ford en el Hay Festival Segovia

La multitudinaria cita cultural anual segoviana acoge este año al escritor norteamericano Richard Ford, galardonado en 2016 con el Premio Princesa de Asturias de las Letras.

De nuevo este año Segovia celebra su internacional Hay Festival con más de 70 eventos repartidos entre sus jardines y plazas, palacios, capillas y monasterios. Y uno de ellos será el encuentro del próximo domingo 24 de septiembre con Richard Ford, ganador de los premios Pulitzer y PEN/Faulkner con la misma novela, ‘Independence Day’.

A menudo mencionado en muchos rumores como uno de los candidatos al Nobel en los últimos años, sobre todo después de que el también norteamericano Philip Roth lo obtuviera en la edición de 2012, Richard Ford (Jackson, Mississippi, 1944) está considerado uno de los mejores novelistas de su generación, muy valorado por su libro ‘El periodista deportivo’ (1986), con el que fue Finalista del Premio Faulkner 1987, y por su continuación, ‘El día de la independencia’ (1995).

‘Canadá’, una de sus mejores y más recientes obras, nacía a raíz de un envite con el desaparecido Raymond Carver durante una excursión de caza: “Allá por 1986 cruzamos la frontera para cazar gansos salvajes. Nos encontrábamos en la provincia de Saskatchewan y decidimos hacer una apuesta para ver quién era capaz de integrar ese nombre en un relato. Gané yo, pero solo porque Ray murió antes de poder realizarlo. Esa debió de ser la llama que encendió mi interés literario por Canadá”.

En esta ocasión, Ford ofrecerá en Segovia la conferencia ‘¿Ha existido realmente el sueño americano?’. Duda que quizá con cierta desilusión haya venido poniendo de manifiesto en sus últimas novelas, como son la citada ‘Canadá’ y ‘Francamente, Frank’, donde con ese sentimiento retrata la vida cotidiana de la clase media norteamericana. Asimismo, en dicho acto el escritor leerá fragmentos de su nuevo libro ‘Entre ellos’, obra que gira en torno a la historia de sus progenitores.

A esta duodécima edición del Hay Festival, que se está celebrando en la capital segoviana desde el 16 al 24 de septiembre, asisten entre otras personalidades los escritores Antonio Muñoz Molina, Santiago Posteguillo, Jeanette Winterson, o la marroquí Leila Slimani, ganadora del premio Goncourt 2016.

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Hay Festival Segovia

Nicholas Nixon, el fotógrafo del tiempo

Nacido en 1947 en Detroit, Michigan, Nicholas Nixon es un fotógrafo conocido por sus trabajos como retratista y documentalista, además de por ser un defensor del uso de la cámara de gran formato. 

La serie más conocida de este fotógrafo del paso del tiempo es la de los retratos en los que aparecen su mujer, Beverly Brown (Bebe), con sus tres hermanas conocida como ‘The Brown sisters’, que inició en 1975 y continúa haciéndolo en 2017. El proyecto nació de una manera casual: Nixon decidió fotografiar a las entonces jóvenes chicas por la evidente similitud de sus rasgos, su belleza y su sutil aire de rebeldía. “A todos nos gustó mucho una fotografía, y de ahí el impulso del que salió la idea. La misma que se les ocurre a la mayoría de los padres”.

El retrato de las hermanas se convirtió en una familiar ceremonia anual que Nixon, su mujer y sus cuñadas mantienen durante más de cuarenta años, con las entonces jóvenes Bebe, Mimi, Laurie y Heather convertidas en mujeres maduras, mirando al objetivo y siempre posicionadas en el mismo orden. La esposa de Nixon es la segunda contando por la derecha.

Las fotografías que componen la serie nos transmiten la sensación de estar presenciando una escena privada que, a su vez, está cargada de profundos conceptos universales, como son la naturalidad, la fortaleza y el ineludible paso del tiempo. Desde el punto de vista formal, las fotografías destacan por su fidelidad y por su riqueza tonal; contempladas como serie, se convierten en instantes de equilibrio dentro de la incesante regularidad de un proceso de transformación. La capacidad de detener el tiempo en cada fotografía provoca en el espectador que observa la serie un involuntario sentimiento de nostalgia.

