Las ensoñaciones de Man Ray

La Fundación Canal presenta ‘Man Ray. Objetos de ensueño’, una exposición cuyas obras proceden de diversas colecciones privadas españolas y europeas, reunidas en exclusiva para esta ocasión.

Desde el 31 de enero y hasta el 21 de abril se podrá visitar en la Fundación Canal este ambicioso y completo recorrido por los pensamientos del maestro del surrealismo Emmanuel Radnitzky, más conocido como Man Ray. Artista de extraordinaria creatividad patente en todos los temas que abordó y reflejó en los trabajos que realizó durante su trayectoria profesional.

Emmanuel Radnitzky nació en Filadelfia (EE.UU.), en el seno de una familia judía, el 27 de agosto de 1890. Su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. En 1897 la familia se trasladaría a Nueva York. Manny, como era apodado familiarmente, se aficionó a la música y a la danza, incluso fue bailarín. Rechazó una beca para estudiar arquitectura y trabajó como grabador mientras, por las noches, estudiaba en la Academia Nacional de Diseño. Estudió dibujo con Robert Henri y, a partir de 1908, entró en contacto con la vanguardia artística neoyorquina. Frecuentó la galería de Alfred Stieglitz, cuya influencia se aprecia en obras posteriores.

En 1917 Man Ray fundó, junto a los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, el grupo dadá de Nueva York. Al año siguiente empezó a utilizar nuevas técnicas, como el aerógrafo sobre cristal, papel fotográfico y otras superficies. Con Marcel Duchamp montó la Société Anonyme para gestionar actividades de vanguardia, como publicaciones, exposiciones, películas  y conferencias.

Siguiendo a Duchamp, se mudaría a París en 1921 y su estilo tuvo grandes cambios. Empezó a fotografiar personas en lugar de pintar retratos. El desarrollo artístico efervescente de la capital francesa le animó a experimentar y a probar todas las manifestaciones artísticas disponibles.

Man Ray observó que, a pesar de obtener buenas críticas, no estaba a gusto con las fotos que se hacían para los catálogos y la prensa, así que decidió comprar su primera cámara y hacer él mismo las fotografías. Ese trabajo le gustó, hasta el punto de entusiasmarse por haber encontrado una nueva forma de expresión artística.

La exposición se compone de más de un centenar de piezas, para ello se ha conseguido recopilar una selección de fotografías y una gran representación de objetos. Estos objetos fueron bautizados por el poeta francés Robert Ribemont-Dessaignes como “objetos de ensueño”, por tratarse de una mezcolanza de sus recuerdos, sueños y deseos.

Las seis secciones que componen esta muestra perfilan un viaje por el singular mundo onírico del artista. En ellas se podrán contemplar sus conocidos “objetos imposibles”, obras tan icónicas como sus famosas rayografías, sus inquietantes maniquíes o las “máquinas poéticas” que reflejan la estrecha relación y complicidad entre el artista y su gran amigo Marcel Duchamp.

Man Ray fue fotógrafo, pintor, escultor y cineasta relacionado con el arte modernista, el dadaísmo y el surrealismo. Su fotografía de vanguardia y sus originales retratos le hicieron mundialmente famoso.

Más información

Página web de la Fundación Canal.

Fotografía ‘Glass tears’ (1932) © Man Ray

La Morada de las Nieves: Ladakh

Ascendiendo cumbres por variados macizos montañosos, la fotografía me abrió nuevos horizontes y una nueva manera de "mirar". Fernando Ezquerro.

El Museo Nacional de Antropología viene mostrando desde el pasado 8 de noviembre el reportaje que el fotógrafo Fernando Ezquerro realizó en su viaje por los antiguos Siete Reinos del Himalaya. Un recorrido cronológico por el misterioso y místico techo del mundo que constituyen Nepal, Bhutan, Ladakh, Zanskar, Mustang, Sikkim y Tíbet, por los que se extiende la imponente cordillera del Himalaya, que se yergue como telón de fondo de las diferentes culturas que lo componen.

