Cunningham, Iveković y Woodman en PHE23

El Museo Cerralbo se suma a la XXVI edición de PhotoEspaña 2023 acogiendo la exposición Somebodies: Cunningham, Iveković, Woodman.

‘Somebodies’ presenta la obra de Imogen Cunningham, Sanja Iveković y Francesca Woodman, tres artistas centrales en la Colección José Luis Soler Vila (anteriormente Colección Per Amor a l’Art), cuyo trabajo emplea el cuerpo –el propio, en el caso de Woodman o Iveković, y el ajeno en el de Cunningham– como recurso temático, estético y experimental en su investigación artística.

Las obras presentadas registran un abanico de intenciones visuales y conceptuales alejadas en tiempo y contexto, que van desde aproximaciones puramente formales de lo corporal hasta la encarnación de posiciones de crítica social y denuncia política; sin embargo, manifiestan el constante instinto de las artistas por abordar cuestiones relacionadas con el cuerpo a lo largo de la historia del arte.

Imogen Cunningham (Portland, EE.UU., 1883-1976) es un nombre indispensable en la historia de la fotografía del siglo XX, cuyo estilo e imaginario ha influido notablemente en fotógrafos posteriores.

La obra de Cunningham atraviesa algunos de los movimientos paradigmáticos de la historia de la fotografía desde finales del siglo XIX: sus primeras fotografías de tintes pictorialistas contrastan drásticamente con sus fotografías de estilo directo, nítido y sin intervenciones realizadas en el marco del Grupo f/64.

Paralelamente, el retrato a personalidades de la época ha sido uno de los signos identitarios de su carrera, una tendencia que, a partir de 1934, confluirá con su incursión fotográfica en las calles de Nueva York, donde realizó fotografías de estilo documental.

Sanja Iveković (Zagreb, Croacia, 1949) es una de las figuras clave de la escena artística croata de los años 70. Su práctica artística, que abarca desde la fotografía y el videoarte hasta la instalación y la escultura, está profundamente marcada por su activismo político, feminismo, y sus vivencias personales ligadas a la caída del Muro de Berlín y la posterior desintegración de Yugoslavia.

Francesca Woodman (Denver, Colorado, EE.UU., 1958-1981) nace en el seno de una familia vinculada a las artes y empieza a experimentar con el lenguaje fotográfico a una temprana edad.

Su corta carrera como fotógrafa –Woodman se suicida en 1981, a los 23 años– deja a su paso una serie de fotografías donde predominan el autorretrato, el desnudo y los escenarios derruidos y melancólicos. El uso de su propio cuerpo sirve a Woodman para explorar su identidad, y se traduce en una serie de tomas en las que aparecen figuras femeninas espectrales que habitan arquitecturas interiores y delicadas puestas en escena de estética victoriana.

Más información

Ministerio de Cultura y Deporte. Museo Cerralbo.

Fotografía ‘From Polka Dots’ (1976) © Francesca Woodman

El aclamado regreso de Siouxsie Sioux

Vuelve a los escenarios después de diez años alejada de ellos la legendaria reina del rock gótico y el post-punk. 

La cantante y compositora británica Susan Janet Ballion, nacida en Londres el 27 de mayo de 1957, más conocida como Siouxsie, líder de Siouxsie & The Banshees y más tarde de la banda The Creatures, estará en Madrid hoy, 29 de junio, en el poliédrico festival Noches del Botánico. Una doble cita musical en la que también actuará el grupo indie rock estadounidense Warpaint.

El pasado 3 de mayo llegaba la primera actuación de la artista tras una década de ausencia. Su vuelta había despertado mucha expectación entre sus más fieles seguidores. Había pasado mucho tiempo desde la última vez que la vieron subida a las tablas del festival Meltdown de Yoko Ono, que se llevó a cabo en el Royal Festival Hall de Londres. Entonces realizó dos espectáculos con entradas agotadas sin precedentes, sorprendiendo a sus fans con una interpretación completa y no anunciada del célebre álbum de Siouxsie & The Banshees de 1980, ‘Kaleidoscope’, junto con otros éxitos como ‘Face to Face’ y ‘Here Comes That Day’.

