Las fotografías de la Colección Walther

Dentro del Festival PHotoEspaña 2021, el Círculo de Bellas Artes presenta la muestra ‘Eventos de lo Social. Fotografía africana en The Walther Collection’. 

Se trata de una de las más importantes colecciones de fotografía y arte visual de artistas africanos o afrodescendientes, que incluye un gran número de obras modernas, contemporáneas, fotografía del siglo XIX de Europa y África, e imágenes nativas.

Entre las obsesiones del coleccionista Arthur Walther está la fotografía vernácula, imágenes cotidianas propias de álbumes familiares de los que se encuentran en los flea markets o los que venden los dealers especializados. En su colección encontraremos diferentes series que, con independencia de la autoría, el estilo, el momento y el lugar en que fueron tomadas, las fotografías nos hablan de una identidad.

De los retratos hechos con daguerrotipo, en un tiempo en que la fotografía se empleaba con un fin científico y policial como es la serie de Thomas Cunningham; los retratos de August Sander, que con la serie ‘Hombres del siglo XX’ buscaba retratar los oficios con cierta objetividad, a la fotografía como herramienta para retratar juegos y escenas de la intimidad, esta institución alemana es una fundación de arte dedicada a la comprensión crítica de la fotografía histórica y contemporánea y la de otros medios relacionados con la imagen.

La Colección Walther tiene como objetivo resaltar el uso social de la fotografía y difundir la historia de este medio en todo el mundo. Durante los últimos diez años, esta fundación se ha configurado en torno al diálogo con fotógrafos, académicos y comisarios internacionales. En particular, y desde su exposición inaugural, con el recientemente fallecido Okwui Enwezor, cuya lectura de la colección supuso también su definición como espacio de significación en el que mostrar, descubrir y estudiar la fotografía, en particular la africana. Y no solo se centra en el continente y su diáspora, sino que es capaz de demostrar una realidad mundial, humana, histórica y geográficamente heterogénea, donde aparecen rasgos comunes como la formulación de una nueva identidad cultural de la que se consideran narradores al tiempo que protagonistas.

La narración de ese complejo imaginario tuvo en el arte y en la fotografía y su exhibición en museos, colecciones y otros formatos expositivos, una plataforma excepcional para la reapropiación de dicha subjetividad, que a partir de entonces se convertirá en un elemento de análisis crítico.

‘Eventos de lo Social. Fotografía africana en The Walther Collection’. Del 2 de junio al 22 de agosto de 2021.

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Círculo de Bellas Artes.

Fotografía ‘Crossing, Between Eloff and Bree Street’ (2008) © Sabelo Mlangeni. The Walther Collection

Margaret Watkins. Black Light

Finaliza la exposición homenaje a la fotógrafa Margaret Watkins, cuya trayectoria artística representó un desarrollo gradual entre el pictorialismo y el modernismo de vanguardia.

La retrospectiva Margaret Watkins. Black Light, producida por diChroma Photography, se ha presentado por primera vez a nivel mundial en la sala Kutxa Kultur Artegunea de Tabakalera, en San Sebastián, para dar visibilidad a la obra de esta pionera en la Historia de la Fotografía que indudablemente contribuyó a forjar, trazando así el camino para que otras mujeres pudieran seguir sus pasos y continuar.

A pesar de no ser muy conocida hoy en día, el nombre de Margaret Watkins (Canada, 1884 - Escocia, 1969) se codea con figuras clave de la fotografía y el arte, como Clarence H. White, Gertrude Käsebier, Alice Boughton, Margaret Bourke-White, Alfred Stieglitz o Georgia O’Keeffe.

