‘Nosferatu’, de Robert Eggers

El nuevo remake de ‘Nosferatu’ es un cuento gótico sobre la obsesión entre una atormentada joven y el aterrador vampiro enamorado de ella.

La primera versión de ‘Nosferatu’ se remonta al año 1922 y fue una producción muda, en blanco y negro, a cargo del alemán Friedrich Wilhelm Murnau. Le siguió la también alemana de 1979 ‘Nosferatu, der Natch’ (‘Nosferatu, el Vampiro’) de Werner Herzog, protagonizada por Klaus Kinski, Bruno Ganz e Isabelle Adjani. Después vendría la cinta italiana de escaso éxito —a pesar de la participación de actores internacionales de la talla de Christopher Plummer y Donald Pleasence— ‘Nosferatu en Venezia’ (1980), que contó de nuevo con Klaus Kinski en el papel principal.

La última versión, ahora recién estrenada, es la del estadounidense Robert Eggers, reputado director de ‘La bruja’, ‘El faro’ y ‘El hombre del norte’. Así, pues, son ya tres en total las adaptaciones de la original. Si bien la de F. W. Murnau fue ya en su momento una disimulada reinterpretación del ‘Drácula’ de Bram Stoker —célebre novela de ficción gótica publicada en 1897— con el fin de ahorrarse los derechos de autor.

Pero tan alucinante como lo que en los años veinte se relataba en aquella obra fundamental del cine mudo era lo que sucedía detrás de las cámaras, pues cuenta la leyenda que su protagonista, el actor alemán Max Schreck, era realmente un vampiro. Para tranquilizar a su equipo, Murnau les explicaría que Schreck —cuyo apellido en alemán significa “miedo”—, era un gran actor del método Stanislavski, que para introducirse más en el papel del Conde Orlok tenía que vivir, comer y dormir como un vampiro. Lo cierto es que el oscuro y perturbador actor alemán nunca abandonaría el rol del protagonista en todo el rodaje del filme, lo que provocó todo tipo de elucubraciones entre el elenco de actores.

En el año 2000 se estrenó la interesante ‘La sombra del vampiro’, dirigida por Elias Merhige y escrita por Steven Katz. La historia gira en torno a la filmación de la película muda del ‘Nosferatu’ primigenio, mezclando realidad y ficción de forma muy original. Un ejemplo más de “el cine dentro del cine”. La película recrea la ya referida idea de que el actor que encarna al personaje Nosferatu era en realidad un verdadero vampiro, en lugar de un simple actor. El reparto contó con la presencia de John Malkovich como Murnau, Willem Dafoe como Max Schreck/Conde Orlok, y Udo Kier como Albin Grau. ‘La sombra del vampiro’ obtuvo dos nominaciones al Oscar: mejor actor de reparto para Willem Dafoe —quien también participa en la nueva película de Eggers— y mejor maquillaje.

En su reciente adaptación, Robert Eggers pretendía conseguir el impacto de la obra maestra original. Y en esencia lo ha logrado con una magnífica puesta en escena para transmitir actualizada esa inquietante atmósfera oscura y opresiva que hiciera de la película un hito del cine.

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Nosferatu - Tráiler Oficial (Universal Studios).

Enlaces de interés

Nosferatu, de Murnau (Nueva Restauración). Filmin.

Nosferatu, de Werner Herzog. Prime vídeo.

Fotografía de Nicholas Hoult © Universal Pictures

‘Un paseo por la Praga de Kafka’

El escritor y periodista Alberto Gil presentó esta semana en la Biblioteca Pública de Segovia su viaje gráfico y literario por la Praga del escritor más influyente de la literatura contemporánea.

Falta poco para que finalice este 2024, y como colofón a todo un año repleto de eventos y conmemoraciones en todo el mundo por el centenario de la muerte del gran autor checo, la editorial Reino de Cordelia publicó ‘Un paseo por la Praga de Kafka’.

Un libro en el que el también fotógrafo y viajero Alberto Gil, apoyado en más de 250 fotografías, reconstruye la biografía del genio checo a través de las huellas que aún siguen en pie de los lugares y locales que frecuentó con su familia y amigos. Viejos cafés, monumentos, parques, las casas en las que vivió y en las que trabajó se suceden entre una antología de citas entresacadas de su obra, que invitan a conocer los rincones que le inspiraron y los diferentes personajes con los que compartió sus preocupaciones durante aquellas décadas convulsas de explosión de las vanguardias, con el telón de fondo de la I Guerra Mundial. Por aquí desfilan su íntimo amigo Max Brod, sus amantes, artistas, escritores, arquitectos… Todo aquello que, en suma, alimentó la vida y la obra del autor de ‘La metamorfosis’.