La presentación de su rentrée en mayo fue en la sala de conciertos Ancienne Belgique de Bruselas, donde la artista interpretó diecisiete canciones; once de ellas fueron parte de los esperados temas de Siouxsie & the Banshees, trece si contamos sus conocidas covers de ‘Dear Prudence’ de The Beatles y ‘The Passenger’ de Iggy Pop. Rescatando también ‘But Not Them’ de The Creatures, y los otros tres temas de Mantaray (2007), su primer disco en solitario: ‘Into a Swan’, ‘Here Comes That Day’ y ‘Loveless’, que ya había presentado en nuestro país en su gira de 2008.

Después de treinta años de carrera en las bandas Siouxsie & The Banshees y The Creatures, Mantaray supuso un trabajo contemporáneo en el que fusionó el sonido de los Banshees con las tendencias actuales, logrando una gran frescura y unos arreglos electrónicos sobre los cuales destaca su inconfundible voz. Y si bien el disco no consiguió un extraordinario éxito de ventas, sí nos devolvió a la Siouxsie atrevida y experimental cuyo estilo ha influenciado a una multitud de artistas como The Cure, Joy Division, Savages, LCD Soundsystem, Interpol o Garbage, entre otros.

La artista punk regresará al escenario en el festival Latitude de Suffolk, donde tocará el 23 de julio. Será su primera aparición en vivo desde una actuación en Londres en 2013 como parte del festival Meltdown anual del Southbank Centre.

Más información

Noches del Botánico.

Latitude Festival.

Fotografía de Siouxsie Sioux © DMCA

‘Todo lo que veo me sobrevivirá’

La Sala Alcalá 31 reúne en Madrid algunas de las obras más icónicas de Juan Muñoz. Una muestra que ha sido prorrogada hasta mediados del próximo mes de julio.

El titulo de esta exposición, ‘Todo lo que veo me sobrevivirá’, es una cita de la poeta rusa Anna Ajmátova que el artista Juan Muñoz (1953-2001) recogió en una de las notas de su cuaderno durante la preparación de su última instalación, en una de las salas de la Tate Modern de Londres, en el año 2001.

Ningún artista había alcanzado en las últimas décadas su notoriedad internacional, en una brillante trayectoria desde su primera exposición en 1984 hasta su prematura muerte a los 48 años de edad, cuando se encontraba en un momento de máximo apogeo.

Esa última década de producción del artista estuvo marcada por el dominio del espacio y por la recuperación de la figura humana como elemento central de su trabajo. Su vocación existencialista, su cualidad emocional y su reivindicación del engaño visual, de la suspensión de la incredulidad, determinaron que la ficción fuera una característica fundamental del arte contemporáneo, avanzando un cambio que será esencial dentro del arte en el siglo XXI.

Desde mediados de los años ochenta, Juan Muñoz se había propuesto recuperar la figuración en la escultura, pero fue gradualmente la magnitud de la instalación y la vocación arquitectónica lo que llevó su trabajo a una escala cada vez más monumental, al tiempo que sus obras se volvían psicológicamente más complejas.

Manuel Segade, comisario de la exposición y director del Museo Centro de Arte Dos de Mayo, ha conseguido sintetizar en esta muestra uno de los mensajes más potentes de Juan Muñoz: la fusión entre la ficción y la realidad, uno de los temas principales que trataba el escultor, sobre todo en la etapa de los 90.

Muñoz consigue crear obras de carácter narrativo rompiendo con los límites de la escultura tradicional. La expresividad de las figuras humanas es tan minuciosa como fascinante, y consigue que el espectador viva las emociones de los personajes y considere sus interacciones como reales.

Un ejemplo de esto es la obra Two seated on the wall, que muestra a dos individuos sentados colgando de la pared, aparentemente riéndose de la posibilidad misma de caerse, tan realistas que pareciera que las risas pudieran escucharse.

