Josef Koudelka, historia viva de la fotografía

Coincidiendo con la exposición de fotografías que paralelamente ha organizado la Fundación MAPFRE en Madrid junto a una serie de coloquios englobados bajo el epígrafe ‘Encuentros con la historia de la fotografía’, en los que han ido interviniendo importantes fotógrafos, galeristas e historiadores del arte para dialogar en torno a grandes fotógrafos actuales, cerrando este ciclo subtitulado ‘El final del siglo XX: caminos abiertos’ le correspondió ayer el turno al checo nacionalizado francés, Josef Koudelka, en conversación con la historiadora de la fotografía y comisaria, la alemana Ute Eskildsen, hasta hace unos años encargada de la dirección del Museum Folkwang de Essen, Alemania.

Sin embargo aún es posible admirar las obras de Koudelka, hasta el próximo 29 de noviembre, compiladas en la ingente retrospectiva que se muestra en la Sala Bárbara de Braganza que la citada fundación tiene en la calle homónima, en el centro de la capital, y que lleva por título ‘Nacionalidad incierta’. Pues sin duda quiere hacer referencia a los orígenes del fotógrafo, nacido en Boskovice el 10 de enero de 1938, en la región de Moravia, antigua Checoslovaquia. Y es que Koudelka, exiliado de un país que ya no existe en los mapas como tal, impregna a sus fotografías un claro sentimiento apátrida.

Organizada en colaboración con el Art Institute de Chicago y The J. Paul Getty Museum, la muestra constituye la mayor exposición de este artista francés de adopción que cuenta ya 78 años de edad, verdadera historia viva de la fotografía, miembro de la prestigiosa agencia Magnum desde hace cuatro décadas. Ingresó en ella cuando el estadounidense Elliott Erwitt, quien a su vez fuera invitado por su fundador, Robert Capa, vio algunas de las fotos que en 1968 Koudelka realizó en los días de la Primavera de Praga.

Ingeniero aeronáutico de formación, Koudelka optó por una fotografía entre documental y artística. Y fruto de esa pasión y savoir faire se ha hecho merecedor de galardones tan relevantes como el Grand Prix Cartier-Bresson o el International Award in Photography de la Fundación Hasselblad.

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Josef Koudelka en Fundación MAPFRE

Fotografía ‘Moravia’ (1966) © Josef Koudelka / Magnum Photos

El jazz de Boris Vian, revisitado

El pasado sábado día 7 y los próximos 14 y 21 de noviembre, la Fundación Juan March de Madrid, continuando con su ciclo Conciertos del Sábado, celebra en esta ocasión la figura de Boris Vian en su faceta de músico.

Pocos personajes en el siglo XX demostraron una pasión creativa tan heterogénea como la de Boris Vian. Fallecido en París en 1959 a la edad de 39 años, Vian fue escritor, poeta, ingeniero, cantante y músico francés, cuya obra, a menudo controvertida, comprendió la novela, el teatro, el cuento y, por supuesto, la composición musical. En esta faceta, precisamente, Vian fue trompetista, crítico de jazz, compositor y letrista de canciones. El ciclo que ha convocado la Fundación Juan March revisa su poliédrica relación con el jazz desde distintos ángulos, como son el pasado concierto con chansons compuestas y escritas por él; otro con el repertorio que gustaba de interpretar como trompetista, y un tercero centrado en la figura de Miles Davies, a quien el novelista dedicó sus elogios en numerosas ocasiones.

