Richard Learoyd, el fotógrafo de la cámara oscura

Después de su paso por el Fotomuseum Den Haag de La Haya, la Fundación MAPFRE presenta en Madrid la exposición del artista y fotógrafo británico Richard Learoyd.

Richard Learoyd nació en 1966 en Nelson, una pequeña localidad situada en el condado de Lancashire, Inglaterra. Su temprano interés por la fotografía comenzó a la edad de 15 años, cuando persuadido por su madre se apuntaría a un taller de fotografía estenopeica. Años después ya estudiaba fotografía en serio en la Glasgow School of Art, donde entre su personal docente se encontraba el fotógrafo paisajista Thomas Joshua Cooper. Allí quedaría fascinado con las primeras imágenes de cámara oscura. Técnica que posteriormente él mismo perfeccionaría, cansado y decidido a regresar a sus orígenes tras impartir clases de fotografía artística en el Bournemouth and Poole College of Art, puesto que mantiene hasta 1999, y de trabajar como fotógrafo comercial hasta 2003.

Para realizar estos singulares retratos, en color y a gran escala, Richard Learoyd emplea una cámara gigante compuesta por dos habitaciones. El sujeto a retratar se sitúa en la habitación que contiene una potente fuente de luz, mientras que el papel fotográfico se coloca en la cámara oscura adyacente, conectada a la primera habitación por un objetivo instalado dentro de un fuelle de acordeón que data del siglo XIX.

El resultado son unas imágenes positivas únicas producidas sin negativo, fruto del registro directo de la luz que se refleja desde el objeto al papel fotográfico, consiguiendo de esta manera unas fotografías de una inquietante intensidad. Para ello los tiempos de exposición pueden ser bastante largos, hasta unas 8 horas, con lo que eso supone para sus modelos, pero son fotografías sin grano ni distorsión.

Algunos de estos minuciosos retratos han sido adquiridos recientemente por The Metropolitan Museum of Art, la Yale University Art Gallery, el San Francisco Museum of Modern Art y el Victoria and Albert Museum, entre otros. En 2015 una gran exhibición de su trabajo tuvo lugar en el Victoria and Albert Museum de Londres, seguida de la celebrada en 2016 en el John Paul Getty Museum de Los Angeles.

Esta exposición, organizada por Fundación MAPFRE y comisariada por Sandra Phillips, se compone de una selección de 51 obras en color y en blanco y negro que resume lo mejor del trabajo de Richard Learoyd a lo largo de una década. En la muestra también se incluye uno de los paisajes realizados en España, concretamente en Lanzarote, resultado de un encargo de la Fundación para incorporarse así a su importante Colección de Fotografía, que ya cuenta con otras dos obras de este artista.

La muestra llega este viernes a Madrid donde se podrá visitar hasta el día 24 de mayo de 2020.

Más información

Fundación MAPFRE.

Fotografía ‘Agnes’ (2013) © Richard Learoyd / Fraenkel Gallery

Gilles Lipovetsky y la nueva modernidad

De visita en nuestro país invitado por el Instituto de Empresa, el filósofo y sociólogo francés Gilles Lipovetsky ofreció el pasado jueves una conferencia en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid.

Lipovetsky es uno de los filósofos contemporáneos más relevantes del panorama intelectual. Desde que en 1983 publicara su libro ‘La era del vacío’, en el que el pensador se preguntaba sobre el futuro de nuestra sociedad actual, sus ensayos son un referente para comprender la sociedad de este cambio de siglo, donde el desarrollo de la tecnología ocupa un puesto preeminente en un mundo digitalizado.

Sin embargo, a la vez que se ha producido dicho desarrollo tecnológico, que ha propiciado un claro aumento de nuestra capacidad para actuar en diferentes ámbitos, también ha provocado más inconsistencia en el ser humano que nunca. Lo que ha venido en considerarse la sociedad postmoderna presenta una sintomatología recurrente, como el consumismo, el hedonismo, el narcisismo apático, la moda y lo efímero, la pérdida de los valores tradicionales, el individualismo excesivo, la cultura de masas y su indiferencia, el culto al ocio, la cultura como mercancía, el ecologismo como pose social, etc.

Partiendo de esta paradoja, Gilles Lipovetsky ha desarrollado ampliamente su concepto sobre la Ligereza* en un ensayo pionero, como lo son muchos otros trabajos suyos. La ligereza, viene a decir este autor, es la tendencia dominante en el espíritu de nuestra época y se manifiesta en todos o casi todos los aspectos de la vida en el mundo occidental, como la política, la tecnología o las relaciones personales.