Desde sus inicios Nixon se ha inspirado en artistas como Cartier-Bresson, Eugène Atget, Walker Evans, Harry Callahan o Robert Adams. La perfección técnica, la claridad y la precisión, que desde el siglo XIX son constantes de la fotografía formal americana, dominan artísticamente la producción de este fotógrafo que desde el próximo 14 de septiembre se podrá admirar en las salas de la Fundación MAPFRE. Se trata de la mayor retrospectiva hasta la fecha dedicada a la obra de Nicholas Nixon. Además de las fotografías de la serie de ‘Las hermanas Brown’, realizadas en gelatina de plata y en formato 50,5 x 60,5 cm, de la que se hizo una tirada de siete impresiones, de las que una pertenece a la Colección MAPFRE, la exposición comprende una selección de más de doscientas obras, comenzando por las primeras vistas de ciudades de los años 70. Pero también de los ancianos, la intimidad de las parejas, los enfermos o la familia.

Orientado sobre todo al retrato, con una depurada técnica y una cuidada composición, Nixon captura la realidad cotidiana; temas y aspectos de la vida que, por su humanidad en el tratamiento y cercanía, logran que el espectador participe de ellos y se sienta identificado.

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Fundación MAPFRE 

Homenaje a Melville en su centenario

Se suceden los tributos al cineasta Jean-Pierre Melville, gran precursor de la Nouvelle Vague y el cine negro francés, en este año en el que se cumple el centenario de su nacimiento.

Tras el del pasado mes de enero en el Festival de Sundance, el de mayo en el XX Festival de Cine Francés de Cuba, o en otros muchos certámenes cinematográficos internacionales como el de Cannes, Venecia, Río de Janeiro, Tokio y Mar del Plata, el próximo mes de septiembre el Institut français de España en Madrid rendirá su particular homenaje a este influyente director. Ya que en octubre también será recordado en  la 62ª edición de la Seminci de Valladolid, sumándose así a los actos organizados por el Instituto francés en la conmemoración del Centenario del realizador de ‘El samurái’, ‘Crónica negra’, ‘El ejército invisible’ y ‘Hasta el último aliento’, entre otras.

En el marco de esta celebración, y en acción conjunta con la Fundación Jean-Pierre Melville, la Filmoteca Española y la Academia de las artes y las ciencias cinematográficas de España, el día 7 de septiembre el Institut français de Madrid proyectará en exclusiva el documental Sous le nom de Melville de Olivier Bohler. A continuación, el público asistente podrá participar de un encuentro con el director de cine Enrique Urbizu y Laurent Grousset, sobrino de Melville y presidente de la Fundación Jean-Pierre Melville.

Sous le nom de Melville, primer largometraje documental consagrado al cineasta desde su muerte en 1973,  narra la trayectoria de Melville durante la Segunda Guerra mundial y el impacto que esta experiencia personal de la guerra y de la Resistencia tuvo en el conjunto de su obra, al mismo tiempo que, indirectamente, en la de sus colegas contemporáneos. La película incluye entrevistas con directores como Johnnie To o Masahiro Kobayashi, que opinan sobre el cine del maestro francés.

Figura emblemática del cine negro y del cine mundial, Jean-Pierre Melville fue también actor, guionista, productor y rodó junto a los actores más venerados de su época, como Delon, Belmondo o Deneuve, entre otros. Como realizador está considerado uno de los cineastas más importantes de su generación, influyendo de manera notable en directores contemporáneos tales como Tavernier, Tarantino, Michael Mann, o el citado Johnnie To.

Enlace de interés

Semana Internacional de Cine de Valladolid, Seminci.

Fotografía de Jean-Pierre Melville © STUDIOCANAL/Fono Roma

Jamie Cullum, el enfant terrible del jazz

El pianista y vocalista británico Jamie Cullum derrochó anoche vitalidad y talento en el escenario de las ‘Noches del Botánico’, ciclo de conciertos que se celebra desde el 22 de junio al 29 de julio en el Jardín Botánico de la Universidad Complutense de Madrid.

Como es habitual en este joven artista, el pasado 26 de julio interpretó para un aforo de seguidores una mezcla de jazz con melodías pop y rock durante más de dos horas. Deleitó al personal con un repertorio musical propio en el que tuvieron también cabida personales versiones como la del clásico de Jimi Hendrix ‘The wind cries Mary’, o una apoteósica versión del ‘Sinnerman’ de la gran Nina Simone. Y es que Jamie Cullum y su banda son capaces de versionar y pasar por el filtro del jazz éxitos de otros artistas como Jeff Buckley, Rihanna, Kanye West o White Stripes, entre otros.