El polifacético Vian, que había conocido en Saint-Germain-des-Prés a grandes músicos de jazz como Charlie Parker, Duke Ellington o el citado Miles Davis, repartía su tiempo entre su afición por ese género musical y las fiestas y diferentes actividades como la Patafísica y la escritura. Además de novelas, empezó a escribir cuentos, algunos publicados en Les Temps Modernes, invitado por Sartre, donde también escribió crónicas y criticas sobre aspectos sociales de la vida parisina. En el periódico Combat, que dirigía Albert Camus, o en la revista musical especializada Jazz Hot abordó la crítica musical en sus textos. Gracias a la popularidad que le dieron estos trabajos periodísticos, en 1946 publicó dos novelas: ‘La espuma de los días’ y ‘Escupiré sobre vuestra tumba’, esta última con el pseudónimo de Vernon Sullivan. En 1947 publicó ‘El otoño en Pekín’, y más tarde fueron apareciendo ‘Las hormigas’, ‘La hierba roja’… etc.

En la fotografía se ve a Boris Vian con Miles Davies en 1950. En mayo de 1949, Vian dedicó un artículo a Davies en Jazz News, donde mostraba su fascinación por la técnica del trompetista estadounidense.

Con su muerte en 1959, desapareció la figura viva de uno de los genios más notables de la orilla izquierda del Sena. En su lugar siempre perdurarán sus obras. Los conciertos del ciclo sobre Boris Vian tienen lugar en el Salón de actos de la Fundación Juan March a las 12´00 h.

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Conciertos del Sábado. El jazz de Boris Vian. Audio de conciertos.

(Audio disponible hasta el día 22/12/2015).

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Fundación Juan March. Calle Castelló, 77. Madrid.

The Musical Box, un homenaje a Genesis

Los más acérrimos y nostálgicos fans del grupo vuelven a estar de enhorabuena. En plena celebración del 40º aniversario de Genesis, The Musical Box, un grupo canadiense que comenzó como una reunión de seguidores de la mítica banda británica de rock progresivo, que toma su nombre de una canción incluida en el disco ‘Nursery Cryme’ (1971), tercer álbum en el cual participaron por vez primera Peter Gabriel, Steve Hackett, Mike Rutherford, Phil Collins y Tony Banks juntos, reprodujeron fielmente la música y la surrealista puesta en escena original que Genesis presentaba en directo, allá por 1973, en su gira llamada ‘Selling England by the Pound’, cuyos temas correspondían al disco homónimo grabado y publicado aquel mismo año.

The Musical Box, formada por Martin Levacs, Sébastien Lamothe, François Gagnon, Denis Gagné y Eric Savard, lleva desde principios de los noventa recorriendo el mundo para ofrecer a los fans del grupo la posibilidad de rememorar o descubrir cómo eran aquellas actuaciones en las que un joven Peter Gabriel no solo cantaba, sino que actuaba de manera teatral en el escenario haciendo uso de diversos disfraces, máscaras o maquillaje acompañado por el resto de componentes de la banda. The Musical Box son un fiel reflejo de aquel espectáculo, como ya lo hicieran en su gira anterior, ‘The Lamb Lies Down on Broadway’, tanto en lo musical como en lo referente a la escenografía, incluyendo las luces, efectos especiales y diapositivas originales, con tal exactitud que los propios miembros de Genesis están encantados con el show que despliegan en sus actuaciones.

El propio Peter Gabriel ha declarado: “Debo reconocer que The Musical Box recrea con gran precisión lo que Genesis ofrecía en directo. Los vi en Bristol con mis hijas, así pudieron ver lo que su padre hacía de joven”. El guitarrista Steve Hackett manifestó: “No puedo concebir un homenaje mejor. No solamente reproducen el sonido, hasta la apariencia es virtualmente idéntica. Parece que nada les resulte demasiado difícil”. Mike Rutherford dijo: “En realidad, son mejores que el original”. Phil Collins afirmó: “The Musical Box tocan mejor de lo que lo hacíamos nosotros”. Tony Banks comentó: “He visto un vídeo de ellos, y el que interpreta a Peter Gabriel es magnífico”.