Este mes de enero es el turno de 'Ladakh, el país de los pasos elevados', una región en el estado indio de Jammu y Cachemira. El proyecto pretende ser un amplio recorrido fotográfico por los grandiosos paisajes de este salvaje y espiritual territorio, retratando también a sus entrañables habitantes de cultura y creencias ancestrales. La cámara de Fernando Ezquerro ha recogido imágenes del antiguo reino de Ladakh, el pequeño Tíbet, territorio situado al norte del Himalaya, formando parte de la meseta tibetana y ajeno a las copiosas lluvias monzónicas, lo que lo convierte en un frío desierto de altura. Las precipitaciones sólo son habituales en invierno en forma de nieve. El río Indo atraviesa la región ladakhí, siendo no solo una arteria fluvial, cuyas orillas son casi los únicos espacios de abundante arbolado y campos de cultivo, sino también cultural. Los principales núcleos habitados están en sus proximidades y su capital Leh era paso obligado de las rutas comerciales que cruzaban el reino entre el Punjab indio y Asia central. Esto propició el asentamiento de diversas culturas y etnias. Desde el cierre de las fronteras del Tíbet, el comercio internacional prácticamente ha desaparecido.

Las fronteras históricas del reino incluían Baltistán, Lahaul, Spiti y el antiguo reino de Guge en Tíbet; pero sucesivas guerras con mogoles y tibetanos fueron reduciendo su territorio. La independencia de la India y la separación de Pakistán configuraron el Ladakh actual, que a excepción de la capital, ha variado muy poco los modos de vida de una sociedad rural basada en el cultivo de cebada, trigo y vegetales para consumo propio, así como el pastoreo de yaks, cabras y ovejas. La reciente afluencia de turismo de montaña ha introducido nuevas oportunidades.

Excepto en Kargil, el valle del Suru y Leh, la mayoría de la población es budista y su religión está muy presente en el día a día de los habitantes. La hostilidad de este hábitat les obliga a vivir con flexibilidad aunque permaneciendo fieles a sus principios básicos y acumulando buen karma para las sucesivas reencarnaciones. Por todo Ladakh hay varios e importantes monasterios que conservan y difunden la religión, pudiendo sus moradores vivir el budismo en total libertad.

En el Himalaya confluyen realidades físicas, culturales y espirituales que la convierten en una cordillera mítica. La montaña es un símbolo universal del axis mundi, donde se unen la tierra y el cielo. Es fuente de diversidad, de vida y de sabiduría, y ha atraído al ser humano en la búsqueda del sentido de la existencia.

Programa de la exposición:

1. ‘Nepal, la tierra al pie de las montañas’: 8 de noviembre al 9 de diciembre.

2. ‘Bhutan, el país del dragón del trueno’: 11 de diciembre al 5 de enero.

3. ‘Ladakh, el país de los pasos elevados’: 8 de enero al 3 de febrero.

4. ‘Zanskar, el valle de cobre’: 5 de febrero al 3 de marzo.

5. ‘Mustang, la llanura fértil’: 5 de marzo al 31 de marzo.

6. ‘Sikkim, la tierra de los grandes picos’: 2 de abril al 28 de abril.

7. ‘Tíbet, la gran meseta’: 30 de abril al 26 de mayo.

Más información

Página web oficial de Fernando Ezquerro.

Fotografía de los Himalayas © Fernando Ezquerro

Van Gogh, una experiencia multimedia

Tras su mundial éxito de público, llega esta Navidad al Círculo de Bellas Artes de Madrid la exposición ‘Van Gogh Alive–The Experience’, una innovadora muestra que combina miles de imágenes en movimiento, luz y música para recrear el universo pictórico del artista neerlandés.

 

De nuevo Van Gogh es noticia y cobra el protagonismo que nunca tuvo en vida. Hace ahora justamente un año se estrenaba en nuestro país un homenaje al pintor en formato cinematográfico. ‘Loving Vincent’ fue el resultado de la fusión de la acción real de actores, imágenes generadas por ordenador y el ímprobo trabajo de más de un centenar de pintores.

A lo largo de más de un siglo las pinturas de Vincent Van Gogh se han expuesto en los más prestigiosos museos del mundo, pero en esta ocasión las obras del artista van a ser contempladas de manera muy distinta a la acostumbrada. No se trata por tanto de una convencional exposición de arte, sino que, más acorde a los tiempos que corren, la visita se concreta en una estimulante experiencia para los sentidos en la que el espectador se verá rodeado de las pinturas a tamaño mural, en paredes, columnas, techos y suelos.