“Pocas ciudades están tan unidas a un escritor como Praga a Franz Kafka y en pocas ocasiones un cliché literario ha estado tan presente en nuestros hábitos viajeros. Hasta el punto de que, en las últimas décadas, los monumentos, museos y homenajes a Kafka se han prodigado en la capital checa, convirtiéndolo en un reclamo aunque el misterio de su escritura siga intacto. Es un icono universal y, al mismo tiempo, un enigma que se resiste a cualquier interpretación.”

En los últimos años, Alberto Gil se ha volcado en la investigación de temas relativos al cine, la novela negra y los viajes. Autor de ‘La censura cinematográfica en España’ (2009) y de la novela ‘Ocho pingüinos’, que se presentó en la Semana Negra de Gijón, en 2020 fue galardonado con el Premio Internacional de Novela Negra L’H Confidencial por ‘Las jaurías’, que combina la ficción con un relato de viaje por la frontera con Portugal. A esta le siguió el título dedicado al cine de terror, ‘Cuando nacen los monstruos’, editado por Lunwerg e ilustrado por Fernando Vicente.

La estructura de ‘Un paseo por la Praga de Kafka’ sigue la trayectoria vital del escritor desde su nacimiento, a poca distancia de la monumental plaza de la Ciudad Vieja hasta el Nuevo Cementerio Judío —ya en la periferia del casco histórico praguense—, donde está enterrado con sus padres. Un recorrido que hace escala en algunos de sus hitos más representativos: el antiguo gueto, la plaza de Wenceslao, la avenida Nacional, el Puente Carlos, el Castillo, el Moldava, el barrio de Malá Strana…, deteniéndose en aquellos sitios en los que todavía es posible descubrir el rastro inmaterial del escritor.

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Presentación a cargo del autor/YouTube.

Ed. Reino de Cordelia.

Fotografía de Alberto Gil © Fernando Torres
 

‘Irving Penn: Centennial’ en el MOP

La obra del fotógrafo de moda estadounidense Irving Penn protagoniza la exposición anual de la Fundación Marta Ortega Pérez (MOP) en A Coruña. 

Tras las exposiciones dedicadas a Peter Lindbergh, Steven Meisel y Helmut Newton, el centro MOP situado en el puerto de la ciudad acoge actualmente y hasta mayo de 2025 la retrospectiva más completa hasta la fecha dedicada a este gran fotógrafo estadounidense.

Organizada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y presentada ahora en exclusiva en España, esta importante muestra reúne alrededor de 175 fotografías de Irving Penn (1917-2009), entre las que se incluyen retratos de personajes del mundo de la cultura y otras celebridades, trabajadores y sus herramientas, desnudos abstractos, escenas callejeras y rótulos publicitarios, estudios de moda, composiciones florales y naturalezas muertas. 

El comisario de esta selección de los trabajos más icónicos de Penn, Jeff L. Rosenheim, asegura que “sus fotografías eran diferentes a lo que se hacía hasta el momento: vendían algo y conseguían proyectar la esencia de las cosas, las personas o la vestimenta”.

Penn abordó la fotografía como un arte mucho antes de que fuera reconocido como tal de forma generalizada y combinó una composición llena de matices con un talento asombroso para observar la expresión, la actitud y el comportamiento humano.

Su meticulosidad, su estilo minimalista, su dominio del grabado y también sus atrevidos experimentos artísticos convirtieron a Irving Penn en uno de los fotógrafos más reconocidos del sector, y no solo por sus trabajos en moda y belleza, sino también por sus innovadores retratos, sus naturalezas muertas, sus fotografías etnográficas y sus ensayos fotográficos de viaje.

Colaborador habitual de la revista Vogue durante más de siete décadas, Penn revolucionó la fotografía de moda al fotografiar a las modelos sobre fondos neutros para resaltar los tejidos, los gestos y la expresión. “Su trabajo en el mundo de la moda no solo redefinió el género, sino que también estableció nuevos estándares de excelencia artística y técnica. Aunque se hizo más conocido por sus retratos de gran penetración psicológica, Penn fue un artista prolífico cuya carrera abarcó setenta años y una amplia gama de intereses”. Apuntó la Fundación MOP en un comunicado hecho público en redes sociales.

