domingo, 18 de abril de 2021

Eugene Smith. ‘El fotógrafo de Minamata’

El pasado viernes el actor estadounidense Johnny Depp presentó en Barcelona la película de factura británica Minamata, donde Depp da vida al fotoperiodista William Eugene Smith.

“Los fotógrafos también se dejan parte de su alma en cada foto que hacen, en cada clic”. Johnny Depp.

Aunque de forma unánime a día de hoy las críticas no sean muy benévolas con esta cinta, un film sobre el personaje de Eugene Smith siempre será de agradecer para todos los que tengan cierta afinidad o curiosidad por este mítico fotógrafo. Pues, como ha dicho el crítico de cine y escritor inglés Peter Bradshaw en The Guardian, se trata de “una película franca y emotiva (...) con una historia que merece la pena ser contada (...)”.

William Eugene Smith (1918 - 1978) comenzó a hacer sus primeras fotografías con 15 años de edad para dos periódicos locales. Tras graduarse en la High School de Wichita, en 1936 le conceden una beca para estudiar fotografía en la Universidad de Notre Dame de Indiana. Un año después dejaría la universidad para trasladarse a la ciudad de Nueva York, allí estudió con Helene Sanders en el NYIP (Instituto de Fotografía de Nueva York). En 1937, comienza a trabajar para News-Week (más tarde Newsweek), pero es despedido por negarse a usar cámaras de formato medio y en adelante se une a la agencia Black Star como autónomo.

Eugene Smith trabajó como corresponsal de guerra para Flying magazine de 1943 a 1944, y un año después para la revista LIFE. Siguió la ofensiva estadounidense contra Japón en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa, sufriendo lesiones graves mientras simulaba las condiciones de batalla para la revista Parade, que requirieron que se sometiera a cirugía.

Una vez recuperado, Smith volvió a trabajar para LIFE entre 1947 y 1955, antes de que renunciara para unirse a Magnum como asociado. En 1957, se convertiría en miembro de pleno derecho de Magnum. Trabajando para la agencia se dedicó fanáticamente a su misión como fotógrafo. Debido a esta dedicación, los editores a menudo lo consideraban “problemático”.

En 1978, un año después de mudarse a Tucson para enseñar en la Universidad de Arizona, Smith moría de un derrame cerebral. Sus archivos se encuentran en el Center for Creative Photography en Tucson, Arizona.

Hoy en día, el legado de Eugene Smith sigue vivo a través del Fondo W. Eugene Smith para promover la “fotografía humanista”, fundado en 1980, que premia a los fotógrafos por sus logros excepcionales en este campo.

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Eugene Smith en MAGNUM Photos.

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Trailer de El fotógrafo de Minamata’.

Fotografía de Eugene Smith © Takeshi Ishikawa

jueves, 1 de abril de 2021

La fotografía inédita de Nicolás Muller

La Comunidad de Madrid presenta la exposición ‘Nicolás Muller. La mirada comprometida’, que se podrá ver en la Sala El Águila hasta el 30 de mayo.

La muestra la componen 125 fotografías, en su mayoría inéditas, de este gran fotógrafo húngaro que obtuvo la nacionalidad española a finales de la década de 1950. 

Pero antes de instalarse definitivamente en nuestro país y debido al creciente influjo de la Alemania nazi, Muller se había trasladado a París, donde comienza a colaborar con revistas y a relacionarse con otros colegas compatriotas como Robert Capa y Brassaï. Quizá menos conocido que ellos en la actualidad, Nicolás Muller pertenece a esa excepcional lista de artistas húngaros en la que figuran los también fotógrafos László Moholy-Nagy, André Kertész, Martin Munkácsi y Lucien Hervé.

En sus inicios, influido por los fundamentos estéticos de la Bauhaus y del Constructivismo soviético, Muller se dedicó a retratar las duras condiciones de vida y trabajo de los campesinos húngaros. Finalmente, esos reportajes desagradaron a la derecha de su país y fue considerado antipatriótico.