La postmodernidad ya no sirve para definir el momento actual de las sociedades liberales. Ahora estamos en un momento histórico donde no existen otros sistemas alternativos al presente y donde se impone el mercado. El capitalismo es el sistema económico y social existente porque el comunismo ha fracasado en todas partes, y el mercado debería ser el mecanismo para asignar los recursos escasos de manera eficiente. Cuando el capitalismo también fracasa se hace necesario cambiar el paradigma por un sistema óptimo, que por el momento no conocemos.  

Sus análisis se centran en la creación de una nueva categoría de pensamiento: la de hipermodernidad, que acompañada de un hiperindividualismo, se enfrentará con la imprecisa concepción de postmodernidad. Vivimos actualmente el momento de esa hipermodernidad sin ninguna oposición, sin regulación o normativa y que tiene el estatus de global, relegando así las estructuras y pensamiento tradicionales. 

Más información

Gilles Lipovetsky - Espacio Fundación Telefónica.

  

(*) ‘De la ligereza’. Lipovetsky, Gilles. Ed. Anagrama. 

Fotografía de Gilles Lipovetsky © Fernando Torres

La fotografía social de August Sander

El Círculo de Bellas Artes presenta en Madrid ‘Gente del siglo XX’, una exposición del alemán August Sander organizada por el centro de arte Die Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur, en colaboración con la institución museográfica pública La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona.

‘Gente del siglo XX’ (Menschen des 20 jahrhunderts) se nos muestra ahora gracias a este centro cultural alemán con sede en Colonia que es quien custodia, administra e investiga el gran legado del fotógrafo Augus Sander. El archivo de esta institución cuenta con más de 10.500 negativos y 5.500 impresiones originales de Sander, además de alrededor de 30.000 obras de otros grandes fotógrafos de distintas nacionalidades.

Hijo de un carpintero, August Sander nació en 1876, en una comunidad agrícola y minera al este de Colonia. Su introducción a la fotografía se produjo mientras trabajaba como un joven aprendiz en las minas, cuando un fotógrafo de paisajes visitante le pidió al niño que le sirviera de guía. A pesar de sus antecedentes provinciales, Sander se involucró con muchas de las ideas artísticas de vanguardia de su época, entre ellas la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), un movimiento dirigido por su amigo, el pintor Otto Dix, que abogó por un retorno al realismo y comentario social en el arte.

Si bien están centrados en una época y en un contexto geopolítico muy definidos, los retratos de August Sander se pueden examinar desde una perspectiva más amplia, pues se diría que constituyen un panóptico acerca de la condición humana. Este proyecto personal ocupó a Sander durante unos 40 años, desde principios de la década de 1920 hasta su muerte, durante el cual tomó retratos de cientos de ciudadanos alemanes y luego los clasificó por su clase social y ocupación: agricultores, artistas de circo, prósperos empresarios, aristócratas, etc.

Aunque los nazis confiscaron la primera publicación de la obra de Sander, y la mayoría de sus negativos fueron destruidos por el fuego, sobrevivieron aproximadamente 1.800 negativos de retratos para ‘Gente del siglo XX’, así como las notas de Sander, que junto con los grabados antiguos existentes, han proporcionado la base para la reconstrucción actual del ambicioso plan de Sander en forma de libro y exposición.

Más información

August Sander: Fotografías de “Gente del siglo XX”.

Enlace de interés

Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur.

Fotografía ‘Three Farmers on the way to a Dance’, (1913) © August Sander 

Los derroteros de Peter Kaldheim

Fundación Telefónica acogió ayer en su espacio cultural al escritor y editor norteamericano Peter Kaldheim con motivo de la presentación de su libro ‘El viento idiota’.

Las memorias de este autor han supuesto una de las sorpresas editoriales del año. Se trata del debut literario que Kaldheim celebra a sus 70 años de edad. El relato autobiográfico de un hombre que llegó a tocar fondo debido a su adicción a las drogas. El infierno que padece alguien al que su imperiosa necesidad de consumir la sustancia de su perdición le causó el verse amenazado de muerte el mismo día que, en 1987, a la fría ciudad de Nueva York la sacudía sin clemencia una tormenta de nieve. 

Ese fue el punto de inflexión para Kaldheim, que sintió en su profundo fuero interno que la única salida para todo aquello era la huida. Escapar de allí, con apenas 40 dólares en el bolsillo como único equipaje, dejando atrás su prometedora carrera como editor, un feliz matrimonio… y todos los errores cometidos hasta entonces, iniciando un viaje en autostop por Estados Unidos de costa a costa. 