Como fotógrafa, Margaret Watkins iniciaría su aprendizaje en el ámbito de la fotografía pictórica de la mano de Clarence H. White, fotógrafo amigo de Alfred Stieglitz y profesor de fotografía estadounidense que fue uno de los principales exponentes del pictorialismo. Pintor antes que fotógrafo, White también tendría como alumnos a Margaret Bourke-White, Dorothea Lange, Ralph Steiner, Doris Ulmann y Paul Outerbridge. Entre las técnicas que enseñaba y animaba a usar entre sus alumnos estaban la platinotipia, el virado al sepia, la goma bicromatada y otras propias del pictorialismo. No ajustándose únicamente a la técnica y la teoría, White destacó como profesor por alentar a sus alumnos a experimentar por sí mismos a través de la práctica.

La trayectoria de Watkins como fotógrafa independiente es excepcional y continuaría consolidándose durante la década de 1920, anticipando una estética vanguardista del diseño gráfico que ya se había extendido por toda Europa y cuyo origen se remontaba a la Bauhaus. En 1923, el Art Center de Nueva York celebra una importante exposición que contribuye aún más al auge y notoriedad que ha ido adquiriendo su trabajo y la visibilidad que le han proporcionado otras exposiciones colectivas e individuales.

Sin embargo, la repentina muerte de White en 1925 marca el comienzo del declive de su carrera, que termina en 1928 con su partida apresurada hacia Europa para visitar a sus tías en Glasgow, donde deberá quedarse finalmente a cuidar de ellas. Visita otras ciudades de Europa y Rusia a principios de la década de 1930, donde toma nuevas imágenes en las que demuestra su capacidad de anticipar las grandes revoluciones estéticas y conceptuales que vendrían después. Atrapada por los acontecimientos históricos, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Watkins abandona cualquier intento de seguir con su carrera.

Margaret Watkins colaboró con grandes agencias de publicidad como Condé Nast, Reimers y Osborn Inc. Advertising o la Agencia Fairfax, y publicó regularmente en revistas de gran tirada, como The New Yorker, Country, o Ladies’ Home Journal, que ya en 1904 fue la primera revista estadounidense en tener un millón de suscripciones​. Al mismo tiempo que lo compaginaba con su labor como profesora en la Clarence H. White School de Nueva York.

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Kutxa Kultur Artegunea.

NOTA: La exposición viaja ahora a Madrid para continuar dentro de la programación del espacio CentroCentro, del 9 de junio hasta el 26 de septiembre de 2021.

Fotografía  ‘Untitled’ (1915) © Margaret Watkins

Gerardo Vielba, el genio renovador

La Sala Canal de Isabel II muestra un recorrido por la producción del fotógrafo Gerardo Vielba. 

Figura clave en el progreso de la fotografía en España, Gerardo Vielba es conocido tanto por su obra gráfica como por sus escritos. En el campo de la teoría y la crítica sus artículos se distinguen por su sensibilidad y aguda capacidad de análisis, pero, sobre todo, por la amplitud de miras con que llegó al fondo y la forma de los más variados estilos fotográficos, sacando a la luz sus valores, incluso de los de aquellos más alejados de su personal concepción de la estética fotográfica.

Considerado como uno de los grandes renovadores de la fotografía, también como conferenciante prolífico Vielba recorrió gran parte del territorio nacional difundiendo la historia de la fotografía y mostrando la capacidad de esta para ser, no sólo un medio de comunicación, sino sobre todo una forma de expresión plástica.

La exposición monográfica, ‘Gerardo Vielba, fotógrafo, 1921-1992’, se compone de 120 obras en blanco y negro que evidencian la fuerza creativa de Vielba, patente en sus imágenes más conocidas y merecedoras de importantes premios, como son el Perutz Internacional (1960) o el Premio Nacional de Bellas Artes (1962). Para esta muestra, que se podrá visitar desde el 19 de mayo al 25 de julio, también  se han rescatado del archivo familiar otras muy valiosas e inéditas, entre ellas las que realizó durante su estancia en París en 1962.

Empeñado en la difusión de la fotografía, Gerardo Vielba pasó gran parte de su vida defendiendo y poniendo en valor la fotografía, tantas veces maltratada en nuestro país, a través de su compromiso total con la renovación del género, especialmente en los años cincuenta y sesenta, y no solo a nivel teórico, sino también en la práctica. Desde 1964 hasta su fallecimiento fue presidente de la Real Sociedad Fotográfica.