Testigo de una Europa desgarrada, en su búsqueda de una sociedad libre, Nicolás Muller fue recalando en varios de los países que sufrieron la barbarie nazi como Austria, Italia y Francia, o dictaduras como las de Portugal y España. La exposición, que representa un recorrido vital por esos países en los que vivió, la componen fotografías tomadas entre 1930 y 1960. De las cuales, 49 pertenecen al Fondo Nicolás Muller que se custodia en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, que cuenta con más de 80.000 fotografías.

En 1947, la Revista de Occidente le invita a organizar una exposición en España y a partir de esa fecha abre un estudio en Madrid. De esta época datan algunos de sus mejores retratos de artistas, músicos y escritores de la Generación del 98 y de algunos intelectuales españoles de la posguerra como Azorín, Ortega, Pancho Cossío, Pío Baroja, Vicente Aleixandre, Menéndez Pidal, Pérez de Ayala, Aranguren o Marañón, entre otros.

Esta exposición, que está organizada por la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Comunidad de Madrid, el Instituto Cervantes y el Ministerio de Cultura y Deporte, viajará por las diferentes sedes del Instituto Cervantes que coinciden con los lugares en los que Muller vivió y realizó las fotografías que se muestran: Marruecos, Francia, Hungría, Portugal y España.

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Comunidad de Madrid. Sala El Águila.

Fotografía Semana Santa, Cuenca. 1950 © Nicolás Muller

viernes, 19 de marzo de 2021

‘Cortázar: instrucciones de montaje’ (II)

La Fundación Juan March presenta hoy en directo, desde el auditorio de su sede en Madrid, la segunda parte del videoensayo y coloquio en torno a Cortázar.

Este viernes la Fundación Juan March vuelve a tener como protagonista al escritor argentino Julio Cortázar, una de las grandes figuras del llamado “boom” de la literatura hispanoamericana. Para este análisis sobre Cortázar y su inabarcable obra se ha contado con las entrevistas realizadas a Mario Vargas Llosa, José Sanchis Sinisterra y Alberto Manguel, que indagan en algunos aspectos del escritor que, en la década de 1960, formó parte de ese fenómeno editorial que dio proyección internacional a los narradores de América Latina.

Entre aquellos precursores, además de Julio Cortázar, Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes, se encuentra el propio Vargas Llosa, siendo ellos los más representativos de una lista que iría creciendo.

“En sus cuentos y en sus novelas hay un divertimento del que salían cosas muy serias y en el que él se llevaba sorpresas. (...) Tenía una trompeta ahí en su casa con la que se encerraba horas en su escritorio. La influencia de la música moderna estaba muy presente en él y en su escritura se reflejaba esa afición”. Afirma Vargas Llosa.

En este evento la periodista Lara Siscar conversará con el escritor Bruno Galindo y con Mariángeles Fernández, editora y experta en la obra de Julio Cortázar. Un autor que supo combinar como nadie originalidad, lirismo, humor y compromiso político.

El acto también contará con una breve intervención del cineasta Gonzalo Suárez, que en 2019 pronunció una conferencia en la Cátedra Latinoamericana Julio Cortázar de la Universidad de Guadalajara (México), en la que explicó que conoció al autor de ‘Rayuela’ en los años 60 y que consolidó una amistad en la que ambos compartían el gusto por el cine, los libros y el humor.

De su amigo Gonzalo Suárez dijo Cortázar: “Para alguien que aprecie los juegos sigilosos de una inteligencia irónica, y la marginalidad deliberada allí donde la gran mayoría trabaja a full time, la obra resbaladiza y casi inasible de Suárez dibuja en el panorama español contemporáneo algo análogo a lo que pudo dibujar en Francia la obra de Boris Vian”.

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‘Cortázar: instrucciones de montaje’ (II) / Canal March.

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Cortázar: instrucciones de montaje’.