The Musical Box, la única banda tributo legitimada con el beneplácito de todos y cada uno de los miembros originales de Genesis, son ahora famosos en todo el mundo por su calidad y lealtad absoluta, tanto en términos de la interpretación musical como por los decorados y el vestuario que son prácticamente iguales a los utilizados por Genesis en su gira de 1973. Más de un millón de espectadores han disfrutado de los más de mil conciertos ofrecidos, incluidos recintos tan prestigiosos como el Royal Albert Hall de Londres,  la sala Olympia de París o el Bell Center de Montreal.

Por todas estas razones el espectáculo es altamente recomendable para revivir un momento cumbre de la historia del rock, y más si se es fan de Genesis de toda la vida. The Musical Box es la réplica de aquellos músicos que se convirtieron en ídolos de toda una generación. Un maravilloso viaje al pasado gracias a la magia de la música y sus intérpretes.

Vídeo The Musical Box performs Genesis   

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Página web oficial de The Musical Box

Emmanuel Carrère en el Hay Festival Segovia

La ya décima edición del segoviano Hay Festival, la cita cultural que reúne cada año a nombres destacados de la literatura, el periodismo o el pensamiento, contó ayer, día 25 de septiembre, con la presencia del celebrado escritor, guionista y realizador francés Emmanuel Carrère, quien fue entrevistado por el periodista Guillermo Altares en el aula magna de la IE University. La concurrida capilla del antiguo convento de Santa Cruz sirvió de acogida para dicho evento, el cual fue organizado con la colaboración del Institut Français.

El autor de ‘El adversario’, entre otras, conversó acerca de su última novela publicada recientemente en España, ‘El Reino’, en la que mezcla la historia de los orígenes del cristianismo con dosis de ficción narrada en primera persona. “Llevo 20 años escribiendo en primera persona y es por un escrúpulo moral, me gusta explicar de quién estoy hablando en un libro”, explicó. También añadió que desvelar demasiadas cosas en una novela es una tentación para él. “Cuando uno escribe sobre uno mismo se valora más lo que se dice, sobre todo si es algo que conviene ocultar”. Cuando escribió ‘Una novela rusa’ sí trasgredió esa norma y se extendió todo lo necesario, manifestó. En ‘El Reino’ sintió con claridad que en la narración era Lucas el Evangelista el que decía “yo”, y es él el que cuenta las cosas. Respecto a ese “yo escritor” en su último libro, Carrère confesó que lo hizo desde el cristianismo. Con el Nuevo Testamento, por ejemplo, leyendo textos de apósteles, como en concreto los de San Lucas, tuvo la sensación de que se le abría una puerta, y que el mismo San Lucas le hablaba. Si bien el autor galo se declara absolutamente agnóstico.

Preguntado sobre por qué ha permanecido el cristianismo como religión, explicó que “si uno es creyente es para él la fe la que justifica, como plan de Dios, que perdure en el tiempo”. “Cuando escribí ‘El Reino’ quería llevar al lector por la historia, pero haciéndole recordar que la religión no es tan obvia”. “Hay muchos cristianos católicos hoy día que piensan que esos dogmas están caducos. Aunque para algunas personas la fe da sentido a sus vidas”. “La conversión es la transformación total del individuo”.

En las páginas de ‘El Reino’ se entrelazan dos tramas y dos tiempos: la propia vivencia del autor, que abraza la fe en un momento de crisis personal debido a una complicada relación amorosa y el abuso del alcohol, y la historia de Pablo el Converso y de Lucas el Evangelista. Pablo, al caer del caballo que montaba, tiene una revelación mística y pasa de lapidador de cristianos a difundir la nueva fe que transforma los valores de los hombres. Y Lucas, que escribe la vida de Jesús y a través de él nos adentramos en los evangelios primigenios, tan diferentes a la idea del Apocalipsis que mantiene Juan. En estas dos historias sobre la fe que se entrecruzan se suceden multitud de personajes, peripecias y reflexiones: la serie televisiva sobre muertos que resucitan en la que participó Carrère como guionista, la canguro ex hippie y amiga de Philip K. Dick a la que contrata, los bolcheviques con los que compara a los primeros cristianos, eruditas visiones sobre las fuentes originales del cristianismo, la desaparición del cadáver de Jesús y su ¿resurrección?... Lo que a Carrère le interesa del cristianismo es su mensaje transgresor contra lo establecido y la fe desmedida. Un libro que, sin ser en absoluto blasfemo según sostiene su autor, es provocador e indaga sobre una religión que nos habla del dogma, la duda, la redención y el abrazo a la fe. Una obra con visos de novela de aventuras, biografía y crónica histórica a la vez.