Su producción se encuadra en la llamada “Escuela de Madrid” junto con la de fotógrafos como Cualladó, Ontañón, Gómez, Masats y otros. Estos fotógrafos, aún desde enfoques y estilos diferentes, introdujeron una nueva forma de expresión directamente dirigida a explorar al ser humano, plasmando su realidad individual y social. Dentro de estos planteamientos, la obra de Vielba se caracteriza por la serena elegancia en el encuadre y por la penetración intimista y cómplice en los motivos y personajes.

Vielba reunió a su alrededor a una serie de fotógrafos que utilizaban la cámara como medio de expresión, en un país carente de estructura para la promoción de una disciplina que todavía no era considerada arte.

Más información

Sala Canal de Isabel II.

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“Desde la luz. Gerardo Vielba, fotógrafo, 1921-1992”. 

Fotografía ‘Veraneo. Santander, 1960’ © Gerardo Vielba

‘Carole Roussopoulos, cámara en mano’

El Institut français presentó ayer en Madrid un ciclo sobre la directora suiza pionera del vídeoreportaje.

“Lo que me importa es la palabra de los demás, la que nunca escuchamos”. Carole Roussopoulos.

Carole de Kalbermatten, más conocida como Carole Roussopoulos (Lausana, 1945 - Sion, 2009), creció en el Valais y se trasladó a París en 1967. En el año 1969 junto a su marido, Paul Roussopoulos, crean un colectivo de cine llamado Video Out. En 1970, por la insistencia de su amigo, el autor Jean Genet, adquiere una cámara liviana Sony Portapak y empieza a rodar documentales.

Feminista reconocida por sus primeras películas documentales sobre el Movimiento de liberación de las mujeres en Francia, realizaría aproximadamente 150 documentales durante toda su carrera. En 1976, Roussopoulos comienza a colaborar con la actriz francesa Delphine Seyrig. Juntas dirigieron ese mismo año el documental sobre los derechos de las mujeres titulado SCUM Manifesto, basado en el SCUM Manifesto escrito por la feminista radical Valerie Solanas.

Carole Roussopoulos se definía como una escritora pública, que utilizaba el vídeo para dar voz a las personas que suelen ser silenciadas, poco o mal escuchadas. El feminismo fue para ella el mayor de los humanismos, lo que la llevó a abordar un amplio abanico de cuestiones sociales. A lo largo de los años 70, acompañó, cámara en mano, muchas luchas: las de los palestinos y los Panteras Negras, las luchas feministas y obreras, las de las trabajadoras sexuales, el frente de acción revolucionaria homosexual, etc.

En el año 1970, filmó la película documental Genet parle d'Angela Davis sobre la activista política norteamericana Angela Davis. Durante el principio de su carrera, Roussopoulos también presenció y filmó acontecimientos claves en las cruzadas de derechos humanos en París. Por ejemplo, su película de 1971 FHAR (Frente Homosexuel d'Acción Révolutionnaire) documenta el primer desfile por los derechos gay en París.

En 1982, funda junto a Delphine Seyrig y Ioana Wieder el Centro audiovisual Simone de Beauvoir, nombrado así en referencia a la prominente autora feminista y filósofa francesa, con el objetivo de documentar audiovisualmente el movimiento de derechos de las mujeres.

En 1995 Roussopoulos se mudó de nuevo a Suiza para documentar temas suizos que ella sentía que no estaban recibiendo la suficiente atención. Durante este tiempo hizo una serie de películas sobre el cuidado de la salud, enfermedad, envejecimiento y muerte. En 2001 sería nombrada Chevalier de la Légion d'honneur en Francia por sus treinta y dos años de servicio cinematográfico.

En 2009, pocos meses antes de morir, Roussopoulos decidió hacer un documental que mostrara la colaboración con Delphine Seyrig. No pudo terminarlo, y en 2018 Callisto McNulty retomó la idea con el documental ‘Delphine et Carole, Les Insoumuses’ estrenado en la Berlinale y programado después en el festival de San Sebastián en su sección Zabaltegi - Tabakalera.​

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Institut français Madrid.