Fotografía de Julio Cortázar © Alberto Jonquières

sábado, 13 de marzo de 2021

El monstruo del Barrio rojo

Filmin suma a su catálogo una película dura y repulsiva ubicada en el Hamburgo de los años 70 que retrata los peores años del asesino de Sankt Pauli.

El distrito de St. Pauli, en el Hamburgo de principios de la década de los 70, era un sórdido barrio de ambiente nocturno lumpen frecuentado por borrachos, ludópatas, vagabundos, prostitutas, marineros y almas solitarias. En los alrededores de St. Pauli residía por entonces el serial killer Fritz Honka.

Esta espeluznante historia real se convirtió en literatura gracias a Heinz Strunk y su novela The golden glove (2016), ganadora del prestigioso premio Wilhelm Raabe, uno de los galardones literarios más respetados de Alemania. La manera en que su autor retrata el sombrío mundo de Fritz Honka, sumido en un empedernido consumo de alcohol, patologías sexuales y violentos crímenes, atrajo la atención del director turco-alemán Fatih Akin quien, en 2019, hizo una adaptación cinematográfica del libro no apta para estómagos emocionalmente sensibles.  Estrenada en la Berlinale con polémica incluida, la brutal película de Fatih Akin no escatima en sangre y vísceras.

El título elegido para la novela (The golden glove) hace referencia a Zum goldenen Handschuh (Al guante dorado), un sucio antro del Barrio rojo situado en Hamburger Berg 2 que regenta un ex boxeador, y del que Fritz “Fiete” Honka es asiduo. A simple vista, este hombre cuyo rostro presenta una deformidad causada por un accidente de tráfico en 1956, es un perdedor más que deambula por allí por las noches buscando mujeres solitarias. Nadie entre la clientela habitual de este tugurio, próximo a la calle Reeperbahn, sospecha que el aparentemente inofensivo “Fiete” esconde un secreto oscuro y letal. A ojos de los parroquianos, es un tipo extraño, del que se desconoce su verdadera naturaleza. Pero Fritz Honka es en realidad un psicópata asesino.

Friedrich Paul Honka nació el 31 de julio de 1935 en Leipzig (Alemania), en el seno de una familia numerosa, el tercero de diez hijos. Su padre trabajaba como carpintero y su madre como sirvienta. Pero los salarios de ambos no eran suficientes para mantener a tantos hijos. Y esta situación empeoró con el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Su padre, conocido por sus ideas comunistas, fue arrestado por los nazis y llevado a un campo de concentración. Lo mismo le pasó al pequeño Fritz que, según relataría años después, tanto él como su padre fueron liberados por los rusos.

El regreso a una vida normal después de este período en los campos nazis fue una locura. Especialmente para el padre, que se refugió en el alcohol. Su adicción y los efectos de su encarcelamiento resultaron en su muerte en 1946. Debido a las dificultades de la madre, Fritz fue enviado a un orfanato. Allí pasaría la mayor parte de su adolescencia sin saber siquiera qué eran los afectos hasta que empezó a trabajar. Tenía quince años cuando el joven comenzó como albañil, luego se fue a Alemania Occidental como obrero en varias granjas.

En 1967, el enfermizo y dipsómano Fritz Honka se traslada de Neuwiedenthal, en el distrito de Hausbruch, a Zeißstraße 74, en Ottensen, que es la dirección y la época en la que transcurre la película. En diciembre de 1970, por entonces vigilante nocturno en las oficinas de la compañía Shell, cometió su primer asesinato comprobado. Estranguló en su piso a Gertraud Bräuer, peluquera de 43 años y trabajadora sexual ocasional; cortó el cadáver en pedazos que luego envolvió y escondió en varios lugares en un área cercana. Las partes del cuerpo fueron encontradas e identificadas por la policía de Hamburgo, pero su investigación no encontró al asesino.