‘Irving Penn: Centennial’ es la cuarta de una serie de exposiciones de talla internacional presentadas por la Fundación MOP, cuya presidenta, Marta Ortega Pérez, afirma que: “la creación de imágenes de Irving Penn es ejemplar. En manos de Penn, lo cotidiano se convierte en extraordinario y revela la profunda belleza de la sencillez. Su trabajo consiste en algo más que capturar momentos; capta la esencia de sus sujetos y nos invita a ver el mundo de otra manera. Su perdurable legado reside en la capacidad de sus fotografías para estimular nuestra imaginación cada vez que las vemos”.

La exposición examina el profundo interés de Penn por lo efímero y la complejidad de la experiencia humana, algo evidente no solo en sus retratos, sino también en sus magistrales naturalezas muertas, uno de los hitos de su carrera.

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Fundación MOP.

Enlace de interés

The Irving Penn Foundation. 

Fotografía de Irving Penn (autorretrato), Cuzco, 1948 © The Irving Penn Foundation

Henri Cartier-Bresson en el centro KBr

El centro de fotografía KBr de Fundación MAPFRE en Barcelona presenta hasta el 26 de enero próximo la exposición Henri Cartier-Bresson Watch!, Watch!, Watch!

Pintor, dibujante, cineasta, antropólogo y humanista, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson (Chanteloupen-Brie, 1908 - Montjustin, 2004), fue conocido como el “ojo del siglo”. Sus obras, muchas de ellas convertidas hoy en iconos, muestran, como si de un antropólogo se tratara, algunos de los acontecimientos más relevantes de su tiempo.

Creador prolífico e infatigable, en 1947 cofundó junto a Robert Capa y David Seymour “Chim” entre otros la Agencia Magnum de fotografía, momento a partir del cual se centró en el fotorreportaje. Su actividad como fotógrafo tuvo también su reflejo en la política –aunque el propio artista fomentó su imagen apolítica–, un aspecto que esta muestra pretende poner de relevancia y que hasta ahora había quedado en un segundo plano.

La exposición que muestra el centro KBr, cuando se cumplen veinte años de su muerte, recorre toda la trayectoria del artista; desde sus inicios, influido por el surrealismo y la Nueva Visión, pasando por el fotorreportaje, donde destacan algunos de sus reportajes menos conocidos de la década 1960, hasta su estilo intimista de sus últimos años. De este modo la muestra pretende realizar un verdadero viaje en el tiempo que permita apreciar algunas de las transformaciones de carácter social, político y artístico del pasado siglo, y por añadidura, también de la evolución de la propia fotografía.

El recorrido por la exposición, dividido en diez secciones de carácter temático a la par que cronológico, pretende reconstruir el contexto original de algunas de sus fotografías. Doscientas cuarenta copias originales de plata en gelatina pertenecientes a la Fondation Henri Cartier-Bresson de París –el autor prohibió que pudieran hacerse copias de sus imágenes tras su muerte–, que se acompañan de una cuidadosa selección de sus publicaciones en revistas y libros, además de una película y dos documentales.

Observador paciente y silencioso, pero al mismo tiempo ágil y expeditivo, el artista captaba escenas de personas y de acontecimientos con su cámara Leica compacta de 35 mm. Con una obra diversa y variada, esta exposición desgrana su trabajo mucho más allá del concepto del “instante decisivo” que le hizo famoso. Cartier-Bresson creó composiciones atemporales y marcó el estilo de las generaciones posteriores de fotógrafos. Captó encuentros y situaciones espontáneas y se convirtió en uno de los representantes más importantes de la fotografía callejera.

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KBr Fundación MAPFRE.

Fotografía Hyères, France, 1932 © Fundación Henri Cartier-Bresson

Fotografiar el silencio. Julio López Saguar

En el marco de la celebración de su 125 aniversario, la Real Sociedad Fotográfica inauguró hoy, jueves 07 de noviembre, una exposición del fotógrafo y realizador Julio López Saguar.

Se trata de una escogida selección de imágenes de este prolífico fotógrafo con más de 50 años de trayectoria en el mundo de la realización publicitaria, para el que la imagen ha supuesto una constante en su vida, y donde ha desarrollado un importante trabajo personal.

La exposición muestra solo una pequeña parte de su vasta producción. Son fotografías que, por su composición y equilibrio, transmiten un profundo silencio. Imágenes en las que no hay presencia humana, solo rastros, indicios de su paso. Su mirada se fija en calles, ventanas, escaparates, paredes, mobiliario urbano, lugares de ocio, y espacios abandonados. Todos ellos elementos que revelan, de algún modo, las huellas del devenir humano.

Julio López Saguar transita tranquilamente, en soledad, y cuando algo llama su atención, se detiene a “escuchar” lo que ese elemento o lugar tiene que contarle. En cada viaje personal o profesional, encuentra un hueco para salir con su cámara y captar esos momentos no decisivos que lo interpelaban. El resultado de ese diálogo silencioso es la serie que da título a esta muestra, ‘Conversaciones en silencio’, una selección de fotografías tomadas a lo largo de la última década en distintos lugares de España y del mundo.