Gracias a la nueva tecnología SENSORY4TM, el arte de Van Gogh se vive como una experiencia visual aún más impresionante, de vibrantes colores y formas. Un viaje más allá del tiempo y el espacio acompañando al pintor en Arles, Saint Rémy y Auvers-sur-Oise, lugares donde creó la gran mayoría de sus obras maestras. Y así contemplar las constelaciones que plasmó en ‘La noche estrellada’, ver cómo emprenden el vuelo los pájaros de su célebre ‘Trigal con cuervos’ u observar con detalle sus famosos autorretratos y cuadros geniales tan populares como ‘Los girasoles’ y ‘La habitación de Arlés’.

Más de 3000 imágenes de Van Gogh a gran escala, sincronizadas con piezas de música clásica, crean un auténtico festival para los sentidos donde el espectador se olvida de las ideas preconcebidas sobre las tradicionales visitas a museos, recorriendo silenciosas galerías, para disfrutar de las obras vistas desde otras perspectivas.

Además, quienes accedan a esta muestra multisensorial ‘Van Gogh Alive–The Experience’ tendrán el acceso gratuito al resto de exposiciones del Círculo de Bellas Artes.

Más información

Página web de ‘Van Gogh Alive’.

Enlace de interés

Programación del Círculo de Bellas Artes.

Eugenio Recuenco, del arte a la fotografía

El Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) muestra hasta el próximo 20 de enero ‘Eugenio Recuenco: 365º’, una exposición que permite observar en profundidad las temáticas y formas de la inspirada obra de este genio de la fotografía y artista total.

Sin duda esta recomendable exposición de Recuenco es una buena manera de despedir 2018 y recibir el nuevo año. La muestra se compone de 366 fotografías del artista, realizadas a lo largo de 8 años de trabajo, para hacer un recorrido icónico por los últimos 50 años de nuestra historia reciente.

Eugenio Recuenco nació en Madrid en mayo de 1968, coincidiendo con la “primavera revolucionaria” que acontecía en capitales europeas como París o Praga. Desde niño demostró tener vocación artística, por lo que a nadie sorprendió que se matriculara en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, donde se gradúa con una maestría en Pintura.

Sus elaboradas puestas en escena recrean situaciones relacionadas con el arte, la política, el 11-S, La Guerra de las Galaxias, Facebook, Donald Trump, etc. Unas veces estas referencias resultan evidentes, otras no tanto, pero en cualquier caso las obras son interpretaciones pasadas por el filtro personal de la mirada de este autor. Por su formación académica, Recuenco siempre se ha imbuido del arte para crear sus fotografías y las que ahora nos presenta no son una excepción, claro está. Hay múltiples inspiraciones y “homenajes” tan dispares como el Renacimiento, Edward Hopper, Picasso, Tamara de Lempicka o el Nosferatu de Murnau.

En todas sus imágenes se puede advertir el modus operandi que le caracteriza, y que consiste en crear realidades para plasmar de manera singular una determinada iconografía. Las imágenes se componen situando a los personajes, ataviados apropiadamente para la ocasión, en un habitáculo creado al efecto con técnicas de attrezzo cinematográfico. El cubículo puede transformarse en un bar de Hopper, una sauna de odaliscas o el rincón de un museo. La magia de Recuenco logra que todo se corresponda con su universo personal y posea el característico estilo que le hace tan reconocible.

Su imaginación y sensibilidad como artista le han propiciado colaboraciones con las principales revistas de moda del panorama nacional e internacional, como son Vogue, Vanity Fair, GQ, Stern, Spoon, Madame Figaro, Marie Claire, Wad, Planet, Kult, Twill o Zink. El mundo publicitario también se fijó en él y su primer encargo fue para la firma Boucheron. Recuenco aceptó filmando así el primer spot televisivo de su carrera. Posteriormente fue contratado por marcas tan prestigiosas como Loewe, Nina Ricci, Diesel, Shangai Tang, Yves Saint Laurent, Playstation, Custo, Le Bon Marché, BSI Lugano, Naf Naf, Mango o Pernod Ricard para crear la imagen de sus productos.

Su obra ha estado expuesta en diversos museos y galerías y ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales. En 2013 la Galería CWC de Berlín organizó la primera exposición en Alemania del artista solo. Y una gran parte de su obra estuvo expuesta en el Grand Palais de París y en la Fotografiska de Estocolmo, entre otras.

Más información

Página web del CEART de Fuenlabrada.

Página web oficial de Eugenio Recuenco.