Durante algún tiempo, Honka vivió en el inmundo apartamento de Zeißstraße 74 con una mujer llamada Irmgard Albrecht. El verano de 1972 obligaría a Ruth Dufner a tener relaciones sexuales con él e Irmgard. Pero Ruth huyó desnuda del piso de Honka y lo denunció a la policía.  

En el momento del incidente, Honka tenía un alto nivel de alcohol en sangre. Un tribunal le ordenó pagar una multa de 4.500 marcos alemanes, pero se retiró el cargo de violación. En los años posteriores, sus problemas con el alcohol le impidieron mantener relaciones con mujeres, y recurrió a las prostitutas que conocía en los pubs o en los alrededores de Reeperbahn para tener relaciones sexuales.

Honka volvió a asesinar, cuatro años después, cuando estranguló a la trabajadora sexual de 54 años Anna Beuschel en su piso en agosto de 1974. En diciembre de ese mismo año mató de la misma forma a Frieda Roblick, de 57 años, y en enero de 1975 a la trabajadora sexual de 52 años, Ruth Schult.

En los tres casos, Honka cortó los cadáveres en pequeños pedazos y los escondió en su piso y en el ático de la casa. La desaparición de las tres mujeres no fue denunciada a la policía. Las quejas de otras personas que viven en la casa debido al fuerte hedor que producían los cadáveres en descomposición fueron ignoradas. En un intento de enmascarar el olor, Honka usaba una gran cantidad de aerosol con aroma a pino.

El 15 de julio de 1975, una llamada a los servicios de emergencia advirtió de un grave incendio en el edificio de apartamentos de Zeißstraße. Mientras varios bomberos intentaban apagar rápidamente el fuego, otros buscaban posibles víctimas. Para su sorpresa, cuando acaba de colapsar el techo del ático, encuentran entre los escombros cuatro bolsas que contienen los cadáveres desmembrados de cuatro mujeres. Honka estaba en el trabajo en ese momento y fue arrestado cuando regresó a casa.

El tribunal lo declaró culpable de un cargo de asesinato y tres cargos de homicidio involuntario. Fue condenado a 15 años de prisión en un hospital psiquiátrico. Su abuso habitual de alcohol fue considerado un factor atenuante, ya que disminuyó su capacidad mental.

Una vez finalizada su condena, fue puesto en libertad y vivió bajo la identidad de Peter Jensen en una residencia de ancianos en Scharbeutz. Frizt Honka murió de un infarto el 23 de octubre de 1998 a la edad de 63 años.

La peculiar adaptación que Fatih Akin hace de la novela de Heinz Strunk, que cuenta con una impecable actuación y caracterización del actor Jonas Dassler, va dirigida a un público muy reducido a causa de su crueldad narrativa y desagradable puesta en escena.

Fotografía ‘Zum goldenen handschuh’ © Warner Bros / Gordon Timpen

viernes, 5 de marzo de 2021

El ‘Mediterráneo’ de Martin Parr

Una exposición itinerante muestra las fotografías del artista británico en diferentes centros de la Comunidad de Madrid adscritos a la Red Itiner 2021 Espacios para el Arte. 

‘Mediterráneo’ es una de las mejores series de este prestigioso fotógrafo miembro de la Agencia Magnum desde 1994. En esta exposición Martin Parr (Epsom, Reino Unido, 1952) nos sorprende con sus instantáneas de momentos absurdos y las extravagantes situaciones que nadie como él sabe ver en la cotidianeidad de la vida en las concurridas playas mediterráneas.

A pesar de las críticas y la polémica que sus primeros trabajos suscitaron, Martin Parr está considerado uno de los artistas que revitalizaron la fotografía documental y social, lo que le ha propiciado la merecida fama como uno de los fotógrafos más innovadores e influyentes de la actualidad. Sus imágenes pretenden ser una crítica al sistema desde dentro, mostrando las problemáticas de nuestro tiempo con una irónica visión capaz de retratar la parte kitsch de lo cotidiano.