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Página web oficial del HAY FESTIVAL SEGOVIA

Fotografía de Emmanuel Carrère © Fernando Torres

La ‘Metamorfosis’ de Van den Horst

Nacido en Amersfoort (Holanda) en 1960, la misma ciudad que vio nacer al célebre pintor vanguardista, Piet Mondrian, Josephus van den Horst es un original artista pictórico que, tras pasar muchas penurias en su Holanda nativa, decide trasladarse a España a finales de 2004, sin que aquí las cosas le fueran mucho mejor. Sin embargo, él califica a todos estos años de experiencias y pintura como su “viaje creativo”, en el cual nunca se ha visto falto de ideas nuevas que plasmar en los lienzos. Y para ello emplea siempre la técnica de acrílico sobre tela, en un proceso de creación que atribuye a la “energía negra del Universo”. Como “un viaje místico sin dios”.

Después de unos años de laborioso trabajo en silencio, Van den Horst presenta ahora en Madrid la serie ‘Metamorfosis’. Un conjunto de pinturas que tiene algo de interacción tanto en el proceso de creación como en la sensibilidad para reflejar esa energía que confiere a su obra un acento sorprendente.

“Todavía creo que la creatividad puede mejorar el mundo y su cultura, y ojala yo pueda contribuir a ese movimiento con esta exposición que ahora comparto con vosotros”.

Cuando comenzó a pintar en España después de años de dibujar, durante el viaje y el tiempo sin techo en la calle, tuvo sólo pequeñas habitaciones. Es por eso que las dimensiones de algunos de sus cuadros son también menores. Empezaba con el concepto que le permitía interaccionar, con ritmo, tanto las formas racionales como los rectángulos, con formas más emocionales, formas orgánicas, para así obtener una imagen completa. Las siluetas antropomórficas podrían recordar en ocasiones a las del artista norteamericano Keith Haring; o también a las de los habitantes originales de Australia, cuyas pinturas muchas veces tienen como tema inspirador el viaje o un sueño.

En los últimos años las formas orgánicas llegaban a ser aves, peces, y fetos (en el estado de sueño). Y otra vez llegaba a la interacción de las formas racionales y orgánicas abstractas. Luego surgían las mariposas y las figuras danzantes en la serie ‘Metamorfosis’, las cuales también evolucionaban desde las formas orgánicas abstractas. 

“Me gusta dedicar la exposición a la ministra holandesa Els Borst, quien después de una carrera muy contributiva fue asesinada en 2014 a una edad activa de 81 años”.

Inaugurada el pasado día 15 de septiembre, la exposición se podrá visitar hasta el 16 de octubre en el Centro Cultural Eduardo Úrculo, situado en la Plaza Donoso nº 5 de Madrid.

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El “pope” Franco Battiato, por fin en Madrid

Anoche el gran maestro siciliano dirigió su mística musical desde un cómodo púlpito a sus dos mil feligreses congregados en Madrid. Durante casi todo su concierto en el Circo Price, nos cantó sentado sobre una exótica alfombra que cubría una confortable peana. Tras la suspensión de su concierto de mayo por una rotura de fémur, el músico italiano presentó así su último trabajo, el álbum ‘Joe Patti’s experimental group’. Un proyecto musical en el que adopta este pseudónimo para explorar nuevos horizontes sonoros con ayuda de la electrónica.