Como una extensión de la anterior, hasta el próximo mes de enero y en conmemoración de los 70 años del nacimiento del artista, también el Museo Centro de Arte Dos de Mayo expone ‘En la hora violeta’, la exposición que recorre su primera década de trayectoria.

Más información

Sala Alcalá 31.

Museo Centro de Arte Dos de Mayo.

Fotografía ‘Two Seated on the Wall’. Juan Muñoz © 2001
 

Louis Stettner, el fotógrafo de las calles

Fundación MAPFRE muestra en Madrid, hasta el 27 de agosto, una gran retrospectiva de la obra de una de las mayores figuras de la fotografía callejera de los últimos tiempos.  

El fotógrafo estadounidense Louis Stettner, conocido por capturar la esencia de las calles de París y Nueva York tras la Segunda Guerra Mundial –ciudades en las que transcurrió su vida–, comenzaría a tener su precoz amor por el arte cuando con su familia visitase a una edad temprana los grandes museos de la ciudad. En aquel tiempo empezó a crecer en él una pasión que le acompañó hasta sus últimos días.

Esta exposición quiere destacar en el trabajo de Stettner el carácter documentalista social que tienen sus fotografías y la fuerza emotiva de algunos de los retratos e imágenes callejeras. Organizada de forma cronológica, presenta más de ciento noventa fotografías que recorren toda su trayectoria, incluyendo algunas imágenes inéditas y parte de su obra en color, casi desconocida hasta ahora. 

Una obra que en general no había sido objeto del reconocimiento que sin duda merece, y que abarca multitud de temas, desde entornos urbanos casi vacíos hasta bulliciosas escenas del metro de Nueva York, la rutina de trabajadores y transeúntes, o los paisajes montañosos del macizo francés de los Alpilles, ya en su última época. A lo largo de su trayectoria volvió con frecuencia sobre muchos de ellos, en especial sobre los relacionados con su compromiso social y su preocupación por los menos favorecidos.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1922, Stettner creó miles de imágenes a lo largo de una carrera de casi ochenta años. Siendo un joven adolescente adquirió su primera cámara y pronto se sintió atraído por las calles de su ciudad natal. No tardó en hacerse un nombre en la famosa Photo League de Nueva York, donde entabló amistad con Sid Grossman y Weegee. 

El metro neoyorquino se convierte en un microcosmos para Stettner, donde los sujetos son los diferentes personajes urbanos y clases sociales que coexisten en la ciudad. A diferencia de Walker Evans, que ocultaba la cámara en el interior de su abrigo mientras fotografiaba a los viajeros del suburbano varios años antes, él mantenía su Rolleiflex a la vista y simulaba estar ajustándola cuando en realidad tomaba fotografías discretamente.

Con 18 años se alistó en el ejército americano para acabar trabajando como fotógrafo de combate durante la Segunda Guerra Mundial. Terminada la guerra, Stettner visitó París en 1947 con la intención de pasar tres semanas en la ciudad, pero acabó quedándose cinco años y estudió cinematografía con una beca del Ejército. Durante ese tiempo mantendría una relación duradera con Brassai, quien influiría muy significativamente en su forma de ver la vida, la ciudad y su gente a través del objetivo de la cámara.

Más tarde trasladaría su ámbito profesional a la universidad, donde decide dar clase de fotografía. La Universidad de Brooklyn, el Queens College y la Unión Cooper son las instituciones para las que decide trabajar entre 1960 y 1970. Consciente de la importancia de la fotografía como instrumento de cambio social, Stettner también ofrece su trabajo a revistas importantes como Life, Time, Paris Match, Fortune o National Geographic.

Louis Stettner falleció el 13 de octubre 2016 en Saint-Ouen (Francia), a la edad de 93 años.

Más información

Fundación MAPFRE.

Fotografía Self-portrait © Louis Stettner

Pirelli y L’Eterna Bellezza

Desde el pasado 19 de mayo al 30 de julio, FotoNostrum acoge la retrospectiva 1964-2023 del famoso Calendario Pirelli titulada L’Eterna Bellezza.