Fotografía Carole Roussopoulos © Camille Cottagnoud

Garry Winogrand en el KBr

Dentro de las actividades que organiza en Barcelona el KBr, el Centro de Fotografía anuncia la propuesta Diálogos y conferencias, que se llevará a cabo en los próximos meses de mayo y junio.

Según el KBr, Invitad@s se trata de un programa regular de diálogos y conferencias en torno a las exposiciones actuales, en las que intervendrán tanto los fotógrafos y comisarios protagonistas, como otras voces expertas del panorama fotográfico nacional e internacional.

La primera entrega se refiere a una de las exposiciones programadas en la primera mitad de este año. De la fotógrafa Claudia Andujar y la muestra ‘La mirada cautiva’ nos hablarán sus comisarios, Thyago Nogueira y Joan Boadas y David Iglesias, respectivamente; Drew Sawyer, comisario de la amplia antológica de Garry Winogrand que se presentará en junio, conversará con jóvenes fotógrafos. Finalmente, Nicholas Nixon, cuya ‘The Brown Sisters’ forma también parte del programa estival, conversará con Laura Terré.

Garry Winogrand retrató a la bulliciosa América de la segunda mitad del Siglo XX desde la mirada de uno de los fotógrafos más importantes e innovadores del pasado siglo, a la altura de grandes nombres como Walker Evans o Robert Frank .

En 1963, en la solicitud de su primera beca Guggenheim, Winogrand escribió que había estado fotografiando Estados Unidos para intentar averiguar quiénes eran y cómo se sentían los norteamericanos, observando su apariencia mientras la historia se producía y seguiría produciéndose a su alrededor en el mundo.

Garry Winogrand fotografiaba la vida cotidiana y en sus fotografías se pueden ver hombres de negocios, políticos, actores famosos, hippies, soldados, aeropuertos o zoos.

Estos diálogos y conferencias permitirán dar voz a una serie de personalidades directamente vinculadas a las exposiciones para profundizar en el conocimiento de los autores, su obra y aspectos de su biografía, así como comprender ciertos planteamientos expositivos y los diálogos que dichas muestras plantean con algunos creadores de la actualidad.

Las sesiones se desarrollarán íntegramente online los días 4 y 11 de mayo y 8 y 15 de junio.

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Invitad@s KBr Fundación MAPFRE.

Fotografía Los Angeles, 1964 © Garry Winogrand / The Estate of Garry Winogrand

Eugene Smith. ‘El fotógrafo de Minamata’

El pasado viernes el actor estadounidense Johnny Depp presentó en Barcelona la película de factura británica Minamata, donde Depp da vida al fotoperiodista William Eugene Smith.

“Los fotógrafos también se dejan parte de su alma en cada foto que hacen, en cada clic”. Johnny Depp.

Aunque de forma unánime a día de hoy las críticas no sean muy benévolas con esta cinta, un film sobre el personaje de Eugene Smith siempre será de agradecer para todos los que tengan cierta afinidad o curiosidad por este mítico fotógrafo. Pues, como ha dicho el crítico de cine y escritor inglés Peter Bradshaw en The Guardian, se trata de “una película franca y emotiva (...) con una historia que merece la pena ser contada (...)”.

William Eugene Smith (1918 - 1978) comenzó a hacer sus primeras fotografías con 15 años de edad para dos periódicos locales. Tras graduarse en la High School de Wichita, en 1936 le conceden una beca para estudiar fotografía en la Universidad de Notre Dame de Indiana. Un año después dejaría la universidad para trasladarse a la ciudad de Nueva York, allí estudió con Helene Sanders en el NYIP (Instituto de Fotografía de Nueva York). En 1937, comienza a trabajar para News-Week (más tarde Newsweek), pero es despedido por negarse a usar cámaras de formato medio y en adelante se une a la agencia Black Star como autónomo.