Adiós a Bernardo Bertolucci

Bertolucci murió hoy a los 77 años de edad en su casa de Roma, situada en el elegante y tranquilo barrio de Monteverde Vecchio.

El pasado día 18 de este mes se cumplieron diecinueve años del fallecimiento del escritor norteamericano Paul Bowles, autor de la novela que terminó convirtiendo en una obra de arte el gran cineasta italiano Bernardo Bertolucci. ‘El cielo protector’ (1990), adaptación de la novela homónima de Bowles, es junto a ‘El último tango en París’ (1972), ‘Novecento’ (1976) o ‘El último emperador’ (1987) una de las películas fundamentales del director. Sin olvidarnos de otras más recientes como ‘Soñadores’ (2003), en la que de una manera personal Bertolucci abordaba los sucesos de Mayo del 68 en París, o su última cinta, ‘Tú y yo’ (2012), basada en una novela breve del escritor italiano Niccolò Ammaniti.

Influido por su padre el poeta Attilio, Bernardo Bertolucci (Parma, 1940) demostraría también vocación para la poesía. Sin embargo, tras ganarse una reputación como buen escritor en la Universidad de Roma La Sapienza, comenzó a experimentar con el cine grabando sus primeros cortometrajes con una cámara de 16 mm, contando para ello con la ayuda de su hermano Giuseppe. 

En 1961 fue ayudante de dirección en ‘Accattone’, primera película de Pier Paolo Pasolini. Un año después se estrenaría como director de su primer largometraje, ‘La commare secca’ (La cosecha estéril). Además de la influencia del maestro Pasolini, en su trayectoria fue igualmente notable la de otros admirados colegas como Jean-Luc Godard y Akira Kurosawa, así como los grandes directores del neorrealismo italiano.

Sin duda fue la producción franco-italiana ‘El último tango en París’ la que le reportó fama mundial, si bien no exenta de una gran polémica, pues la película estuvo prohibida en diferentes países, entre ellos España. No obstante, esta obra le propició su primera nominación al Oscar. Para ella contó con el brillante Marlon Brando y una jovencita Maria Schneider.

Poco después, Bertolucci regresaría a un cine de autor más genuino con películas como ‘Novecento’, volviendo a demostrar todo su talento en la multipremiada ‘El último emperador’, con la que esta vez sí ganó el Oscar al mejor director, entre otros.

En ‘El cielo protector’ la magistral dirección de Bertolucci nos introduce en la adaptación de la aventura que un Bowles narrador omnisciente comienza a contar desde una distante mesa de café. Situación privilegiada que permite al escritor ser imparcial con su relato, si bien hay mucho en él de autobiográfico, además de una gran novela de viajes en la que está también presente la vivencia de su esposa Jane, con la que Bowles fijó su residencia en Tánger en 1947.

A lo largo de su carrera Bertolucci mantuvo siempre un estilo personal con múltiples referencias a los grandes clásicos del séptimo arte que nos deja ya como legado.

El Art Ensemble of Chicago en JAZZMADRID

El legendario Art Ensemble of Chicago inaugura este año una nueva edición del Festival Internacional de Jazz de Madrid.

La mítica banda de jazz estará hoy en Madrid en la que probablemente sea ya su última gira, por tanto podría no repetirse esta gran oportunidad para disfrutar con el singular estilo de estos veteranos músicos, que para este concierto no solo contarán con los habituales saxos, trompetas, contrabajo y batería, sino que también incorporan cello y percusión africana.

A mediados de los años sesenta, el saxofonista Roscoe Mitchell formaba una banda para ofrecer, en diciembre de 1966, un concierto de jazz en la ciudad de Chicago. La banda iniciaba entonces su andadura con el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969 en París, al registrar la primera grabación del grupo, cuando adoptaron el nombre de Chicago Art Ensemble. Esta banda de músicos innovadores estaba formada originalmente por Mitchell al saxo, Malachi Favors al contrabajo, Lester Bowie a la trompeta y Philip Wilson a la batería. El saxofonista Joseph Jarman se uniría al grupo en 1967, y ocasionalmente también colaborarían, entre 1967 y 1968, los baterías Robert Crowder y Thurman Baker, así como el bajista Charles Clark. En 1970, se incorporaría Don Moye, ya como batería estable.