Se trata de una exposición que muestra esa belleza que, inmortalizada según la interpretación de algunos de los mejores fotógrafos del mundo, se podrá ver por primera vez en Barcelona a través de una selección de imágenes del célebre calendario publicitario. Un catálogo que se ha caracterizado siempre por la sensualidad de sus imágenes, fotografías de atractivas mujeres en actitudes sugerentes, que con el tiempo han trascendido de los talleres de coches a las galerías de arte.

Y es que, sin renunciar a representar la feminidad desde la belleza y sensualidad, el Calendario Pirelli ha pasado a reinventarse reflejando los cambios sociales y culturales de la percepción de esa feminidad; la mayor autonomía de la mujer, su reconocimiento y la visibilidad de sus aportaciones a la sociedad, distanciándose así también de la cosificación de las mujeres, para pasar a retratar su fortaleza, su talento y su diversidad de facetas.

Esta retrospectiva pone el foco en las mujeres y su contribución dentro de la cultura visual, a la vez que apuesta por el cambio de paradigma de la percepción de la mujer. La exposición es testigo de una evolución del lenguaje fotográfico y de los aspectos relacionados con la moda y la cultura popular, los cambios en el gusto y la sociedad en su conjunto desde los años 60 hasta el presente.

Es una magnífica oportunidad para ver los trabajos de 41 grandes fotógrafos, entre los que se cuentan maestros de la talla de Peter Lindbergh, Richard Avedon, Steve McCurry, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Steven Meisel, Sarah Moon, Herb Ritts, Emma Summerton, Patrick Demarchelier, Mario Testino, Bruce Weber, Paolo Roversi, o Albert Watson, y que han fotografiado excelentes retratos de super modelos como Kate Moss, Gisele Bündschen, Cindy Crawford, Naomi Campbell y Gigi Hadid; actrices como Nicole Kidman, Jessica Chastain, Kate Winslet, Monica Bellucci, Penélope Cruz, Uma Thurman, Laetitia Casta, Julianne Moore y Charlotte Rampling, o las cantantes Patti Smith, Cher y Rosalía, por citar solo algunos de entre los cientos de personajes retratados en esta importante retrospectiva, el mayor despliegue fotográfico que se haya expuesto nunca del Calendario Pirelli.

Más información

FotoNostrum.

Enlace de interés

Pirelli Calendar.

Fotografía ‘Gigi Hadid with fishbowl’ © Albert Watson

Carmen Rubio, una cautiva del vértigo

¿Qué lleva a algunos seres a desafiar desniveles y abismos verticales, en un encuentro con el aire y el vacío sin tiempo?...

A través de sus relatos –recreaciones de experiencias reales, sueños, ficciones tocadas del humor o la ironía, todo es válido–, Carmen Rubio intenta desvelar el sentido de esa inevitable atracción vivida por esos particulares escaladores y alpinistas. Una atracción que quizás sólo pueda entenderse con palabras del alma y el corazón, aquellas que nos abran la puerta de esa misteriosa dimensión, la de los cautivos del vértigo.

Su último libro es también un emotivo homenaje a algunas de las figuras que ya forman parte de la leyenda de las montañas: Walter Bonatti, Ricardo Cassin, Cesar Pérez de Tudela, Alison Hargreaves y Tom Ballard, Jeff Lowe, Ali Sadpara, Claudio Barbier, Patrick Berhault, Nina Pietrasanta, Mary Varale… Un viaje de ida y vuelta al abismo que los cautivó.

Son los condenados que buscan siempre en lo bello lo sublime y de esto hacen escuela. Y del esfuerzo y el sufrimiento… ley, razón de ser, arte…

Son los cautivos del vértigo. Los desaforados prisioneros de los desniveles. Los reclusos del desenfado y la libertad.