Sin embargo, el concierto resultó muy sinfónico comparado con los temas de sus discos grabados en estudio. En esta ocasión, Battiato se hizo acompañar únicamente por un cuarteto de cuerda, que se mantenía con frecuencia en una penumbra azul, envueltos en una sutil bruma que se diría que fuera la de un incienso litúrgico, y dos teclistas, el piano clásico de su director musical, que alternó en ocasiones con algún sintetizador, y un órgano eléctrico, que también aportaba los ritmos en el extremo opuesto del escenario.

El concierto comenzó con la emocionante ‘La sombra de la luz’. Más tarde su público se entusiasmó con los temas cantados en español como ‘Irrestistible reclamo’, del disco ‘Ábrete Sésamo’, entre otros. A sus setenta años continúa conectando con el auditorio con una voz que, sin ser potente ni brillante, imprime su personalidad a cada estrofa, narrando hermosas y variadas historias de corte culto o espiritual en las que derrocha imaginación y creatividad fruto de su convulsivo mundo interior. Battiato sigue siendo un polifacético artista (cantautor, músico, director de cine y pintor), un auténtico hombre del Renacimiento.

Finalmente, el Maestro hizo dos bises. En el primero cantó la emotiva ‘L’Animale’. El segundo bis fue un apoteósico colofón en el que interpretó ‘Voglio Vederti Danzare’, ‘Cucurrucucú’ y ‘Centro de Gravità Permanente’, para lo que ya estaba en pie e hizo algunos de sus característicos movimientos danzantes.

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Página web oficial de Franco Battiato

Fotografía de Franco Battiato © Fernando Torres

El blues del ‘Innes Sibun Trío’

Como ya es sabido, el verano viene salpicado de festivales musicales y conciertos repartidos por toda la geografía española. Unos más multitudinarios que otros, de carácter nacional o internacional según sean las bandas participantes. Otros por su veteranía son ya muy conocidos por el gran público; algunos más modestos suelen dar la alternativa a grupos noveles y puede que sean su lanzadera al estrellato o favorezcan su promoción, fichar por una discográfica o propiciar éxitos y ventas. Y luego están los locales de conciertos de pequeñas localidades de nuestro territorio en los que no por ello los asistentes podrán llevarse grandes sorpresas. Este fue el caso del espléndido  concierto que unos pocos tuvimos la suerte de presenciar y disfrutar en vivo, congregados en el 2º Sierra Blues que se promueve en la población de Guadalix de la Sierra por parte del local “Café Auditorio”.

El concierto que ofreció el guitarrista inglés Innes Sibun ya venía avalado por lo que se anunciaba en el cartel del mismo. En él se leía que el bluesman actuaría en formación de trío, y lo más significativo para los que no conocían a este inesperado músico: “Guitarrista de Robert Plant”. Este dato despejaba algunas dudas y prometía un gran espectáculo. Las expectativas se cumplieron con creces, resultó ser un directo brutal. Sibun es un magnífico guitarrista que se mueve como pez en el agua entre el rock y el blues. Además, estuvo acompañado por un excelente bajista habitual de los circuitos de blues y un no menos contundente batería que, para más señas, ha tocado en la banda de Javier Vargas, lo cual es también garantía suficiente.

Los temas se fueron sucediendo al tiempo que anochecía totalmente y el ambiente se caldeaba, para lo que bastaron no más de tres canciones. Enseguida el trío nos demostró sus tablas en el escenario. El sonido era el apropiado y Sibun hizo una brillante exhibición de su talento tocando su Fender como un grande del Blues. De hecho, nos ofreció la versión de una composición del mítico Rory Gallagher.  Pero sobre todo hizo alarde de una rápida digitación y sentido del ritmo, a lo que contribuían tanto el bajo como el batería.

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Página web oficial de Innes Sibun 

Fotografía de Innes Sibun © Fernando Torres