  

Elogiado por la crítica anglosajona por su sinceridad y sus reminiscencias a Jack Kerouac, lo relatado en ‘El viento idiota’ es la historia real de un hombre que encontró la forma de superar la tragedia para comenzar una nueva vida. Sin magnificar ni hacer apología de la droga, las memorias de Peter Kaldheim ensalzan la empatía que se da entre aquellos que perdidos vagan por inciertos derroteros, así como una celebración de las segundas oportunidades que la vida a veces brinda. Kaldheim describe en ‘El viento idiota’ un país a ras de asfalto, una época y lugares que pocas veces han sido referidos tan emotivamente.

En ese camino hacia una nueva vida reflexiona sobre las razones que lo llevaron de una prometedora carrera en el mundo de la edición a ingresar en la prisión de la Isla Rikers, la prisión más amarga de la Costa Este. Una de las cárceles de máxima seguridad de los Estados Unidos, ubicada en un pedazo de tierra entre los condados de Queens y del Bronx, en el East River.

“Si alguna vez, aunque solo fuese por un segundo, llegaste a fantasear sobre abandonarlo todo y echarte a la carretera para empezar una nueva vida en otra parte, muy probablemente, este relato de lo que me pasó cuando decidí desaparecer del mapa, te va a parecer esclarecedor y, en ocasiones, hasta cómico”. Peter Kaldheim.

Kaldheim estudió literatura inglesa en la prestigiosa Universidad de Dartmouth y desarrolló una breve pero intensa actividad editorial en el Nueva York de los años 70 y 80, hasta que su adicción a la cocaína acabó con todo.

‘Idiot wind’, Bob Dylan. Canción que inspiró el título original del libro: Idiot Wind: A Memoir.

MyFrenchFilmFestival 2020

Desde el 16 de enero hasta el 19 de febrero, Unifrance Films presenta las novedades de la décima edición del MyFrenchFilmFestival, el festival de cine francés online que en esta ocasión preside el realizador estadounidense Ira Sachs.

Un año más, este festival que contó 10 millones de visionados registrados en 200 territorios en 2019, nos ofrecerá en su décima edición la oportunidad de descubrir lo mejor del joven cine francófono. Una selección de 10 cortometrajes y 10 largometrajes entran en competición, pero habrá más sorpresas. 

Serán en total 28 largometrajes y cortometrajes, así como tres películas en realidad virtual, todo ello subtitulado en 10 idiomas y disponible en más de sesenta plataformas en todo el mundo.

El Jurado 2020 está formado por el cineasta americano Ira Sachs, que ha dirigido a Isabelle Huppert en la película ‘Frankie’, seleccionada en competición en el Festival de Cannes del 2019.

La actriz francesa Agathe Bonitzer, que en 2019 trabajó tanto en la serie ‘Osmosis’, como en la película ‘Blonde Animals’, dirigida por Maxime Matray y Alexia Walther, como en la película ‘Les Enfants d'Isadora’, dirigida por Damien Manivel, y premiada en el pasado Festival de Locarno con el Leopardo a la mejor dirección.

Jayro Bustamante, director nacido en Guatemala, cuyo segundo largometraje, ‘Temblores’, fue presentado en la Berlinale y su tercera película, ‘La Llorona’, ha sido seleccionada en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia.

El director y actor americano Brady Corbet, cuyo segundo largometraje, ‘Vox Lux’, fue presentado en la Mostra de Venecia en 2018.

Judith Davis, actriz y directora francesa, trabaja tanto en cine como en teatro. En 2018, dirigió e interpretó el papel principal en el largometraje ‘Tout ce qu'il me reste de la révolution’.

Y la directora de cine de animación de la República Checa, Michaela Pavlatova, ganadora del Oso de Oro en 1995 por su cortometraje ‘Repete’.

Más información

MyFrenchFilmFestival.com

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Cartel de la 10ª edición del festival © Sébastien Plassard

Centenario de la Bauhaus de Walter Gropius

Este año se celebró el aniversario de la fundación de la Staatliche Bauhaus de Walter Gropius.

No podíamos dejar pasar este 2019 sin recordar que ha sido el año en que se cumple un siglo de la fundación de esta emblemática institución que tuvo inicialmente su sede en Weimar (Alemania), y por ende, del importante movimiento artístico multidisciplinar que se originaría en 1919 consiguiendo después una transcendencia universal.