Sus comienzos se remontan al año 1973, cuando contaba 19 años de edad y muchas ganas de aprender, pero no tenía medios, ninguna cámara en condiciones, ni conocía a nadie que le centrara un poco en esto. Así que la única solución fue realizar un curso por correspondencia. En 1975 compra su primera cámara réflex, una Yashica TL electro X, la cual le ayudó mucho en esos primeros años, que aún hoy conserva. Esta, junto con un pequeño cuarto que convertía en improvisado laboratorio y un cargamento de ilusión fueron sus primeras herramientas en este mundillo.

Posteriormente fue avanzando en conocimientos de una forma autodidacta, adentrándose en el formato medio, para lo cual adquiere una Yashica Mat 124 y empieza a relacionarse con muchos socios de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, con lo que se enriquece su técnica y empieza a observar de una manera diferente.

En el año 1990 por fin consigue su gran sueño en forma de cámara, una Hasselblad, que, según afirma, es la mejor cámara que ha tenido, por calidad y concepto. Durante todos estos años utilizó casi de forma exclusiva el blanco y negro como soporte. En la década 90/00 lo compatibiliza con la diapositiva y comienza el siglo disparando exclusivamente en color. En el año 2003 cruza la frontera digital adaptándose a este formato de una manera muy natural.

Julio López Saguar ha superado los 400 premios nacionales e internacionales, obtuvo el título de artista por la F.I.A.P. (Federation International de L´Art Photographique), y ha publicado sus fotos en libros, catálogos, revistas, webs y numerosas exposiciones.

Desde hace unos años es miembro de la agencia Getty Images, aunque profesionalmente fue realizador de cine publicitario. Su trabajo fotográfico es un reflejo de lo que vive. Ante todo le inspira el mundo urbano, le interesan mucho la ciudad y sus habitantes.

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Real Sociedad Fotográfica.

Fotografía ‘Vigo, Galicia’ © Julio López Saguar

Homenaje a Paul Auster en el CBA

La muerte de Paul Auster conmocionó al mundo. El escritor, guionista y director de cine estadounidense fallecía en Nueva York el pasado 30 de abril. 

Para rendirle un sentido homenaje, el Círculo de Bellas Artes congregó ayer en Madrid a su viuda, Siri Hustvedt, su hija, la cantante y actriz Sophie Auster, y su yerno, el fotógrafo Spencer Ostrander. Junto a ellos, en la Mesa redonda, la escritora y periodista Inés Martín Rodrigo; el director de cine y escritor David Trueba; el escritor Enrique Vila-Matas, y la directora editorial de Seix Barral Elena Ramírez. Presentó y moderó el encuentro la periodista y escritora Marta Fernández.

Tras la bienvenida institucional a cargo de Juan Miguel Hernández León, presidente del CBA, y Elena Ramírez, intervino en un primer momento la rectora de la UAM Amaya Mendikoetxea Pelayo, que fue quien, en 2022, presidió el solemne acto académico en el que se invistió como doctor honoris causa a Paul Auster. La candidatura fue promovida por la Facultad de Filosofía y Letras de esta Universidad Autónoma de Madrid por “la gran excelencia de su obra literaria y artística, su compromiso social y cultural desde el comienzo de su carrera y por la extraordinaria relevancia que sus textos tienen en el canon literario norteamericano y universal”.

Pocos autores han sido tan leídos, tan queridos y respetados, pocos han dejado una huella tan honda en España, país con el que el escritor estrechó fuertes lazos de amistad y donde tenía numerosos lectores. Unos vínculos que siempre tuvo con nuestro país, al que llegó por primera vez a los 18 años haciendo autostop desde París.

El acto tuvo lugar en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes, lugar que guarda una conexión muy especial con Paul Auster porque es aquí donde tradicionalmente, desde hace casi treinta años, se efectúa la lectura de uno de los libros que más veces leyó y que más admiraba: El Quijote.

Un emotivo homenaje a nuestro querido Paul Auster, aunque sin entrar en los prescindibles sentimentalismos que en mayor o menor medida, a todos nos provoca su pérdida. Antes al contrario, la velada transcurrió con las sucesivas intervenciones de los invitados que no desaprovecharon las oportunidades para que sus notas de humor divirtieran al grupo como al numeroso público asistente que colmó el aforo de la Sala de Columnas. Todos lectores huérfanos y sabedores ya de que nunca más leeremos un nuevo libro de Auster.