Su carrera internacional comenzó con su célebre libro The Last Resort (1986), que recopila las fotografías que realizó en el complejo turístico costero de New Brighton, cerca de Liverpool. Desde entonces, su obsesión por la playa se ha extendido por todo el mundo. En esta exposición podemos ver una compilación de las fotografías que tomó en los años 90 en España. En 1994, después de un acalorado debate sobre su provocativo estilo fotográfico, Martin Parr se convertiría en miembro de la agencia Magnum.

En 2002, la Barbican Art Gallery y el National Media Museum presentaron una completa retrospectiva de su trabajo que viajó a los grandes museos europeos, entre ellos el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid.

En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles. Dos años más tarde recibe el premio Erich Salomon, galardón que se le concede por su trabajo realizando un fotoperiodismo destacable.

En 2008 se le hizo entrega del premio PHotoEspaña Baume et Mercier como reconocimiento a su trayectoria profesional. 

En 2019, la National Portrait Gallery de Londres le dedicó una importante muestra con el título Only Human.

La exposición ‘Mediterráneo’ se puede ver hasta el próximo 7 de abril en el Centro de Arte Alcobendas.

Más información

Site personal de Martin Parr.

Fotografía Benidorm (1997) © Martin Parr / Magnum Photos

jueves, 18 de febrero de 2021

Helmut Newton: Perversión y belleza

Más de 20 años de archivos que comprenden toda su carrera, sirven al director de este documental para desvelarnos la controvertida personalidad de este genial artista gráfico. 

A finales del pasado año se presentaba el documental del director y periodista Gero von Boehm sobre el fotógrafo alemán Helmut Newton, autor de los retratos de los rostros más icónicos del siglo XX, y en buena medida gran responsable del imaginario sobre la mujer y la moda entre las décadas de 1980 y 1990. 

Con su inconfundible estilo Helmut Newton fotografiaba mujeres de largas piernas, con tacones imposibles y a menudo desnudas. Obsesionado por el cuerpo de la mujer y su desnudez, realizaba sus memorables instantáneas jugando con los contrastes que ofrecían las eróticas poses en actitud sado y la delicadeza y elegancia de las modelos con las que trabajaba, consiguiendo de ellas una gran implicación al punto de mostrar sorprendentes registros actorales.

¿Fue Helmut Newton un revolucionario? ¿Un misógino? ¿Fueron las mujeres tratadas como objetos o buscaba el empoderamiento en sus retratos?

En el biopic sobre este fotógrafo legendario participan además de manera significativa algunas de sus famosas modelos fetiche, como lo fueron Grace Jones, Catherine Denueve, Charlotte Rampling, Anna Wintour, Marianne Faithful, Claudia Schiffer o Isabella Rosellini, que son entrevistadas para darnos su opinión, descubriendo así aspectos desconocidos de la controvertida personalidad y la peculiar forma de trabajar de Helmut Newton.

Pero dejando a un lado su distintiva idiosincrasia, la vida de Helmut Newton fue compleja. En su biografía hubo factores importantes que acrecentaron la controversia, como el nazismo, pues fue amigo de Leni Riefenstahl, la directora y fotógrafa del gobierno de Hitler; el exilio, debido a que tuvo que huir de la presión militar del Tercer Reich; su polémica relación con June Newton (Alice Springs), o los juicios de misoginia vertidos por los detractores de su estilo, como es el caso de Susan Sontag. De ahí que el documental se articule alrededor de sus admiradas fotografías, la originalidad y su calidad como artista, sin incidir en si era o no feminista.

Como fotógrafo que dirimía lo artístico y lo comercial de su trabajo, Helmut Newton logró siempre sorprender y atraer a numeroso público. Entre la directiva de las distintas editoriales de los muchos magazines para los que trabajó, siempre encontró alguien con un talante creativo dispuesto a aprobar sus propuestas visuales. El resultado fue un excepcional conjunto de fotografías que no solo supuso el éxito de su reconocible estilo, sino que también llegó a millones de espectadores a través de dichas publicaciones.