Para quien todavía no conozca a Jamie Cullum hay que decir que su álbum ‘Twentysomething’ (2003) es el disco de jazz de estudio más vendido de la historia. Y hasta ha cosechado ya éxitos en el mundo del cine colaborando en la banda sonora de distintas películas, como es el caso de ‘Gran Torino’, que dirigiera Clint Eastwood, resultando nominado como mejor canción original en los Golden Globe Awards, galardones concedidos por los miembros de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood en reconocimiento a la excelencia de profesionales en cine y televisión, tanto en Estados Unidos como a nivel mundial.

Su segundo álbum, ‘Pointless Nostalgic’ (2002), que fue editado por un pequeño sello de jazz (Candid), consiguió que la discográfica Universal Records se fijara en él y le ofreciera un contrato por un millón de libras para promocionar y grabar sus discos durante los siguientes cinco años.

Jamie Cullum se ha convertido en uno de los principales referentes del jazz vocal actual, hasta el punto de ser considerado por el público americano como sucesor de Harry Connick Jr.

Discografía

‘Heard It All Before’ (1999).

‘Pointless Nostalgic’ (2002).

‘Twentysomething’ (2003).

‘Catching Tales’ (2005).

‘The Pursuit’ (2009).

‘Momentum’ (2013).

‘Interlude’ (2014).

Más información

Página web oficial de Jamie Cullum.

Fotografía de Jamie Cullum © Tom Beetz (Creative Commons)

El folk gaélico escocés de Julie Fowlis

Originaria de Escocia, Julie Fowlis es una multiinstrumentista que interpreta música celta y canta habitualmente en gaélico escocés.

Fowlis nació y creció en North Uist, una isla de las Hébridas Exteriores, una comunidad de mayoría gaélicohablante. Desde muy pequeña se involucró con la música tradicional y aprendió a cantar, a bailar y a tocar la gaita.

El gaélico escocés es una lengua celta que alrededor del siglo V, cuando los escotos de etnia celta provenientes del norte de Irlanda se asentaron en la costa occidental, se impuso como una variedad del irlandés antiguo que sustituyó a la antigua lengua de los pictos hablada en la zona hasta entonces. De ahí su similitud con el gaélico hablado en Irlanda y la Isla de Man. Más tarde, las influencias lingüísticas procedentes de los anglos y las invasiones vikingas irían relegando cada vez más el idioma, hasta que a finales de la Baja Edad Media se crearan en las islas Hébridas las cortes locales y las escuelas de bardos, que fueron cuna del sistema de clanes de las Highlands y un refugio para la cultura y el idioma gaélico, reprimido durante siglos.

Julie Fowlis lleva por tanto en su ADN la tradición de esos orígenes, y eso es algo que realmente se hace patente en la bella forma de interpretar su música, capaz de trasladarnos con la imaginación a esas tierras húmedas envueltas en la bruma desde los primeros acordes y evocadores cantos gaélicos. Para ello se hace acompañar en el escenario por músicos habituales como Éamon Doorley a la guitarra acústica o bouzouki irlandés, el guitarrista Tony Byrne o el gran violinista escocés Duncan Chisholm, miembro fundador del grupo de rock folk Wolfstone, que también ha grabado y producido seis álbumes en solitario. Además, regularmente cuenta con la colaboración del acordeonista Donald Shaw, componente del grupo Capercaillie, en los arreglos musicales de poemas escritos por reconocidos poetas del gaélico que son revisitados por el grupo.

La gira española de Fowlis comenzó en Sevilla el 5 de julio, seguida de su brillante actuación en CaixaForum Madrid del pasado día 6. Después serán Ham (Bélgica) el 12 de agosto y Edimburgo (Escocia) el 26 de ese mismo mes para dar por terminado el verano. En otoño Julie volverá a los Estados Unidos, donde presentará una selección musical de su nuevo catálogo y las canciones de su próximo álbum. Empezará en Ohio y luego se trasladará al norte, a New Hampshire y Vermont antes de dirigirse hacia el sur para actuar en Utah, Arizona, Colorado y Nuevo México, finalizando con un regreso al BlackRock Center for the Arts en Germantown, Maryland.

Más información

Página web oficial de Julie Fowlis.

Fotografía de Julie Fowlis © Fernando Torres