La guinda a este pastel la puso la actuación de Sophie Auster, que interpretó la dulce Blue team, canción dedicada a su padre, junto a la pianista Marie Davy, a la vez que se proyectaban de fondo las fotografías de Spencer Ostrander.

La obra de Paul Auster está traducida a más de cuarenta idiomas. Entre sus libros destacan ‘La invención de la soledad’ (1982); ‘La trilogía de Nueva York’ (1987); ‘El Palacio de la Luna’ (1989); ‘Leviatán’ (1992); ‘Tombuctú’ (1999); ‘El libro de las ilusiones’ (2002); ‘La noche del oráculo’ (2003); ‘Brooklyn Follies’ (2005); ‘Sunset Park’ (2010); ‘Diario de invierno’ (2012); ‘4 3 2 1’ (2017); ‘La llama inmortal de Stephen Crane’ (2021); ‘Un país bañado en sangre’ (2023), en colaboración con el fotógrafo Spencer Ostrander, y ‘Baumgartner’ (2024). Escribió los guiones de las películas ‘Smoke’ (1995) y ‘Blue in the Face’ (1995), en cuya dirección colaboró con Wayne Wang, y los de ‘Lulu on the Bridge’ (1998) y ‘La vida interior de Martin Frost’ (2007), que dirigió en solitario. Su obra poética está reunida en el tomo ‘Poesía completa’ (2012) y su obra ensayística y autobiográfica en ‘Ensayos completos’ (2013). Fue también autor de ‘Una vida en palabras’ (2018), un volumen que recoge sus conversaciones con la profesora I. B. Siegumfeldt sobre su obra y el oficio de escribir.

Auster recibió numerosos galardones, entre los que destacan el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, el Premio Médicis por la novela ‘Leviatán’, el Independent Spirit Award por el guion de ‘Smoke’ y el Premio al mejor libro del año del Gremio de Libreros de Madrid por ‘El libro de las ilusiones’. Fue nombrado miembro de la American Academy of Arts and Letters y Comandante de la Orden de las Artes y las Letras francesa, así como Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Madrid. Su obra será publicada próximamente en edición definitiva por The Library of America. 

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Homenaje a Paul Auster (Círculo de Bellas Artes).

Fotografía Mesa redonda © Fernando Torres

El ingenio de Saul Steinberg

La Fundación Juan March inauguró ayer en su sede de Madrid la exposición ‘Saul Steinberg, artista’, la primera retrospectiva completa que se le dedica en nuestro país. 

“No acabo de pertenecer al ámbito del arte, de la viñeta o del dibujo para revistas, por lo que el mundo del arte no sabe exactamente dónde ubicarme”.  Saul Steinberg

Pintor, ilustrador, caricaturista y creador de collages y esculturas, la obra de Saul Steinberg (1914-1999) se resiste a la mera clasificación formal. Su errática trayectoria entre distintos géneros artísticos y literarios es también el reflejo de su vida, de su época y su destino en el convulso siglo XX.

Esta importante exposición retrospectiva de Steinberg recoge dibujos, murales, collages, pinturas, grabados, fotografías, libros de artista o revistas. La muestra explora todas las facetas de este destacado artista e incluye más de 400 obras de colecciones particulares y diversas instituciones, entre ellas la Saul Steinberg Foundation, cuyo fondo digitalizado es posible examinar en su sitio web.

Saul Steinberg, uno de los artistas más célebres de la segunda mitad del siglo XX, es especialmente conocido por sus ilustraciones para las portadas e interiores de la revista The New Yorker, que tan bien retrataron la belleza y las contradicciones de la ciudad en la que vivió. Una estrecha colaboración que duró cerca de seis décadas y supuso que Steinberg se introdujera en los hogares estadounidenses y sacudiera los modos de pensar de la sociedad americana.

Gran amigo del legendario editor Ian Frazier, el filósofo, profesor y crítico de arte Harold Rosenberg definiría a Saul Steinberg como “un escritor que dibuja”, pero su producción artística va mucho más allá: su ingenio y virtuoso juego de imágenes se trasladaría a otros medios menos populares, pero claves en su producción, como fueron la pintura, la gráfica, el collage, el fotomontaje e, incluso, llegar a “dibujar” en tres dimensiones.

Steinberg creó un lenguaje rico y en constante evolución que encontró su expresión plena a través de estas disciplinas paralelas pero integradas. Una gran obra estilísticamente diversa que exhibió internacionalmente en galerías y museos.

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Fundación Juan March.

Saul Steinberg Foundation.

Fotografía de Saul Steinberg (1978) © Evelyn Hofer