Carmen Rubio Díaz es bióloga, alpinista, realizadora, guionista y productora de cine y una empedernida viajera. Con su obra ‘Cautivos del vértigo’ la autora se acerca ya a la veintena de libros publicados. Anteriormente aparecieron ‘Niños del mundo’ 1ª edición (2006), ‘Pajaritas de papel’ (2007), ‘Caballeros de las cimas y otros relatos de montaña’ (2008), ‘Sueño de faquir’ 1ª parte (2010), ‘Luna de Ramadán’ (2011), ‘Una mecedora de rama y viento’ (2011), ‘Sin ánimo de lucro, sin ánimo de triunfo, sólo por agradar’ (2013), ‘Niños del mundo’ 2ª edición corregida y aumentada (2014), ‘Susurro de drizas, tintineo de mosquetones’ (2014) –obra finalista en el XV Premio Desnivel de Literatura de Montaña, Viajes y Aventuras–, ‘Paisajes de bondad’ (2015), ‘Un alpino despropósito’ (2016), ‘Alto en el espacio’ (2017), ‘Andino sin tino’ (2018), ‘Sueño de faquir’ edición completa (2019), ‘Cierta vía incierta’ (2020), ‘Luceros alpinos’ (2021), ‘Niños del mundo’ 3ª edición corregida y aumentada (2022) y ‘Gamardschoba (Buenos días, Georgia)’ (2022).

Más información   

La Najarra producciones.

Enlace de interés

Muere Walter Bonatti, el héroe del K2.

Fotografía de Carmen Rubio © Fernando Torres

Arranca Photo London 2023

Somerset House acoge de nuevo a Photo London, la Feria fotográfica que celebra su octava edición en la capital británica del 11 al 14 de mayo. 

Photo London, que muestra lo mejor del pasado, presente y futuro de la fotografía, congrega una extraordinaria variedad de galerías internacionales. La edición de este año es la más sólida hasta el momento con 125 expositores de 56 países de todo el mundo y una cartera de patrocinio que incluye al Royal Bank of Canada como socio principal. Una muestra que ofrece a los visitantes la oportunidad de explorar, descubrir y coleccionar algunas de las obras de arte fotográficas más exquisitas del mundo.

La organización de Photo London ya anunció a finales del pasado año que en esta su octava edición contarían con el mítico fotógrafo británico Martin Parr, quien fue nombrado Photo London Master of Photography 2023. Según los fundadores de Photo London, Michael Benson y Fariba Farshad, “quién mejor que Martin Parr, el padrino de la fotografía británica. Martin no es sólo un destacado fotógrafo del Reino Unido, sino que durante más de medio siglo los británicos en todo su excéntrico esplendor han sido su gran tema.”

El enfoque en la fotografía británica continúa con una exposición de mujeres fotógrafas de la Colección Hyman. La muestra, que reúne fotografías desde la década de 1930 hasta el presente, proporciona una visión general de la fotografía en Gran Bretaña que se centra en dos vertientes: una humanista de tradición documental y una práctica más personal, performativa. Y está comisariada por el Centre for British Photography, que abrió sus puertas en enero de 2023.

Los recorridos públicos también son una parte clave de la programación, ya que brindan una excelente visión general de la Feria y una introducción a su deslumbrante variedad de obras de arte fotográficas. Los recorridos están dirigidos por guías expertos y se llevarán a cabo durante todo el evento.

Otros aspectos destacados incluyen los premios Photo London x Nikon Emerging Photographer Awards, el Photo London x Hahnemühle Student Award y el aclamado Programa de charlas de la Feria, que este año está a cargo de Aperture (Nueva York). Nikon también organizará talleres y charlas gratuitos para que disfruten los visitantes.

Tras el éxito de las ediciones anteriores, el pasado año Photo London se asoció con Artsy, el mercado en línea líder para descubrir y coleccionar arte, donde los visitantes pueden consultar, examinar y comprar obras de arte directamente de los expositores de Photo London.

Más información

Site oficial de Photo London.

Fotografía Whitchurch Country Show, Dorset, England (2022) © Martin Parr/Magnum Photos