Más información

‘Helmut Newton: Perversión y belleza’ en Filmin.

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Fundación Helmut Newton.

Fotografía Piscine © Helmut Newton

domingo, 7 de febrero de 2021

‘ARCO. Recorridos Fotográficos’

El Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque de Madrid muestra hasta el 4 de abril la exposición ‘ARCO. Recorridos Fotográficos’.

Este año, celebrando el 40 aniversario de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO), el Centro Cultural Conde Duque reúne la mirada personal de diferentes artistas en sus recorridos por esta veterana feria madrileña.

Comisariada por Rafael Doctor, la muestra congrega una amplia selección de obras pertenecientes a la Colección del mismo nombre que es propiedad de IFEMA. Esta colección denominada ‘Recorridos Fotográficos’ ofrece su particular repaso a más de dos décadas de arte en España a través del inspirado trabajo de un heterogéneo grupo de creadores que han visitado este madrileño mercado del arte. Se trata de la primera exposición de la Colección desde su depósito mediante comodato en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Los Recorridos Fotográficos nacieron en el año 1988 por iniciativa de la Asociación Amigos de ARCO, con motivo de la conmemoración del 150 aniversario de la invención de la fotografía. La creación de una colección internacional fotográfica, inspirada en su totalidad en ARCO, tuvo por objetivo apoyar el desarrollo de este nuevo medio de creación y promover su integración en el contexto del mercado artístico contemporáneo. La Colección Recorridos Fotográficos se planteó además como el instrumento idóneo para documentar la Feria, siendo hoy el más vivo testimonio gráfico de lo que ha sido este acontecimiento hasta 2010.

A lo largo de las sucesivas ediciones de los Recorridos Fotográficos se han recogido múltiples interpretaciones de la Feria desde la creatividad de prestigiosos fotógrafos nacionales e internacionales, seleccionados por un comisario. Entre 1988 y 1996 la selección fue realizada por Myrian de Liniers, y desde 1997 y hasta 2010, Rafael Doctor Roncero actuó como comisario de este proyecto. En algunas ocasiones los comisarios de los países invitados anualmente por ARCO aportaban también algunos de los autores, como fue el caso de Francia e Italia.

En palabras de Doctor, “cada artista era invitado a que de una manera personal trabajase en ARCO como campo de acción, mirándolo o interpretándolo desde la óptica que él considerase”.  El comisario de la exposición ha señalado también que ‘Recorridos Fotográficos’ pretende “acercar al público” la topografía de la Feria. “Hay un especial énfasis en artistas performativos, que entendieron esta como un lugar de libre pensamiento. Los protagonistas siempre son las personas, ARCO es un lugar vivencial y siempre ha sido el protagonista de febrero en Madrid”.

No había otro tipo de premisa más, solo que usase la imagen fotográfica como base de su trabajo. De esta forma, tras el paso de más de 80 artistas invitados, existe un fondo de más de 450 obras que configuran no solo un particular documento sino también un importante patrimonio artístico que, tras pasar un amplio tiempo depositadas en el Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo en Vitoria-Gasteiz, a partir de ahora formará parte de los fondos del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid”.

Esta exposición es una amplia selección de esos Recorridos Fotográficos en la que se puede apreciar las diferentes formas de enfocar el encargo que estos autores recibían, desde reportajes cercanos a lo periodístico hasta obras absolutamente conceptuales imposibles de ser entendidas fuera de este contexto. Autores como Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Miguel Trillo, Manuel Sonseca o Bernard Plossu aparecen junto a otros como Enrique Marty, Txomin Badiola, Biel Capllonch, Carles Congost, Ana Laura Aláez, Marina Núñez, Jorge Galindo o Cristina Lucas completando una visión muy amplia y rica de una feria que es un lugar de transacción de la obra de arte, pero al mismo tiempo un lugar posible para el encuentro y el pensamiento.

Más información

Centro Cultural Conde Duque.

Fotografía [Sin título] © Carles Congost