La Staatliche Bauhaus, cuya traducción literal sería ‘Casa de la Construcción Estatal’, más conocida simplemente como Bauhaus, fue la escuela de arte, diseño y arquitectura que nacía por iniciativa del arquitecto y diseñador alemán Walter Gropius. Y que por desgracia cerrarían las autoridades prusianas por mandato del Partido Nazi, para los que las obras que allí se produjeron en aquellos primeros años de existencia no eran otra cosa que Entartete kunst, es decir, ‘Arte degenerado’.

Pese a su nombre y a que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo en sus inicios un departamento de arquitectura. Su propuesta y declaración de intenciones fundacional anunciaban una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas en la que se basaría la gran transformación de la sociedad burguesa de la época, de manera consecuente con el pensamiento socialista de su precursor. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la segunda (1923-1925), mucho más racionalista, y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con el traslado de la escuela de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde la orientación de su programa de enseñanza cambió sustancialmente.

En un principio la Bauhaus no contempló una sección fotográfica, pero ya en 1923 se le encargó el taller de metales al fotógrafo y pintor húngaro László Moholy-Nagy, que introduciría entonces la fotografía como un nuevo medio de expresión artística. Moholy-Nagy ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Bauhaus, donde enseñó la técnica del fotomontaje, el montaje lumínico, la foto escultura y el collage abriendo vías en este campo. En el marco de la expresión fotográfica, Moholy-Nagy promovió la exploración de nuevas formas más que nuevos temas. 

Una de las innovaciones esenciales de esta escuela fue sin duda la de haber asociado de manera sistemática el arte con sus posibles aplicaciones, ya fueran documentales, decorativas o publicitarias. En la escuela de la Bauhaus estudiaron grandes fotógrafos como Herbert Bayer, Lucía Moholy-Nagy, Walter Peterhans, Horacio Coppola, Florence Henry, Grete Stern y Ellen Auerbach, entre otros.

En 1933 la escuela de arte y diseño más grande del mundo fue clausurada por el gobierno de Hitler, para quien la Bauhaus era una fábrica de arte decadente y subversivo.

Fotografía La vida en la Bauhaus: hijos e hijas de los maestros de la Bauhaus en la terraza de una de sus viviendas, Dessau, 1927 © Ise Gropius. Bauhaus-Archiv, Berlín.

Fotógrafos en Roma, un viaje iniciático

Desde el pasado 16 de diciembre y hasta el 19 de enero, la sala Frida Kahlo de Casa de América acoge una exposición que reúne una selección de obras de algunos de los fotógrafos españoles contemporáneos más reconocidos por su calidad artística y que son o han sido becarios en la Real Academia de España en Roma.

Esta exposición pretende mostrar qué se está haciendo actualmente en España en el ámbito de la fotografía, con instantáneas realizadas por artistas como Paula Anta, Juan Baraja, Julio Galeote, Naia del Castillo, Nicolás Combarro, Germán Gómez, Begoña Zubero, David Jiménez, Aitor Lara, José Guerrero, Jesús Madriñán, Fernando Maquieira, Jorge Yeregui y José Noguero.

Asimismo, la exposición nos revela el inicio de esta disciplina en la Real Academia de España en Roma con las emprendedoras fotografías que realizaron Gregorio Prieto y Eduardo Chicharro, los primeros artistas de esta institución que abordaron la fotografía entre 1920 y 1930.

Este iniciático viaje a Roma parte de catorce de las singulares fotografías escenificadas que el pintor Gregorio Prieto (Valdepeñas 1897-1992) realizó junto con Eduardo Chicharro (Madrid, 1905-1964) como parte de una larga serie en las que Prieto era siempre el personaje y Chicharro el “guionista”.

Las restantes obras que se exhiben en la exposición corresponden a los catorce artistas contemporáneos citados, que ofrecen al público una interesante colección de heterogéneas propuestas visuales. Todos estos creadores forman un grupo de fotógrafos que hoy constituyen la primera línea de la fotografía española.

La exposición ‘El viaje a Roma. Fotógrafos becarios en la Real Academia de España en Roma’ del Centro Niemeyer, comisariada por Rosa Olivares, la componen obras de la colección de la Academia de España como parte del programa ‘Enredados’ de la Red de Centros Culturales de España en el exterior (CCE).

Por otra parte, la muestra recuerda al público que en Roma sigue existiendo un lugar mágico que forma y enriquece a artistas españoles y, por ende, al arte español.

Más información

Página web de Casa de América.

Enlace de interés

Academia de España en Roma.