Eugene Smith trabajó como corresponsal de guerra para Flying magazine de 1943 a 1944, y un año después para la revista LIFE. Siguió la ofensiva estadounidense contra Japón en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa, sufriendo lesiones graves mientras simulaba las condiciones de batalla para la revista Parade, que requirieron que se sometiera a cirugía.

Una vez recuperado, Smith volvió a trabajar para LIFE entre 1947 y 1955, antes de que renunciara para unirse a Magnum como asociado. En 1957, se convertiría en miembro de pleno derecho de Magnum. Trabajando para la agencia se dedicó fanáticamente a su misión como fotógrafo. Debido a esta dedicación, los editores a menudo lo consideraban “problemático”.

En 1978, un año después de mudarse a Tucson para enseñar en la Universidad de Arizona, Smith moría de un derrame cerebral. Sus archivos se encuentran en el Center for Creative Photography en Tucson, Arizona.

Hoy en día, el legado de Eugene Smith sigue vivo a través del Fondo W. Eugene Smith para promover la “fotografía humanista”, fundado en 1980, que premia a los fotógrafos por sus logros excepcionales en este campo.

Más información

Eugene Smith en MAGNUM Photos.

Enlace de interés

Trailer de ‘El fotógrafo de Minamata’.

Fotografía de Eugene Smith © Takeshi Ishikawa

La fotografía inédita de Nicolás Muller

La Comunidad de Madrid presenta la exposición ‘Nicolás Muller. La mirada comprometida’, que se podrá ver en la Sala El Águila hasta el 30 de mayo.

La muestra la componen 125 fotografías, en su mayoría inéditas, de este gran fotógrafo húngaro que obtuvo la nacionalidad española a finales de la década de 1950. 

Pero antes de instalarse definitivamente en nuestro país y debido al creciente influjo de la Alemania nazi, Muller se había trasladado a París, donde comienza a colaborar con revistas y a relacionarse con otros colegas compatriotas como Robert Capa y Brassaï. Quizá menos conocido que ellos en la actualidad, Nicolás Muller pertenece a esa excepcional lista de artistas húngaros en la que figuran los también fotógrafos László Moholy-Nagy, André Kertész, Martin Munkácsi y Lucien Hervé.

En sus inicios, influido por los fundamentos estéticos de la Bauhaus y del Constructivismo soviético, Muller se dedicó a retratar las duras condiciones de vida y trabajo de los campesinos húngaros. Finalmente, esos reportajes desagradaron a la derecha de su país y fue considerado antipatriótico.

Testigo de una Europa desgarrada, en su búsqueda de una sociedad libre, Nicolás Muller fue recalando en varios de los países que sufrieron la barbarie nazi como Austria, Italia y Francia, o dictaduras como las de Portugal y España. La exposición, que representa un recorrido vital por esos países en los que vivió, la componen fotografías tomadas entre 1930 y 1960. De las cuales, 49 pertenecen al Fondo Nicolás Muller que se custodia en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, que cuenta con más de 80.000 fotografías.

En 1947, la Revista de Occidente le invita a organizar una exposición en España y a partir de esa fecha abre un estudio en Madrid. De esta época datan algunos de sus mejores retratos de artistas, músicos y escritores de la Generación del 98 y de algunos intelectuales españoles de la posguerra como Azorín, Ortega, Pancho Cossío, Pío Baroja, Vicente Aleixandre, Menéndez Pidal, Pérez de Ayala, Aranguren o Marañón, entre otros.

Esta exposición, que está organizada por la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Comunidad de Madrid, el Instituto Cervantes y el Ministerio de Cultura y Deporte, viajará por las diferentes sedes del Instituto Cervantes que coinciden con los lugares en los que Muller vivió y realizó las fotografías que se muestran: Marruecos, Francia, Hungría, Portugal y España.

Más información

Comunidad de Madrid. Sala El Águila.

Fotografía Semana Santa, Cuenca. 1950 © Nicolás Muller