La banda se granjeó una sólida reputación dentro del mundo del free jazz, colaborando en ocasiones con otros músicos notables, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Cecil Taylor y Muhal Richard Abrams. La formación cambiaría sus integrantes en los años noventa, cuando Jarman se retira de la banda para centrar su actividad en el zen y el aikido (1993), y Bowie muere de cáncer (1999), continuando el grupo como trío (aunque esporádicamente se les unían diversos músicos en sus actuaciones) hasta 2003, año en que Jarman regresa al grupo. En enero de 2004 Favors moría súbitamente durante la grabación de ‘Sirius Calling’, por lo que el grupo se reorganiza con el trompetista Corey Wilkes y el bajista Jaribu Shahid, participando en la grabación del álbum ‘Non-Cognitive Aspects of the City’ (2006) para la compañía discográfica Pi Recordings.

Fieles a los principios conceptuales de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), dentro de lo que denominaron “Gran Música Negra”, alternaban el jazz más clásico con la vanguardia. Desde sus inicios el grupo mostró un insistente interés por una purista improvisación, pero también por los sonidos heterodoxos de instrumentos accesorios.

Las composiciones de Mitchell dominaron al principio el concepto de grupo, pero con la llegada de Jarman la banda asumiría una idiosincrasia más diversa en términos de estilo, lo que se hacía patente en sus peculiares actuaciones en vivo.

Saxofones, flauta: Roscoe Mitchell.

Batería, congas y percusión: Famoudou Don Moye.

Trompetas: Hugh Ragin.

Cello: Tomeka Reid.

Contrabajo: Jaribu Shahid.

Percusión africana: Dudu Kouyate.

Día 6 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Sala Guirau.

Más información

Página web de JAZZMADRID.

Fotografía del Art Ensemble of Chicago © Fernando Torres

Pérez-Fajardo, el fotógrafo del rock and roll

El Centro internacional de fotografía y cine (EFTI) presenta la exposición ‘Soundtrack’ de Juan Pérez-Fajardo, considerado “el gran fotógrafo del rock and roll en España”, del 26 de octubre al  23 de noviembre.

Las portadas de los discos de la flor y nata de la música en nuestro país, así como una gran mayoría de las fotografías realizadas a una interminable lista de músicos en sus respectivos conciertos son el testimonio gráfico que Pérez-Fajardo (Madrid, 1969)  y su cámara han captado en directo las últimas décadas de la escena musical española, como Bunbury, Sabina, M Clan, Pablo Alborán, Siniestro Total, Coque Malla... Y no solo de los de aquí, también las de los grandes de los escenarios internacionales como The Rolling Stones, The Who, AC/DC, Kiss, Patti Smith, Blondie, Bryan Ferry, Iggy Pop, Neil Young, Leonard Cohen, Beck, Foo Fighters o Santana, entre otros.

Fotógrafo oficial en España de la marca de guitarras Gibson, en 2008 los de National Geographic le premiaron la fotografía de un paisaje americano. Ha cubierto grandes conciertos y los festivales de medio mundo para importantes publicaciones como Rolling Stones, Rock de Luxe, Ruta 66, Mondo Sonoro, El País, Esquire…, y está detrás de las fotos promocionales de un gran número de músicos. Editó el libro ‘Bunbury en crudo y al natural’ con el cantante, y realizó el DVD sobre el viaje/grabación del disco de M Clan en Nashville. Fajardo ha conseguido también hacer realidad el sueño de cualquier fotógrafo musical del mundo que es formar parte de la colección permanente del Hard Rock Hotel & Casino de Las Vegas o el de Alburquerque y Madrid.

“La mirada de Fajardo es música y 'Soundtrack' es la banda sonora de su trayectoria fotográfica. Juan ama la música y sus fotografías lo destilan, Juan entiende los acordes tanto como entiende la luz y el movimiento, y Juan se entiende con los músicos porque él es música y sus fotos suenan”, explica EFTI en nota de prensa.

La exposición la conforman alrededor de 60 retratos de artistas realizados a lo largo de dos décadas dedicadas a la fotografía y a la música, aunando la técnica fotográfica con su corazón rockero.

“Son imágenes llenas de confianza por parte de los artistas que se ponen en el ojo de Juan Pérez-Fajardo, en el ojo musical y amigo de otro gran artista”. EFTI.

Más información

Página web de EFTI.

Enlace de interés

Fotografías de Pérez-Fajardo en Flickr.

Fotografía de Angus Young © Juan Pérez-Fajardo